In den letzten 40 Jahren gab es unzählige Hardware-Synthesizer – und der Markt für sie boomt derzeit – aber nur wenige Instrumente können den Status eines echten Klassikers für sich beanspruchen. Diese Synthesizer hatten einen historischen Einfluss, veränderten die Art und Weise, wie zukünftige Instrumente entworfen wurden, und inspirierten vor allem die Musiker, die sie spielten.
Diese Synthesizer feiern wir hier, indem wir die 10 besten Synthesizer aller Zeiten aufzählen. Sie werden natürlich Ihre eigenen Vorstellungen davon haben, was wir hätten aufnehmen (oder weglassen) sollen, und Ihre Meinungen sind jetzt weniger gültig als unsere eigenen. Es hat uns wehgetan, einige Klassiker wegzulassen, und wir haben lange und intensiv über die Aufnahme einiger Geräte debattiert.
Allerdings lässt sich nicht leugnen, dass jeder einzelne dieser Synthesizer einen unauslöschlichen Eindruck in der Musikindustrie hinterlassen hat. Sie werden feststellen, dass viele von ihnen von Einzelpersonen entworfen und gebaut wurden, die mit begrenzten Mitteln, aber mit unbegrenzter Phantasie arbeiteten. Alle haben einen eigenen Charakter, der für das jeweilige Instrument einzigartig ist. Einige sind edel, andere schrullig, aber alle sind sie einen Blick wert. Vielleicht sogar noch mehr, jetzt, wo die Industrie von massenproduzierten Fließbandinstrumenten überschwemmt wird.
Wenn Sie eines dieser Instrumente besitzen, dann können Sie sich zu denjenigen zählen, die einfühlsam genug sind, um eine sehr gute Sache zu erkennen, wenn Sie sie sehen. Wenn nicht, gibt es immer noch eBay.
Damit kann der Countdown beginnen.
Oberheim OB-Xa
Der Erfolg des Prophet-5 von Sequential Circuits erschütterte die Synthesizerindustrie. Monosynths wurden fast über Nacht für tot erklärt, und wenn Ihr Synthesizer keine Klänge speichern konnte, hätten Sie ihn genauso gut als Ersatzteil verschrotten können.
Jeder Hersteller, der es sich leisten konnte, begann, konkurrierende Produkte auf den Markt zu bringen. Einige versuchten, die Kosten für programmierbare polyphone Synthesizer zu senken, während andere, wie Oberheim, versuchten, ihnen ihren eigenen Stempel aufzudrücken.
Oberheim war in Wirklichkeit schon vor Sequential da gewesen. Sie boten Polyphonie in Form ihrer vier- und achtstimmigen OB-Instrumente an, indem sie eine Handvoll ihrer S.E.M.-Module in ein Gehäuse steckten, eine Tastatur anschlossen und vom Benutzer erwarteten, dass er jedes einzelne S.E.M. identisch einstellte. Es gab sogar einen rudimentären Programmierer, der einige (aber nicht alle) der Parameter zum späteren Abruf speichern konnte. Sie klangen gewaltig, waren aber gelinde gesagt schwer zu handhaben.
Oberheim hat nach dem Prophet-5 ein wenig umgedacht und das Beste aus seinen früheren Entwürfen in dem riesigen OB-X vereint. Er funktionierte hervorragend und brachte eine Reihe von Nachfolgern hervor, jeder mit seinen eigenen Qualitäten und Verfeinerungen, und jeder mit seiner eigenen treuen Fangemeinde.
Wir hätten den OB-X oder den OB-8 für unsere Liste auswählen können, aber wir haben uns für den OB-Xa entschieden, der genau in der Mitte liegt.
Wie der OB-X, der ihm vorausging, war der OB-Xa in vier-, sechs- oder achtstimmigen Versionen erhältlich und verfügte über einen etwas vereinfachten Signalweg mit zwei Oszillatoren. Der OB-Xa fügte dem 12-dB-Filter des OB-X jedoch einen 24-dB-Filter hinzu, und man konnte sogar überlagerte Klänge erzeugen, die beide für einen komplexeren und ansprechenderen Sound kombinierten.
