W ciągu ostatnich 40 lat widzieliśmy niezliczoną ilość syntezatorów sprzętowych – a rynek na nie obecnie kwitnie – ale tylko kilka instrumentów może pretendować do statusu prawdziwych klasyków. Te syntezatory wywarły historyczny wpływ, zmieniając sposób projektowania przyszłych instrumentów i, co najważniejsze, inspirując muzyków, którzy na nich grali.
To właśnie te syntezatory świętujemy tutaj, odliczając 10 najlepszych syntezatorów wszech czasów. Oczywiście będziecie mieli swoje własne pomysły na to, co powinniśmy byli uwzględnić (lub pominąć), a wasze opinie są teraz mniej ważne niż nasze własne. Z bólem opuściliśmy niektóre z klasyków i długo debatowaliśmy nad niektórymi z nich.
Nie można zaprzeczyć, że każdy z tych syntezatorów odcisnął niezatarte piętno na przemyśle muzycznym. Zauważysz, że spora część z nich została zaprojektowana i zbudowana przez pojedyncze osoby, pracujące z ograniczonymi środkami, ale z nieograniczoną wyobraźnią. Wszystkie z nich mają charakter, który jest unikalny dla danego instrumentu. Niektóre z nich są z klasą, inne dziwaczne, a wszystkie warte obejrzenia. Może nawet bardziej teraz, gdy przemysł jest zalany masowo produkowanymi instrumentami.
Jeśli posiadasz jeden z tych instrumentów, możesz zaliczyć się do tych wystarczająco wnikliwych, aby rozpoznać Bardzo Dobrą Rzecz, gdy ją zobaczysz. Jeśli nie, zawsze pozostaje eBay.
W tym momencie niech rozpocznie się odliczanie.
Oberheim OB-Xa
Sukces Prophet-5 firmy Sequential Circuits wstrząsnął przemysłem syntezatorów. Monosynthy zostały uznane za martwe niemal z dnia na dzień, a jeśli twój syntezator nie mógł przechowywać dźwięków, równie dobrze mogłeś go zezłomować na części.
Każdy producent, który mógł sobie na to pozwolić, zaczął wypuszczać konkurencyjne produkty. Niektórzy starali się obniżyć koszt programowalnych syntezatorów polifonicznych, podczas gdy inni, jak Oberheim, próbowali odcisnąć na nich swoje własne piętno.
Oberheim był tam w rzeczywistości przed Sequential. Oferował polifonię w postaci swoich cztero- i ośmiogłosowych instrumentów OB, osiąganą poprzez wpięcie kilku modułów S.E.M. do obudowy, podłączenie klawiatury i oczekiwanie od użytkownika, że będzie identycznie podrasowywał każdy pojedynczy S.E.M. Dostępny był nawet podstawowy programator, który mógł przechowywać niektóre (ale nie wszystkie) parametry w celu późniejszego przywołania. Brzmiały nieziemsko, ale były trudne do opanowania, delikatnie mówiąc.
Oberheim miał trochę do przemyślenia po tym jak Prophet-5 przeleciał obok, i wziął najlepsze z poprzednich konstrukcji i połączył je w ogromny OB-X. Zadziałało to znakomicie i dało początek wielu następcom, z których każdy miał swoje własne cechy i udoskonalenia, i każdy miał swoich wiernych fanów.
Mogliśmy wybrać OB-X lub OB-8 na naszą listę, ale wybraliśmy ten, który znajdował się dokładnie pośrodku, OB-Xa.
Podobnie jak OB-X, który go poprzedzał, OB-Xa był dostępny w wersjach cztero-, sześcio- lub ośmiogłosowych i posiadał nieco uproszczoną ścieżkę sygnału z dwoma oscylatorami. OB-Xa, jednakże, dodał filtr 24 dB do 12 dB pracy OB-X’a i w rzeczywistości, można było tworzyć warstwowe dźwięki, które łączyły oba, aby uzyskać bardziej złożone i wciągające brzmienie.
