Vi har set utallige hardware-synthesizere i løbet af de sidste 40 år – og markedet for dem er i øjeblikket blomstrende – men kun få instrumenter kan hævde ægte klassikerstatus. Disse synths fik en historisk indflydelse og ændrede den måde, som fremtidige instrumenter ville blive designet på, og vigtigst af alt inspirerede de musikere, der spillede dem.
Det er disse synths, vi hylder her, når vi tæller de 10 bedste synths gennem tiderne ned. Du vil naturligvis have dine egne ideer om, hvad vi burde have medtaget (eller udeladt), og dine meninger er nu mindre gyldige end vores egne. Det gjorde os ondt at udelade nogle af klassikerne, og vi debatterede længe og hårdt over nogle af de inkluderede.
Det kan dog ikke benægtes, at hver og en af disse synths har sat et uudsletteligt præg på musikindustrien. Du vil bemærke, at en god del af dem blev designet og bygget af enkeltpersoner, der arbejdede med begrænsede midler, men med en ubegrænset fantasi. De har alle en karakter, der er unik for det pågældende instrument. Nogle er stilfulde, andre skæve og alle er de stadig et kig værd. Måske endnu mere nu, hvor industrien er oversvømmet af masseproducerede instrumenter på samlebånd.
Hvis du ejer et af disse instrumenter, kan du regne dig selv blandt dem, der er indsigtsfulde nok til at genkende en Very Good Thing, når du ser et. Hvis ikke, er der altid eBay.
Lad nedtællingen begynde.
Oberheim OB-Xa
Succesen med Sequential Circuits’ Prophet-5 rystede synthbranchen. Monosynths blev erklæret døde næsten fra den ene dag til den anden, og hvis din synth ikke kunne gemme lyde, kunne du lige så godt have skrottet den til reservedele.
Alle producenter, der havde råd til det, begyndte at pumpe konkurrerende produkter ud. Nogle forsøgte at få prisen på programmerbare polyfoniske synthesizere til at falde, mens andre, som Oberheim, forsøgte at sætte deres eget præg på dem.
Oberheim havde i virkeligheden været der før Sequential. De tilbød polyfoni i form af deres OB Four og Eight Voice instrumenter, der blev opnået ved at spænde en håndfuld af deres S.E.M. moduler ind i en kuffert, sætte et keyboard på og forvente, at brugeren kunne justere hver enkelt S.E.M. på samme måde. Der var endda en rudimentær programmør til rådighed, der kunne gemme nogle (men ikke alle) parametre til senere genkaldelse. De lød enormt godt, men de var mildest talt vanskelige at håndtere.
Oberheim tænkte sig lidt om, efter at Prophet-5 susede forbi, og tog det bedste fra sine tidligere designs og kombinerede dem i den enorme OB-X. Det fungerede glimrende og affødte en række opfølgere, hver med sine egne specifikke kvaliteter og finesser, og hver med sin egen loyale fanskare.
Vi kunne have valgt OB-X eller OB-8 til vores liste, men vi valgte den, der lå lige i midten, OB-Xa.
Lige OB-X, der gik forud for den, var OB-Xa tilgængelig i fire-, seks- eller otte-stemmige versioner og havde en noget forenklet signalvej med to oscillatorer. OB-Xa tilføjede dog et 24 dB filter til OB-X’s 12 dB job, og faktisk kunne man skabe lagvis af lyde, der kombinerede begge for at opnå en mere kompleks og engagerende lyd.
Og sikke en lyd det var. OB-Xa er måske det enkeltstående fattest klingende instrument, som vi nogensinde har hørt. Brugere, der vover at klikke på den Unison-knap, skal måske have deres tænder omlakeret. Ja, den er stor.
Som alle Oberheim-instrumenter på den tid kunne OB-Xa piskes sammen med en DMX- eller DX-trommemaskine og en DSX-sequencer for at danne et komplet Oberheim-“system”. Et sådant System i fuld gang var et syn at se på i disse præ-MIDI dage, en teknologisk våd drøm, der var langt uden for rækkevidde for alle andre end de mest succesfulde musikere på den tid.