Und was für ein Sound das war. Der OB-Xa ist vielleicht das am phattesten klingende Instrument, das wir je gehört haben. Wer es wagt, den Unisono-Knopf zu drücken, muss sich vielleicht die Zähne neu emaillieren lassen. Ja, er ist groß.
Wie alle Oberheim-Instrumente dieser Zeit konnte der OB-Xa mit einer DMX- oder DX-Drum-Machine und einem DSX-Sequenzer zu einem kompletten Oberheim-‚System‘ zusammengeschaltet werden. Ein solches System in vollem Gange war in jenen Vor-MIDI-Tagen ein Anblick, der sich sehen lassen konnte, ein technologischer feuchter Traum, der für alle außer den erfolgreichsten Musikern der Zeit unerreichbar war.
Emulationen: Der Oberheim OB-Xa V von Arturia ist eine gründliche Plugin-Nachbildung, und es gibt auch den kostenlosen OB-Xd von discoDSP. Behringer arbeitet auch an einem Hardware-Klon.
Roland JD-800
Es war eine schwierige Entscheidung, den JD-800 anstelle des äußerst beliebten D-50 auf die Liste zu setzen. Letzteres ist wohl der Klassiker unter den beiden und repräsentierte einen großen Wandel in Rolands Herangehensweise an das Design und den Verkauf von Instrumenten. Doch der JD-800 war, offen gesagt, ein weitaus besseres Instrument.
Wie der D-50 kombinierte der JD Sample-basierte Oszillatoren mit einem ziemlich typischen Signalweg, der ein Resonanzfilter, Hüllkurvengeneratoren und ähnliches beinhaltete. Allerdings bot der JD-800 etwas, das kein anderer Sample-basierter Synthesizer hatte: eine Unmenge an Schiebereglern. Ja, der JD war eine Reminiszenz an die analoge Ära und bot eine Fülle von Echtzeit-Kontrollmöglichkeiten (die leider nur über SysEx übertragen werden konnten). Er war groß, beeindruckend und absolut sexy, auch wenn er größtenteils aus Plastik bestand.
Mehr als das, er klang nicht von dieser Welt. Zu einer Zeit, als die Hersteller ihr Bestes taten, um so viele körnige 8-Bit-Samples mit niedriger Rate wie möglich in das ROM eines Instruments zu packen, verwendete Roland nur hochauflösendes Material, was zu einer hervorragenden Klangqualität führte.
Allerdings wurde der JD-800 ein Jahrzehnt zu früh veröffentlicht. Das analoge Revival ließ noch Jahre auf sich warten, und die Verkaufszahlen gingen in den Keller (zumindest für D-50-Verhältnisse). Roland wusste jedoch, was es zu bieten hatte, und die Technologie des JD-800 tauchte immer wieder in seiner meistverkauften Serie von rackmontierbaren MIDI-Modulen auf.
Emulationen: Es gibt keine direkten Emulationen des JD-800, aber Rolands JD-XA könnte als geistiger Nachfolger angesehen werden.
Yamaha CS-80
Alles am CS-80 war groß. Mit einem Gewicht von über 200 Pfund war er ein massives Ungetüm. Die riesige, grelle Frontplatte war übersät mit Wipptasten, Schiebereglern und dem besten Ribbon-Controller, der je erfunden wurde.
Achtstimmige Polyphonie, Aftertouch und eine ausgeprägte Ringmodulation gehörten zu den Merkmalen, die der CS-80 bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1976 bot. Das schrullige und kauzige Gerät verfügte über eine Art Pseudoprogrammierbarkeit in Form einer Falltür, hinter der sich ein Großteil der Miniatur-Frontplatte verbarg und die vor dem Auftritt eingerichtet werden konnte. Wenn man es wagte, das Ding zu einem Auftritt mitzunehmen.
Außerdem war er äußerst instabil, mit analogen Oszillatoren, die bei jeder Gelegenheit abdrifteten. Zu heiß? Zu kalt? Völlig verstimmt. Zu feucht? Vergiss es. Müssen Sie es bewegen? Nö. Allein das Kippen des Geräts, um es auf seinen Rollen zu bewegen, würde es aus dem Gleichgewicht bringen.