I cóż to było za brzmienie. OB-Xa może być pojedynczym, najbardziej fattowym instrumentem jaki kiedykolwiek słyszeliśmy. Użytkownicy, którzy odważą się kliknąć ten przycisk Unison, mogą być zmuszeni do ponownego emaliowania zębów. Tak, jest duży.
Podobnie jak wszystkie instrumenty Oberheim z tamtych czasów, OB-Xa mógł być połączony z automatem perkusyjnym DMX lub DX oraz sekwencerem DSX, tworząc kompletny Oberheim 'System’. Taki system w pełnym rozkwicie był widokiem godnym podziwu w tamtych czasach przed MIDI, technologicznym mokrym snem, który był daleko poza zasięgiem wszystkich poza najbardziej utytułowanymi muzykami tamtych czasów.
Emulacje: Oberheim OB-Xa V firmy Arturia jest dokładnym odtworzeniem pluginu, jest też darmowy OB-Xd od discoDSP. Behringer również pracuje nad sprzętowym klonem.
Roland JD-800
To była trudna decyzja, umieścić JD-800 na liście zamiast masowo popularnego D-50. Ten ostatni jest prawdopodobnie klasykiem pomiędzy tymi dwoma i reprezentował zasadniczą zmianę w podejściu Rolanda do projektowania i sprzedaży instrumentów. Jednak JD-800 był, szczerze mówiąc, znacznie lepszym instrumentem.
Jak D-50, JD łączył oscylatory oparte na próbkach z dość typową ścieżką sygnału, która zawierała filtr rezonansowy, generatory obwiedni i tym podobne. Jednakże, JD-800 oferował coś, co nie było dostępne w żadnym innym syntezatorze opartym na próbkach: mnóstwo suwaków. Tak, JD powracał do ery analogowej, oferując mnóstwo możliwości kontroli w czasie rzeczywistym (które, niestety, mogły być przesyłane tylko poprzez SysEx). Był duży, imponujący i niesamowicie seksowny, nawet jeśli był wykonany głównie z plastiku.
Ale przede wszystkim brzmiał nie z tego świata. W czasach, gdy producenci robili wszystko, aby upchnąć jak najwięcej ziarnistych 8-bitowych próbek o niskiej częstotliwości w pamięci ROM instrumentów, Roland używał tylko materiałów hi-res, co skutkowało znakomitą jakością dźwięku.
Ale JD-800 został wydany dekadę za wcześnie. Analogowe odrodzenie było jeszcze odległe o lata świetlne i sprzedaż spadła (przynajmniej jak na standardy D-50). Jednakże Roland wiedział co ma, i technologia stojąca za JD-800 pojawiała się wielokrotnie w jego najlepiej sprzedającej się serii montowanych w racku modułów MIDI.
Emulacje: Nie ma bezpośrednich emulacji JD-800, ale JD-XA firmy Roland może być postrzegany jako duchowy następca.
Yamaha CS-80
Wszystko w CS-80 było wielkie. Fizycznie, była to masywna bestia, ważąca ponad 200 funtów. Miał ogromny, krzykliwy panel przedni, ozdobiony przyciskami, suwakami i najlepszym kontrolerem wstęgowym, jaki kiedykolwiek wymyślono.
Osiem głosów polifonii, aftertouch i wyraźna modulacja pierścieniowa były jednymi z cech oferowanych w momencie premiery CS-80 w 1976 roku. Dziwaczny i zadziorny, posiadał swego rodzaju pseudo-programowalność w postaci klapy, która ukrywała większość miniaturowego panelu przedniego i mogła być ustawiona przed twoim występem. Jeśli odważyłeś się zabrać go na koncert, to znaczy.
Był również ogromnie niestabilny, z analogowymi oscylatorami, które dryfowały przy każdej okazji. Za gorące? Za zimny? Wypadały z rytmu. Zbyt wilgotny? Zapomnij o tym. Musisz go przenieść? Nie. Sam akt przechylenia go na koniec, aby go obrócić na kółkach, wyrzucał go z równowagi.