Emulationer: Arturia’s Oberheim OB-Xa V er en grundig plugin-genoprettelse, og der er også den gratis OB-Xd fra discoDSP. Behringer arbejder også på en hardware-klon.
Roland JD-800
Det var en svær beslutning, at sætte JD-800 på listen i stedet for den massivt populære D-50. Sidstnævnte er vel nok klassikeren mellem de to og repræsenterede et stort skift i Rolands tilgang til instrumentdesign og salg. Alligevel var JD-800 ærligt talt et langt bedre instrument.
Lige D-50 kombinerede JD’en samplebaserede oscillatorer med en ret typisk signalvej, der omfattede et resonansfilter, envelope-generatorer og lignende. JD-800 tilbød dog noget, som ikke var tilgængeligt på nogen anden samplebaseret synthesizer: en spandfuld sliders. Jep, JD’en vendte tilbage til den analoge æra og tilbød masser af realtidskontrol (som desværre kun kunne overføres via SysEx). Den var stor, imponerende og yderst sexet, selv om den mest var lavet af plastik.
Mere end det, så lød den helt utroligt godt. På et tidspunkt, hvor fabrikanterne gjorde deres bedste for at proppe så mange grynede 8-bit samples med lav hastighed som muligt ind i et instruments ROM, brugte Roland kun hi-res ting, hvilket resulterede i en fremragende lydkvalitet.
A desværre blev JD-800 udgivet et årti for tidligt. Den analoge genoplivning var stadig år undervejs, og salget gik i stå (i hvert fald efter D-50 standarder). Roland vidste dog, hvad de havde, og teknologien bag JD-800 ville dukke op igen og igen i deres bedst sælgende serie af rack-monterbare MIDI-moduler.
Emuleringer: Der findes ingen direkte emuleringer af JD-800, men Rolands JD-XA kan ses som en åndelig efterfølger.
Yamaha CS-80
Alt ved CS-80 var stort. Fysisk var det et massivt bæst med en vægt på over 200 pund. Den har et enormt, prangende frontpanel, der er prydet med vippeknapper, skydere og den bedste båndcontroller nogensinde.
Otte stemmer med polyfoni, aftertouch og tydelig ringmodulation var blandt de funktioner, der blev tilbudt, da CS-80 blev udgivet i 1976. Den var finurlig og skæv og besad en slags pseudo-programmerbarhed i form af en klapdør, der skjulte det meste af et miniaturefrontpanel, og som kunne indstilles før dit show. Hvis man altså turde tage den med til en koncert.
Det var også enormt ustabilt med analoge oscillatorer, der drev ved enhver lejlighed. For varmt? For kold? Bang ud af stemning. For fugtig? Glem det. Skal du flytte den? Niks. Alene det at vippe den på hovedet for at køre den rundt på hjulene ville sætte den ud af balance.
Hvis du var en af de heldige få, der havde en stabil CS-80 (eller havde råd til at hyre den til den skræmmende kalibreringsproces), ville du have kunnet benytte dig af et apparat, der var i stand til at give et uovertruffent udtryk. CS-80 føltes som et rigtigt instrument. Man kunne få den til at bøje sig efter ens humør og vilje. Den reagerede smukt på aftertouch. CS-80 kunne skrige som en banshee, græde klagende, eller banke et mønster så delikat som regn på et glasmaleri.
Vi har for nylig set et for over 10.000 smækere, og ved du hvad? Køberen vil få noget for pengene.
Emulationer: Deckard’s Dream MK2 er utvivlsomt inspireret af CS-80, og Yamaha har antydet, at de måske overvejer at genoptage instrumentet i en eller anden form. Det er uundgåeligt, at der også har været snak om en Behringer-klon.
På softwaresiden skal du ikke lede længere end til Arturias CS-80 V.