Wenn Sie zu den wenigen Glücklichen gehörten, die einen stabilen CS-80 besaßen (oder es sich leisten konnten, ihn für den einschüchternden Kalibrierungsprozess zu mieten), konnten Sie sich eines Geräts bedienen, das zu unvergleichlichem Ausdruck fähig war. Der CS-80 fühlte sich wie ein echtes Instrument an. Man konnte es seiner Stimmung und seinem Willen anpassen. Er reagierte wunderbar auf Aftertouch. Der CS-80 konnte schreien wie eine Banshee, klagend weinen oder ein Muster klopfen, das so zart war wie Regen auf einem Glasfenster.
Wir haben vor kurzem einen gesehen, der für über 10.000 Mäuse verkauft wurde, und weißt du was? Der Käufer wird sein Geld wert sein.
Emulationen: Der Deckard’s Dream MK2 ist zweifelsohne vom CS-80 inspiriert, und Yamaha hat angedeutet, dass sie möglicherweise darüber nachdenken, das Instrument in irgendeiner Form wieder aufleben zu lassen. Unvermeidlich ist auch die Rede von einem Behringer-Klon.
Auf der Softwareseite gibt es nichts besseres als Arturias CS-80 V.
Korg Wavestation
Um die Anziehungskraft der Wavestation zu verstehen, muss man sich in das Jahr 1990 zurückversetzen. Analog war tot und UKW wurde am Leben erhalten. Sample-Playback-Instrumente hatten sich durchgesetzt, und die Verkaufsschlager von damals waren kaum mehr als verherrlichte Orgeln, mit denen man ein einigermaßen überzeugendes Sample-Ensemble für das Holiday Inn-Publikum zusammenstellen konnte: „Danke, meine Damen und Herren, ich werde die ganze Woche hier sein. Vergessen Sie nicht, den Kellnerinnen Trinkgeld zu geben.“
In diesem Umfeld wagte es Korg, die Wavestation zu veröffentlichen. Die Wavestation war das Produkt eines US-amerikanischen Entwicklerteams, das von der inzwischen aufgelösten Firma Sequential Circuits gerettet wurde, und verfügte über die Vektorsynthese des Prophet-VS von Sequential.
Die eingebauten Samples waren eindeutig elektronischer Natur, ohne die üblichen Drumkits, Pianos oder Nylongitarren (zumindest im Moment). Sie konnten gestapelt, überlagert, gefiltert und mit einer immer noch beeindruckenden Auswahl an Effekten bearbeitet werden. Noch besser: Mit dem Joystick, der über den Pitch- und Modulationsrädern angebracht war, konnten Sie Ihre Klänge überblenden und mischen.
Das hätte vielleicht ausgereicht, um Synthesizer-Fans aus ihrer Flaute zu holen, aber es war die Einbeziehung des Wavesequencing, die den Ausschlag gab. Die Wavestation ermöglichte es dem Benutzer, beliebige Wellenformen aneinanderzureihen und dabei Tonhöhe, Lautstärke und Überblendzeit individuell zu steuern.
Mit dieser Technologie war es ein Kinderspiel, Klänge zu erzeugen, die sich mit der Zeit veränderten und weiterentwickelten. Komplexe rhythmische Passagen konnten ebenfalls erstellt werden. Diese Technik war und ist brillant, obwohl sie als schwierig zu programmieren gilt. Glücklicherweise gibt es auch heute noch Software-Editoren für das Ding, ganz zu schweigen von einer absolut überzeugenden virtuellen Inkarnation von Korg selbst.
Emulationen: Korg hat sowohl eine Desktop- als auch eine iOS-Version der Wavestation herausgebracht, während der Wavestate-Hardware-Synthesizer seinen Sound auf den Punkt bringt, obwohl er ein ganz neues Instrument ist.
Yamaha DX7
In diesem Zeitalter des Retro-Fetischismus ist es schwer zu glauben, dass Musiker einst analogen Synthesizern überdrüssig geworden sein könnten. Doch als die 1980er Jahre in die Gänge kamen, herrschte genau diese Stimmung in der elektronischen Musikindustrie.
Nach über einem Jahrzehnt, in dem es nichts als analog gab, suchten die Musiker nach dem nächsten großen Ding, und ein Megakonzern arbeitete zufällig genau daran. Er wurde DX7 genannt und erschütterte die gesamte Musikwelt, als er 1983 auf den Markt kam.