Jeśli byłeś jednym z niewielu szczęśliwców, którzy mieli stabilnego CS-80 (lub mogli sobie pozwolić na wynajęcie go w celu przeprowadzenia onieśmielającego procesu kalibracji), byłeś w stanie skorzystać z urządzenia zdolnego do niezrównanej ekspresji. CS-80 czuł się jak prawdziwy instrument. Mógł być dostosowany do Twojego nastroju i woli. Pięknie reagował na aftertouch. CS-80 mógł krzyczeć jak banshee, płakać żałośnie, lub wystukiwać wzór tak delikatny jak deszcz na witrażu.
Widzieliśmy ostatnio jeden idący za ponad 10,000 klapsów i wiecie co? Kupujący dostanie to, co jest warte jego pieniędzy.
Emulacje: Deckard’s Dream MK2 jest bez wątpienia inspirowany CS-80, a Yamaha zaznaczyła, że może myśleć o powrocie do tego instrumentu w jakiejś formie. Nieuchronnie mówi się również o klonie Behringera.
Po stronie oprogramowania, nie szukaj dalej niż Arturia’s CS-80 V.
Korg Wavestation
Aby zrozumieć siłę przyciągania Wavestation, musisz cofnąć się do 1990 roku. Analog był martwy, a FM był na podtrzymaniu życia. Instrumenty odtwarzające sample były już na topie i najwięksi sprzedawcy byli postrzegani jako niewiele więcej niż gloryfikowane organy, zdolne do wywołania w miarę przekonującego samplowanego zespołu dla tłumu Holiday Inn: „Dziękuję paniom i panom, będę tu przez cały tydzień. Nie zapomnijcie dać napiwku swoim kelnerkom”.
To właśnie w tym środowisku Korg odważył się wypuścić Wavestation. Produkt amerykańskiego zespołu projektantów uratowanych z nieistniejącego już Sequential Circuits, Wavestation posiadał syntezę wektorową z Sequential Prophet-VS.
Wbudowane próbki miały zdecydowanie elektroniczny charakter, bez typowych zestawów perkusyjnych, pianin czy gitar nylonowych (w każdym razie na razie na razie). Mogły być układane w stosy, warstwowo, filtrowane i przetwarzane przez wciąż imponujący wybór efektów. Co więcej, mogłeś krzyżować i mieszać swoje dźwięki za pomocą joysticka zamontowanego nad kółkami pitch i mod wheels.
To mogło wystarczyć, aby otrząsnąć syntezatorów z ich przygnębienia, ale to włączenie wavesequencing przechyliło szalę. Wavestation dawał użytkownikom możliwość łączenia ze sobą w szereg dowolnych kształtów fal z indywidualną kontrolą nad wysokością, głośnością i czasem przejścia.
Używając tej technologii, można było łatwo tworzyć dźwięki, które zmieniały się i ewoluowały w czasie. Złożone pasaże rytmiczne również mogły być tworzone. To było, i jest, genialne, choć jest postrzegane jako trudne do zaprogramowania. Na szczęście istnieją edytory oprogramowania dostępne dla rzeczy nawet do dnia dzisiejszego, nie wspominając o całkowicie przekonujące wirtualne wcielenie z Korg sam.
Emulations: Korg wydał zarówno desktopowe, jak i iOSowe wersje Wavestation, podczas gdy sprzętowy syntezator Wavestate przykuwa swoim brzmieniem, będąc jednocześnie bardzo nowym instrumentem.
Yamaha DX7
W tym wieku retro-fetyszyzmu, może być trudno uwierzyć, że muzycy mogli kiedyś znudzić się analogowymi syntezatorami. A jednak, gdy lata 80-te nabrały rozpędu, taki właśnie nastrój zapanował w przemyśle muzyki elektronicznej.