Korg Wavestation
For at forstå Wavestationens tiltrækningskraft skal du tage dig selv tilbage til 1990. Analogt var dødt, og FM var på livshjælp. Sample-afspilningsinstrumenter havde bidt sig fast, og tidens største sælgere blev ikke set som meget mere end glorificerede orgler, der kunne kalde et rimeligt overbevisende samplet ensemble frem til Holiday Inn-publikummet: “Tak, mine damer og herrer, jeg er her hele ugen. Glem ikke at give drikkepenge til servitricerne”.
Det var netop i dette miljø, at Korg vovede at udgive Wavestation. Wavestation var et produkt af et amerikansk team af designere, der blev reddet fra det nu nedlagte Sequential Circuits, og den delte vektorsyntese med Sequential’s Prophet-VS.
De indbyggede samples var af decideret elektronisk karakter, uden de sædvanlige trommesæt, klaverer eller nylonguitarer (i hvert fald ikke i øjeblikket). De kunne stables, lægges i lag, filtreres og bearbejdes af et stadig imponerende udvalg af effekter. Endnu bedre var det, at du kunne krydstone og blande dine lyde med det joystick, der var monteret over pitch- og mod-hjulet.
Det kunne have været nok til at ryste synthesisterne ud af deres dvaskhed, men det var medtagelsen af wavesequencing, der fik vægten til at tippe. Wavestation gav brugerne mulighed for at sætte alle de indbyggede bølgeformer sammen i en række med individuel kontrol over tonehøjde, lydstyrke og crossfade-tid.
Med denne teknologi var det en leg at skabe lyde, der skiftede og udviklede sig over tid. Komplekse rytmiske passager kunne ligeledes skabes. Det var og er genialt, selv om det anses for at være svært at programmere. Heldigvis er der software-editorer til rådighed til den tingest selv den dag i dag, for ikke at nævne en yderst overbevisende virtuel inkarnation fra Korg selv.
Emulationer: Korg har udgivet både desktop- og iOS-versioner af Wavestation, mens Wavestate-hardwaresynthesizeren giver en god lyd, samtidig med at den i høj grad er et nyt instrument.
Yamaha DX7
I denne tid med retro-fetichisme kan det være svært at tro, at musikere engang kunne være blevet trætte af analoge synthesizere. Alligevel var det netop den stemning, der havde lagt sig i den elektroniske musikindustri, da 1980’erne kom i gang.
Efter mere end et årti med intet andet end analogt var musikerne på udkig efter den næste store ting, og en mega-koncern arbejdede tilfældigvis på netop den. Den blev kaldt DX7, og den rystede hele musikverdenen ved sin udgivelse i 1983.
Med dengang svimlende 16 stemmer polyfoni, et keyboard i fuld størrelse med velocity- og aftertouch-funktion, var DX7 anderledes både udvendigt og under motorhjelmen. DX7 var nemlig det første masseproducerede instrument, der benyttede FM-syntese, en teknik, der var udviklet af John Chowning på Stanford og licenseret af Yamaha.
I modsætning til den velkendte analoge FM-stil, der ses på nogle få semi-modulære instrumenter, var Yamahas variant af FM ikke blot en effekt; den var kernen i instrumentets arkitektur, og den fik nogle gamle kyndige til at klø sig i hovedet. Faktisk fik DX7 hurtigt FM-syntesen et noget ufortjent ry for at være vanskelig at programmere og gav næsten egenhændigt fødsel til lyddesignindustrien for tredjeparter i processen.
Sandheden er, at FM ikke er alt for vanskelig at forstå; det var simpelthen ikke særlig sjovt at patche en parameter ad gangen og med meget lidt visuel feedback. På godt og ondt indvarslede DX7 også æraen for menustyret syntese takket være det spartanske frontpanel og det diminutive display. Alligevel opdagede de, der programmerede den, et væld af nye og spændende klangfarver.
DX7’eren kunne være kold, klar og krystallinsk. Den var i stand til at lave skarpe perkussive klangfarver og hårde baser som negle. Lydene kunne også være ganske livlige, hvis man var en af de få, der gad at bruge de mange realtidskontroller, herunder det meget underudnyttede breath control input.