Der DX7 war nicht nur äußerlich, sondern auch unter der Haube anders, denn er bot die damals unglaubliche Anzahl von 16 polyphonen Stimmen, eine vollwertige Tastatur mit Anschlagdynamik und Aftertouch. Der DX7 war nämlich das erste serienmäßig hergestellte Instrument, das die FM-Synthese nutzte, eine Technik, die von John Chowning in Stanford entwickelt und von Yamaha lizenziert worden war.
Im Gegensatz zu der bekannten FM im analogen Stil, die man bei einigen semi-modularen Instrumenten findet, war Yamahas FM-Variante kein bloßer Effekt, sondern das Herzstück der Instrumentenarchitektur, und sie ließ einige alte Hasen den Kopf schütteln. Tatsächlich brachte der DX7 der FM-Synthese schnell den etwas unverdienten Ruf ein, schwer zu programmieren zu sein, und begründete damit fast im Alleingang die Sounddesign-Industrie.
Wahrhaftig, FM ist nicht allzu schwer zu verstehen; es machte einfach nicht viel Spaß, einen Parameter nach dem anderen und mit sehr wenig visuellem Feedback zu verändern. Wohl oder übel läutete der DX7 dank seines spartanischen Bedienfelds und des winzigen Displays auch die Ära der menügesteuerten Synthese ein. Dennoch entdeckten diejenigen, die das Gerät programmierten, eine Fülle von neuen und aufregenden Klangfarben.
Der DX7 konnte kalt, klar und kristallin sein. Er war in der Lage, knackige perkussive Klänge und knallharte Bässe zu erzeugen. Die Klänge konnten auch recht lebendig sein, wenn man zu den wenigen gehörte, die sich die Mühe machten, die vielen Echtzeitregler zu benutzen, einschließlich des viel zu wenig genutzten Breath-Control-Eingangs.
Die meisten Benutzer begnügten sich jedoch mit den zahlreichen Voreinstellungen. Von den inzwischen berühmten E-Pianos bis hin zur überstrapazierten Mundharmonika (!) wurde der DX7 schnell allgegenwärtig und verkaufte sich in einer für einen Synthesizer bis dahin unerreichten Anzahl. Es ist leicht, ihn heute zu verteufeln, aber ’83 war er ein frischer Wind, der die Synthesizer-Industrie wiederbelebte (und in gewissem Maße auch kommerzialisierte).
Emulationen: Yamaha hat den niedlichen Reface DX, während Korg den noch niedlicheren Volca FM anbietet. Wenn Sie ein Plugin wünschen, hat Arturia wieder einmal mit dem DX7 V nachgelegt, und es gibt auch den Evergreen FM8 von Native Instruments.
Pfennigfuchser sollten das kostenlose Dexed auf PC und Mac oder den FM Player 2 von AudioKit, einen DX-Synthesizer für das iPad, ausprobieren.
ARP 2600
Wenn der Minimoog entwickelt wurde, um die modulare Synthese für den Massenkonsum zu vereinfachen, dann wurde der ARP 2600 geschaffen, um das ganze Paket in die Hände von Musikern zu bringen. Anstatt die Möglichkeiten durch einen festgeschriebenen Signalweg einzuschränken, wie es Moog tat, präsentierte der 2600 ein vollständig anpassbares Instrument in einem ziemlich kompakten Paket.
Der 2600 bot drei Oszillatoren, Rauschen, Filter, Ringmodulator und Reverb, und der feste Signalweg des 2600 konnte durch das Anschließen von Kabeln an fast jedem Punkt der Architektur des Instruments umgangen werden. Das bedeutete, dass es so komplex war, wie Sie es brauchten. Beachtlich komplexe Patches konnten erstellt werden, ohne dass ein einziges Kabel eingesteckt werden musste, aber sobald man sich dazu entschied, waren dem Himmel keine Grenzen gesetzt. Wir haben 2600er gehört, die alles von Pseudo-Sequenzen bis hin zu kompletten Drumbeats mit Swing produziert haben.
Das 2600 wurde durch seine stabilen Oszillatoren begünstigt, und frühe Modelle profitierten von einem Filter, der dem von Moog nur allzu ähnlich war (zumindest soweit es die Anwälte von Moog betraf). Der 2600 wurde im Laufe der Jahre mehrfach überarbeitet, von der ersten Version aus blauem Metall über die zahlreicheren Geräte mit Tolex-Gehäuse bis hin zu den letzten knalligen schwarz-orangenen Exemplaren der frühen 1980er Jahre.