Po ponad dekadzie nicości analogowej, muzycy szukali następnej wielkiej rzeczy, a tak się złożyło, że pewna mega-korporacja właśnie nad tym pracowała. Został on nazwany DX7 i wstrząsnął całym światem muzycznym w momencie swojej premiery w 1983 roku.
Oferując oszałamiające wówczas 16 głosów polifonii, pełnowymiarową klawiaturę z obsługą velocity i aftertouch, DX7 był inny zarówno na zewnątrz, jak i pod maską. Widzicie, DX7 był pierwszym masowo produkowanym instrumentem, który wykorzystywał syntezę FM, technikę opracowaną przez Johna Chowninga w Stanford i licencjonowaną przez Yamahę.
W przeciwieństwie do znanego analogowego stylu FM widzianego w kilku pół-modułowych instrumentach, wariant FM Yamahy nie był zwykłym efektem; był to rdzeń architektury instrumentu, i pozostawił niektórych starych wyjadaczy drapiących się po głowach. W rzeczywistości, DX7 szybko zyskał niezasłużoną reputację syntezy FM jako trudnej do zaprogramowania, dając początek niemalże jednostronnemu przemysłowi projektowania dźwięku.
Prawdę powiedziawszy, FM nie jest zbyt trudny do zrozumienia; po prostu nie było zbyt wiele zabawy z patchowaniem jednego parametru na raz i z bardzo małą wizualną informacją zwrotną. Na dobre i na złe, DX7 zapoczątkował również erę syntezy sterowanej przez menu, dzięki swojemu spartańskiemu panelowi przedniemu i malutkiemu wyświetlaczowi. Jednak ci, którzy programowali to coś odkryli bogactwo nowych i ekscytujących brzmień.
DX7 mógł być zimny, czysty i krystaliczny. Był zdolny do wyrazistych perkusyjnych brzmień i twardych jak paznokcie basów. Dźwięki mogły być również całkiem żywe, jeśli byłeś jednym z niewielu, którzy zawracali sobie głowę używaniem wielu kontrolerów czasu rzeczywistego, włączając w to tak bardzo nieużywane wejście kontroli oddechu.
Większość użytkowników, jednakże, zadowalała się licznymi presetami. Od słynnych już pianin elektrycznych do nadużywanej harmonijki ustnej (!), DX7 szybko stał się wszechobecny, sprzedając się w ilościach, które wcześniej były niespotykane dla syntezatora. Dziś łatwo jest go zepsuć, ale w ’83 roku był powiewem świeżego powietrza i ożywił (oraz w pewnym stopniu skomercjalizował) przemysł syntezatorów.
Emulacje: Yamaha ma uroczy Reface DX, natomiast Korg oferuje jeszcze bardziej dinkier Volca FM. Jeśli chcesz plugin, Arturia po raz kolejny zobowiązała się z DX7 V, a jest też wiecznie żywy FM8 firmy Native Instruments.
Częstochowianie powinni wypróbować darmowy Dexed na PC i Mac lub FM Player 2 firmy AudioKit, syntezator DX na iPada.
ARP 2600
Jeśli Minimoog został zaprojektowany, aby uprościć syntezę modularną dla masowej konsumpcji, to ARP 2600 został stworzony, aby przenieść cały zestaw i caboodle w ręce występujących muzyków. Zamiast ograniczać opcje dzięki zapisanej w kamieniu ścieżce sygnału, jak to zrobił Moog, 2600 zaprezentował w pełni patchowalny instrument w dość kompaktowej obudowie.
Oferując trzy oscylatory, szumy, filtr, ring mod i reverb, stała ścieżka sygnału 2600 mogła być pokonana przez wpięcie kabli w niemal każdy punkt architektury instrumentu. To oznaczało, że był on tak złożony jak tylko tego potrzebowałeś. Szacunkowo złożone patche mogły być tworzone bez podłączania pojedynczego kabla, ale kiedy już się na to zdecydowałeś, niebo było granicą. Słyszeliśmy 2600 produkujące wszystko, od pseudo sekwencji do pełnych bitów perkusyjnych, w komplecie ze swingiem.