De fleste brugere nøjedes dog med de mange presets. Fra de nu berømte elektriske klaverer til den overforbrugte mundharmonika (!) blev DX7 hurtigt allestedsnærværende og solgte i et antal, som hidtil havde været uhørt for en synthesizer. Det er let at smadre den i dag, men den var et frisk pust dengang i ’83 og revitaliserede (og i en vis udstrækning kommercialiserede) synthesizerindustrien.
Emulationer: Yamaha har den nuttede Reface DX, mens Korg tilbyder den endnu mere nuttede Volca FM. Hvis du vil have et plugin, har Arturia endnu engang forpligtet sig med DX7 V, og der er også Native Instruments’ evigt grønne FM8.
Penny-pinchers bør prøve den gratis Dexed på PC og Mac eller AudioKit’s FM Player 2, en DX-synth til iPad.
ARP 2600
Hvis Minimoog blev designet til at forenkle modulær syntese til masseforbrug, så blev ARP 2600 skabt til at hive hele molevitten i hænderne på udøvende musikere. I stedet for at begrænse mulighederne med en skrevet i sten signalvej, som Moog gjorde, præsenterede 2600 et fuldt patchbart instrument i en forholdsvis kompakt pakke.
Med tre oscillatorer, støj, filter, ringmodulation og reverb kunne 2600’s faste signalvej besejres ved at sætte kabler ind i stort set alle punkter i instrumentets arkitektur. Det betød, at det var lige så komplekst, som man havde brug for det. Der kunne oprettes respektabelt komplekse patches uden at tilslutte et eneste kabel, men når du først valgte at gøre det, var der ingen grænser for, hvad du kunne gøre. Vi har hørt 2600’ere producere alt fra pseudosekvenser til komplette trommebeats, komplet med swing.
2600’eren fik et ben til jorden med sine stabile oscillatorer, og de tidlige modeller nød godt af et filter, der var alt for lig Moogs (i hvert fald for så vidt Moogs advokater var bekymrede). 2600 gennemgik en række revisioner i løbet af årene, fra den første blå metalindpakning over de mere talrige enheder med tolex-kappe til de endelige, prangende sorte og orange modeller fra begyndelsen af 1980’erne.
ARP 2600’ere handles til tåbelige priser i disse dage. Enheder, der blev givet væk for småpenge, sælges for mange tusinde dollars på det brugte marked. Vær dog forsigtig: De tidligste modeller er svære at reparere, takket være ARPs vane med at indkapsle kredsløbene i epoxy.
Emulationer: Hvis du kan få fat i en og har pengene, kan du ikke slå Korgs ARP 2600 FS (her er håbet om en miniudgave på et tidspunkt), og Behringer har sit eget bud på synthen i støbeskeen. Arturia har givet den behandlingen i plugin-form.
PPG Wave 2.2/3
PPG var visionen af en mand, Wolfgang Palm. Det var hans påstand, at begrænsningerne ved analoge oscillatorer kunne omgås ved hjælp af korte, digitale bølgeformer gemt i en lineær “wavetable”.
Hans vision blev ført ud i livet som PPG Wave. De tidlige versioner led under de digitale bølgeformers opløsning og manglen på analoge filtre, men teknologien nåede sin modenhed i 1982 med PPG Wave 2.2.
Dette store blå vidunder kombinerede Palms digitalt lagrede wavetables med et klassisk resonant lavpasfilter, LFO og en håndfuld envelope-generatorer. Brugerne kunne modulere gennem wavetabellerne ved hjælp af en række forskellige mod-kilder, hvilket resulterede i en livlig, spændende lyd, der var ret forskellig fra datidens analoge synthesizere.