ARP 2600 werden heutzutage zu Spottpreisen gehandelt. Geräte, die für einen Pfennig verschenkt wurden, werden auf dem Gebrauchtmarkt für mehrere Tausend Dollar verkauft. Aber Vorsicht: Die ersten Modelle sind schwer zu reparieren, weil ARP die Schaltkreise mit Epoxidharz ummantelt hat.
Emulationen: Wer einen ARP 2600 FS von Korg ergattern kann und das nötige Kleingeld hat, kommt an ihm nicht vorbei (wir hoffen, dass es irgendwann eine Mini-Version geben wird), und Behringer hat eine eigene Version des Synthesizers in Arbeit. Arturia hat ihn als Plugin aufbereitet.
PPG Wave 2.2/3
PPG war die Vision eines Mannes, Wolfgang Palm. Er vertrat die Ansicht, dass die Beschränkungen analoger Oszillatoren durch die Verwendung kurzer, digitaler Wellenformen, die in einer linearen „Wavetable“ gespeichert sind, umgangen werden könnten.
Seine Vision wurde in Form des PPG Wave verwirklicht. Frühe Versionen litten unter der Auflösung der digitalen Wellenformen und dem Fehlen von analogen Filtern, aber die Technologie erreichte 1982 mit dem PPG Wave 2.2 ihre Reife.
Dieses große blaue Wunderwerk kombinierte die digital gespeicherten Wavetables von Palm mit einem klassischen resonanten Tiefpassfilter, einem LFO und einer Handvoll Hüllkurvengeneratoren. Der Benutzer konnte mit einer Vielzahl von Modulationsquellen durch die Wavetables modulieren, was zu einem lebendigen, aufregenden Sound führte, der sich von den analogen Synthesizern der damaligen Zeit deutlich unterschied.
Obwohl der PPG einige Wellenformen enthielt, die von gesampelten Instrumenten stammten, entschuldigte sich Palm nicht für seinen ausgeprägt synthetischen Geschmack. Der PPG konnte stachelige Bässe (man denke an Frankie’s Relax) und stimmungsvolle digitale Atmosphären erzeugen. PPG-Besitzer, die den dazugehörigen Waveterm-Computer kauften, konnten ihre eigenen Wavetables erstellen und in der Version 2.3 sogar ein wenig Sampling betreiben. Der Wave war ein hochtrabendes Traumgerät, das neun Riesen oder mehr kostete. Daher war er außerhalb der Studios der Reichen und Berühmten nur selten zu sehen.
Das Erbe des PPG ist auch heute noch zu spüren. Die deutsche Synthesizer-Schmiede Waldorf macht sich die Wavetable-Technologie von Palm weiterhin zunutze und hat eine lange Reihe von Wavetable-Instrumenten produziert, angefangen mit dem Microwave im Jahr 1990. Vor fast einem Jahrzehnt wurde sogar eine virtuelle Version des PPG produziert, und die aktuellen Blofeld- und Largo-Instrumente der Firma sind vollgepackt mit Wavetables, die vom PPG übernommen wurden. In der Zwischenzeit hat Palm seinen Namen für eine Reihe von iOS- und Plugin-Synthesizern unter der Marke PPG verwendet.
Emulationen: Wolfgang Palms PPG-Desktop- und iOS-Apps befinden sich jetzt in den Händen von Brainworx und sind die beste Wahl, wenn Sie einen authentischen PPG-Sound wünschen.
Sequential Circuits Prophet-5
Wenn dies eine Liste der edelsten Instrumente aller Zeiten wäre, würde der Prophet-5 fest an der Spitze stehen. Mit seinen Seitenteilen aus geöltem Holz und den großen, fühlbaren Knöpfen sah er aus, als hätte er ein Vermögen gekostet, und das tat er auch.
Mit einem Signalweg, der dem des ARP Odyssey nicht unähnlich war (zwei synchronisierbare Oszillatoren, Rauschen, Tiefpassfilter, ein Paar ADSR-Hüllkurvengeneratoren und ein LFO), hatte der Prophet-5 alles, um selbst den ambitioniertesten Synthesizer zufrieden zu stellen. Darüber hinaus verfügte der Prophet-5 über eine ausgeklügelte Poly-Mod-Sektion, mit der sich einige sehr ungewöhnliche Klangfarben erzeugen ließen.