Dzięki stabilnym oscylatorom, 2600 zyskał przewagę, a wczesne modele korzystały z filtra, który był aż nazbyt podobny do filtra Mooga (przynajmniej jeśli chodzi o prawników Mooga). 2600 przeszedł przez szereg zmian na przestrzeni lat, od swojego początkowego, niebieskiego, metalowego wcielenia, poprzez bardziej liczne jednostki w obudowie z tolexu, aż do ostatecznej, jaskrawej, czarno-pomarańczowej wersji z wczesnych lat 80-tych.
ARP 2600 są obecnie sprzedawane po głupich cenach. Jednostki, które były rozdawane za grosze, sprzedają się za wiele tysięcy dolarów na rynku używanym. Bądź jednak ostrożny: najwcześniejsze modele są trudne do naprawy, dzięki nawykowi ARP polegającemu na pokrywaniu obwodów epoksydem.
Emulacje: Jeśli możesz dostać jeden i masz pieniądze, nie można pokonać Korg ARP 2600 FS (mamy nadzieję na wersję mini w pewnym momencie) i Behringer ma swoje własne podejście do syntezatora w pracach. Arturia potraktowała go w formie pluginu.
PPG Wave 2.2/3
PPG był wizją jednego człowieka, Wolfganga Palma. Twierdził on, że ograniczenia analogowych oscylatorów można obejść stosując krótkie, cyfrowe przebiegi przechowywane w liniowym 'wavetable’.
Jego wizja została urzeczywistniona jako PPG Wave. Wczesne wersje cierpiały z powodu rozdzielczości cyfrowych przebiegów i braku analogowych filtrów, ale technologia osiągnęła dojrzałość w 1982 roku, wraz z PPG Wave 2.2.
To wielkie niebieskie cudo łączyło cyfrowo przechowywane wavetable Palma z klasycznym rezonansowym filtrem dolnoprzepustowym, LFO i garścią generatorów obwiedni. Użytkownicy mogli modulować za pomocą różnych źródeł modulacji, co w rezultacie dawało żywe, ekscytujące brzmienie, zupełnie niepodobne do analogowych syntezatorów tamtych czasów.
Chociaż PPG zawierał kilka przebiegów zaczerpniętych z samplowanych instrumentów, Palm nie przepraszał za swój wyraźnie syntetyczny smak. PPG może tworzyć kolczaste basy (pomyśl o Frankie’s Relax) i sugestywne cyfrowe atmosfery. Posiadacze PPG, którzy zakupili odpowiedni komputer Waveterm, mogli tworzyć własne tabele wavetables, a w wersji 2.3 nawet trochę samplować. Wave był wyniosłą maszyną marzeń, kosztującą dziewięć tysięcy lub więcej. Jako taka, była rzadko spotykana poza studiami bogatych i sławnych.
Spuścizna PPG może być odczuwalna nawet dzisiaj. Niemieccy czarodzieje syntezatorów Waldorf nadal wykorzystują technologię wavetable firmy Palm, produkując długą linię instrumentów wavetable, począwszy od Microwave w 1990 roku. Firma wyprodukowała nawet wirtualną wersję PPG prawie dekadę temu, a jej obecne instrumenty Blofeld i Largo są pełne wavetable’ów zaczerpniętych z PPG. Palm, w międzyczasie, opatrzył swoim nazwiskiem całą gamę syntezatorów pod marką PPG na iOS i pluginów.
Emulacje: Aplikacje PPG Wolfganga Palma na pulpit i iOS są teraz w rękach Brainworx i są najlepszym wyborem, jeśli chcesz autentycznego brzmienia PPG.