Men selv om PPG’en indeholdt nogle få bølgeformer fra samplede instrumenter, undskyldte Palm ikke for sin tydelige syntetiske smag. PPG’en kunne lave spidse basser (tænk på Frankie’s Relax) og stemningsfulde digitale atmosfærer. PPG-ejere, der købte den tilhørende Waveterm-computer, kunne udarbejde deres egne wavetables og i 2.3-versionen endda lave en smule sampling. Wave var en højtravende drømmemaskine, der kostede ni tusind eller mere. Som sådan blev den sjældent set uden for de rige og berømtes studier.
PPG’ens arv kan mærkes selv i dag. De tyske synthesizere Waldorf fortsætter med at udnytte Palms wavetable-teknologi og har produceret en lang række wavetable-instrumenter, der startede med Microwave i 1990. De producerede endda en virtuel version af PPG for næsten et årti siden, og firmaets nuværende Blofeld- og Largo-instrumenter er fyldt med wavetables, der er hentet fra PPG. Palm har i mellemtiden lagt sit navn til en række PPG-mærkede iOS- og plugin-synths.
Emulationer: Wolfgang Palms PPG desktop- og iOS-apps er nu i hænderne på Brainworx og er dine bedste bud, hvis du vil have en autentisk PPG-lyd.
Sequential Circuits Prophet-5
Hvis dette var en liste over de mest klassiske instrumenter gennem tiderne, ville Prophet-5 ligge solidt placeret i toppen. Med sine sidepaneler af olieret træ og store, taktile knapper så det ud, som om det kostede en formue, og det gjorde det også.
Med en signalvej, der ikke er ulig ARP Odyssey (to synkroniserbare oscillatorer, støj, lavpasfilter, et par ADSR envelope-generatorer og en LFO), havde Prophet-5 alt, hvad der skulle til for at gøre selv den mest ambitiøse synthesist tilfreds. Men den tilføjede også en ond Poly Mod-sektion, der kunne bruges til at skabe nogle meget usædvanlige klangfarver.
Der var meget at lege med, og for første gang nogensinde kunne alle tweaks skrives i hukommelsen for senere at blive genkaldt. Endnu bedre var det, at der var hele fem stemmer polyfoni. Andre havde måske flere stemmer, men ingen af dem tillod også fuld programmerbarhed. Desuden lød den intet mindre end fantastisk, med en fyldig, fuld lyd, der var ideel til tykke, nasale messingblæsere, dybe, dronende pads, kraftige basser og de brændende osc-sync-leads.
Prophet-5 var kort sagt præcis det, som udøvende musikere skreg efter, og selv om den kostede hele fire tusinde kroner, blev den solgt i massevis, hvilket gjorde Dave Smiths Sequential Circuits førende i branchen næsten overnight og affødte legioner af efterlignere fra alle verdenshjørner.
Historien har også fået et nyt kapitel: Dave Smith har nu igen overtaget ejerskabet af Sequential Circuits-navnet og har en ny synth i form af Prophet-6.
Emulationer: Arturias Prophet V-plugin indeholder ikke kun en Prophet 5-emulering, men også en softwaremæssig genstart af Prophet VS.
EMS VCS3
Fra Wasp til OSCar til et hvilket som helst antal Novation-instrumenter, synes briterne at have en evne til at fremstille unikke, spændende og inspirerende instrumenter, og som regel til spotpriser.
Det virker svært at tænke i termer af “spotpriser”, når man beskriver EMS’ lille VCS3, og alligevel var det forholdsvis overkommeligt, da det blev udgivet i 1969. I dag er de blandt de mest værdifulde vintage-synthesizere og indbringer over 7k på det brugte marked.
Hvorfor er samlere villige til at betale så meget for en monosynth med tre oscillatorer? Historien, for det første. VCS3 (og dens senere, næsten identiske kusine i en kuffert, Synthi AKS) har en stærk tilstedeværelse i musikhistorien. Fra Tangerine Dream til Jean-Michel Jarre til Gong og Hawkwind brugte stort set alle, der gjorde indtryk på den elektroniske musik i 1970’erne, en EMS-synth. VCS3 med sit stilfulde, polerede L-formede kabinet var så hipt, at hvert eneste medlem af Pink Floyd påstod at spille på den på liner notes til The Dark Side of the Moon, selv om den ukrediterede Synthi AKS helt klart blev brugt til de vigtigste elektroniske bits.