Sequential Circuits Prophet-5
Gdyby to była lista najbardziej klasycznych instrumentów wszech czasów, Prophet-5 byłby usadowiony mocno na szczycie. Ze swoimi drewnianymi, olejowanymi panelami bocznymi i dużymi, dotykowymi przyciskami, wyglądał jakby kosztował fortunę i, cóż, kosztował.
Posiadając ścieżkę sygnałową nie różniącą się od tej z ARP Odyssey (dwa synchronizowane oscylatory, szumy, filtr dolnoprzepustowy, para generatorów obwiedni ADSR i LFO), Prophet-5 posiadał wszystko to, co powinno zadowolić nawet najbardziej ambitnego syntezatora. Jednakże, dodał on również szaloną sekcję Poly Mod, którą można było wykorzystać do stworzenia bardzo niezwykłych brzmień.
Było się czym bawić i po raz pierwszy w historii, wszystkie poprawki mogły być zapisane w pamięci w celu późniejszego przywołania. Co więcej, oferował on pełne pięć głosów polifonii. Inne mogły oferować więcej głosów, ale żaden z nich nie pozwalał na pełną programowalność. Dodatkowo, brzmiał po prostu wspaniale, z bogatym, pełnym brzmieniem, które było idealne do grubych, nosowych dęciaków, głębokich, dronowych padów, mocnych basów i tych ostrych leadów osc-sync.
Prophet-5 był, krótko mówiąc, dokładnie tym, czego domagali się koncertujący muzycy i choć jego cena wynosiła aż cztery tysiące, sprzedawał się masowo, czyniąc Sequential Circuits Dave’a Smitha liderem branży niemal z dnia na dzień i rodząc legiony kopistów z każdego zakątka globu.
Historia ta ma również nowy rozdział: Dave Smith przejął teraz ponownie własność nazwy Sequential Circuits i ma nowy syntezator w postaci Prophet-6.
Emulacje: Plugin Prophet V firmy Arturia zawiera nie tylko emulację Prophet 5, ale także programowy restart Prophet VS.
EMS VCS3
Od Osy przez OSCar po dowolną liczbę instrumentów Novation, Brytyjczycy wydają się mieć smykałkę do wypuszczania na rynek unikalnych, ekscytujących i inspirujących instrumentów, i to zazwyczaj w okazyjnych cenach.
Trudno jest myśleć w kategoriach 'okazyjnej ceny’ opisując malutkiego VCS3 firmy EMS, a jednak, kiedy został wypuszczony na rynek w 1969 roku, był stosunkowo przystępny cenowo. Dziś, są one jednymi z najbardziej wartościowych syntezatorów vintage, przynosząc ponad 7k na rynku używanym.
Dlaczego kolekcjonerzy są skłonni zapłacić tak wiele za trzyoscylatorowy monosynth? Historia, po pierwsze. VCS3 (i jego późniejszy, niemal identyczny kuzyn w walizce, Synthi AKS) są silnie obecne w historii muzyki. Od Tangerine Dream do Jean-Michel Jarre’a, Gong i Hawkwind, prawie każdy kto wywarł wpływ na muzykę elektroniczną w latach 70-tych używał syntezatora EMS. VCS3, ze swoją stylową, polerowaną obudową w kształcie litery L, był tak modny, że każdy członek Pink Floyd twierdził, że grał na nim na wkładce do płyty The Dark Side of the Moon, nawet jeśli nieakredytowany Synthi AKS był dość wyraźnie używany do najważniejszych elektronicznych bitów.
Wyglądający jak wyciągnięty z kokpitu statku kosmicznego Mongo Rocketship, projekt VCS3 jest wystarczający, aby wysłać syntezatorowego boffina w paroksyzm rozkoszy. Duże, kolorowe pokrętła, matryca modulacyjna typu push-pin i joystick klasy wojskowej nadają instrumentowi swoisty powiew „laboratoryjnego szyku”. Praktycznie aż prosi się, by użyć go do tworzenia dziwacznej, atonalnej muzyki awangardowej. Klawiatury? Dlaczego, muzyka chromatyczna jest taka passe! Przynajmniej jej twórca, genialny geolog Peter Zinovieff tak uważał, i żadna taka opcja nie była dostępna przez pierwsze kilka lat długiego życia VCS3.