VCS3’s design, der ser ud, som om den er hentet fra cockpittet på et Mongo Rocketship, er nok til at sende en synth-boffin ud i paroxysmer af glæde. Store, farvelagte drejeknapper, en push-pin-modulationsmatrix og et joystick af militær kvalitet giver instrumentet en vis atmosfære af “laboratoriechik”. Det tigger dig nærmest om at bruge det til at skabe underlig, atonal avantgarde-musik. Keyboards? Hvorfor, kromatisk musik er jo så passé! Det mente i hvert fald dens skaber, geologgeniet Peter Zinovieff, og en sådan mulighed var ikke tilgængelig i de første par år af VCS3’s lange levetid.
VCS3 indbyder til eksperimenter, og dens brugere er glade for at gøre det. Selv erfarne synthesister kan opnå uventede resultater blot ved at skubbe et par pinde ind i matrixen og vrikke med joysticket. Du skal bare ikke forvente, at den holder sig i takt. Oscillatorstabilitet er ikke en af instrumenternes stærke sider.
Der findes ikke ret mange af dem i disse dage, og EMS er langt om længe holdt op med at fremstille selv det lille antal specialbestilte instrumenter, der holdt firmaet i live i så mange årtier. Hvis du har et, behøver du ikke at få os til at fortælle dig om dets værdi. VCS3 er ganske enkelt et vidunder.
Emulationer: Endnu en gang kan Arturia hjælpe dig med Synthi V, og XILS-Lab har XILS 3.
Moog Minimoog
Kunne det have været et andet instrument? Minimoog er den klassiske vintage-synthesizer, og det er med god grund. Dens design er den skabelon, der påvirker synthesizerproducenter den dag i dag.
Med en trio af oscillatorer (hvoraf den tredje kunne bruges som en modulationskilde), støjgenerator og muligvis det bedst klingende filter, der nogensinde er skabt, satte Mini’en synthesizere inden for rækkevidde af den spillende musiker. Da de først havde fået fingrene i den, bragte de musikere den elektroniske musiks lyd ind i mainstream.
Takket være Minimoog blev den elektroniske musik trukket ned fra sin høje akademiske stol og fik lov til at løbe frit blandt de ubehøvlede og uregerlige, og gudskelov for det. Måske skulle vi takke Bill Hemsath, den Moog-ansatte, der tilbragte sine frokosttimer på loftet med at samle den første Minimoog af stumper og stykker fra Moogs massive modulære systemer. Han ville bare have et bærbart instrument, som han kunne tage med hjem. Han kunne ikke have vidst, at han var ved at skabe en legende.
Hvad gør Mini så fantastisk? En række ting, faktisk. For det første gør dens relativt begrænsede antal parametre den ret nem at bruge. Alligevel blev de nøje udvalgt for at give tilstrækkelig fleksibilitet til at skabe en bred vifte af lyde.
For det andet er der lyden. Selv om mange instrumenter siges at være i besiddelse af en særlig og flygtig karakter, så har Minimoog virkelig den, og lidt til. Oscillatorerne er fyldige, og envelopes er hurtige, selv om de er enkle. Dens høje toner er gennemtrængende og krystalklare, og bassen er med rette blevet legendarisk. Den er stor og fed, og det er næsten umuligt at få den til at lyde dårligt!
Fakta er, at hverken du eller vi nogensinde har brugt en synthesizer, som ikke skylder Minimoog noget. Afvis aldrig, aldrig en mulighed for at spille på en.
Emulationer: Hvor skal jeg begynde. Der findes utallige plugin Minimoog-emuleringer, og Moog har en officiel iOS-version. Hardware-elskere kan søge efter Behringers Model D eller den Moog-agtige Roland Boutique SE-02.
Den seneste nyhed