VCS3 zaprasza do eksperymentów, a jego użytkownicy są szczęśliwi, że mogą to zrobić. Nawet weterani syntezy mog± osi±gn±ć nieoczekiwane rezultaty po prostu przez włożenie kilku pinów do matrycy i poruszanie joystickiem. Nie spodziewaj się tylko, że wszystko będzie dostrojone. Stabilność oscylatora nie jest jedną z najmocniejszych stron tego instrumentu.
W dzisiejszych czasach nie ma ich zbyt wiele, a EMS w końcu zaprzestał produkcji nawet niewielkiej ilości specjalnie zamawianych instrumentów, które utrzymywały firmę przy życiu przez wiele dekad. Jeśli masz jeden z nich, nie potrzebujesz, abyśmy mówili ci o jego wartości. VCS3 jest, po prostu, cudem.
Emulacje: Po raz kolejny Arturia może Ci pomóc z Synthi V, a XILS-Lab ma XILS 3.
Moog Minimoog
Czy mógł to być jakikolwiek inny instrument? Minimoog jest klasycznym syntezatorem vintage i nie bez powodu. Jego konstrukcja jest szablonem, który wpływa na producentów syntezatorów do dziś.
Z trio oscylatorów (z których trzeci mógł być używany jako źródło modulacji), generatorem szumu i prawdopodobnie najlepiej brzmiącym filtrem, jaki kiedykolwiek stworzono, Mini sprawił, że syntezatory znalazły się w zasięgu koncertującego muzyka. Kiedy już dostali to w swoje łapy, muzycy ci wstrzyknęli dźwięk muzyki elektronicznej do głównego nurtu.
Dzięki Minimoogowi, muzyka elektroniczna została ściągnięta ze swojej wyniosłej akademickiej grzędy i pozwolono jej biegać swobodnie wśród nieokrzesanych i niesfornych, i dzięki Bogu za to. Może powinniśmy podziękować Billowi Hemsathowi, pracownikowi Mooga, który spędzał godziny lunchu na strychu, składając pierwszego Minimooga z kawałków i fragmentów ogromnych systemów modułowych Mooga. Chciał po prostu mieć przenośny instrument, który mógłby zabrać do domu. Nie mógł wiedzieć, że tworzy legendę.
Co sprawia, że Mini jest tak wspaniały? Tak naprawdę kilka rzeczy. Po pierwsze, jego stosunkowo ograniczona liczba parametrów sprawia, że jest dość łatwy w użyciu. Zostały one jednak starannie dobrane, aby zaoferować wystarczającą elastyczność do tworzenia szerokiej gamy brzmień.
Po drugie, jest brzmienie. Choć o wielu instrumentach mówi się, że posiadają specjalny i nieuchwytny charakter, Minimoog naprawdę go posiada, a nawet więcej. Oscylatory są bogate, a obwiednie są szybkie, choć proste. Jego wysokie tony są przeszywające i krystalicznie czyste, a bas słusznie stał się materiałem na legendę. Jest wielki, odważny i prawie niemożliwe jest, aby brzmiał źle!
Faktem jest, że ani ty, ani my nigdy nie używaliśmy syntezatora, który nie zawdzięczałby czegoś Minimoogowi. Nigdy, przenigdy nie odrzucaj okazji do zagrania na jednym z nich.
Emulacje: Od czego by tu zacząć. Istnieją niezliczone emulacje Minimooga w postaci wtyczek, a Moog ma oficjalną wersję na iOS. Miłośnicy sprzętu mogą poszukać Model D Behringera lub Moog-ish Roland Boutique SE-02.
Ostatnie wiadomości
.