Es gab eine Menge zum Spielen, und zum ersten Mal überhaupt konnten alle Änderungen in den Speicher geschrieben und später abgerufen werden. Und was noch besser war: Es bot volle fünfstimmige Polyphonie. Andere Geräte boten zwar mehr Stimmen, aber keines von ihnen ermöglichte auch die volle Programmierbarkeit. Außerdem klang er einfach umwerfend, mit einem satten, vollen Sound, der ideal für dicke, nasale Bläser, tiefe, dröhnende Pads, stämmige Bässe und diese schneidenden Osc-Sync-Leads war.
Der Prophet-5 war, kurz gesagt, genau das, wonach Musiker verlangten, und obwohl er satte vier Riesen kostete, wurde er in Scharen verkauft, was Dave Smiths Sequential Circuits fast über Nacht zum Branchenführer machte und Legionen von Nachahmern aus allen Ecken der Welt hervorbrachte.
Die Geschichte hat auch ein neues Kapitel: Dave Smith hat jetzt den Namen Sequential Circuits wieder in Besitz genommen und hat einen neuen Synthesizer in Form des Prophet-6.
Emulationen: Arturias Prophet-V-Plugin enthält nicht nur eine Prophet-5-Emulation, sondern auch einen Software-Reboot des Prophet VS.
EMS VCS3
Vom Wasp über den OSCar bis hin zu einer Reihe von Novation-Instrumenten scheinen die Briten ein Händchen dafür zu haben, einzigartige, aufregende und inspirierende Instrumente herauszubringen, und das meist zu Schnäppchenpreisen.
Es fällt schwer, bei der Beschreibung des kleinen VCS3 von EMS an „Schnäppchenpreise“ zu denken, und doch war es bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1969 vergleichsweise erschwinglich. Heute gehören sie zu den wertvollsten Vintage-Synthesizern und bringen auf dem Gebrauchtmarkt über 7.000 Euro ein.
Warum sind Sammler bereit, so viel für einen Monosynth mit drei Oszillatoren zu bezahlen? Zum einen wegen der Geschichte. Der VCS3 (und sein späterer, fast identischer Cousin im Koffer, der Synthi AKS) sind in der Musikgeschichte sehr präsent. Von Tangerine Dream über Jean-Michel Jarre bis hin zu Gong und Hawkwind – so ziemlich jeder, der in den 1970er Jahren Einfluss auf die elektronische Musik hatte, benutzte einen EMS-Synthesizer… Der VCS3 mit seinem eleganten, polierten L-förmigen Gehäuse war so angesagt, dass jedes einzelne Mitglied von Pink Floyd in den Liner Notes von The Dark Side of the Moon behauptete, ihn zu spielen, obwohl für die wichtigsten elektronischen Bits ganz eindeutig der nicht näher bezeichnete Synthi AKS verwendet wurde.
Das Design des VCS3, das aussieht, als wäre es aus dem Cockpit eines Mongo-Raketenschiffs entsprungen, reicht aus, um einen Synthesizer-Fan in Paroxysmen der Freude zu versetzen. Große Drehregler mit farbigen Kappen, eine Modulationsmatrix mit Druckknöpfen und ein Joystick in Militärqualität verleihen dem Instrument einen gewissen „Laborschick“. Es lädt geradezu dazu ein, mit ihm schräge, atonale Avantgarde-Musik zu kreieren. Tastaturen? Chromatische Musik ist doch so altmodisch! Zumindest dachte sein Schöpfer, der geniale Geologe Peter Zinovieff, so, und in den ersten Jahren des langen Lebens des VCS3 gab es keine solche Option.
Das VCS3 lädt zum Experimentieren ein, und seine Benutzer kommen dem gerne nach. Selbst erfahrene Synthesizer können unerwartete Ergebnisse erzielen, indem sie einfach ein paar Stifte in die Matrix stecken und mit dem Joystick wackeln. Erwarten Sie nur nicht, dass das Gerät immer im Takt bleibt. Die Stabilität des Oszillators gehört nicht zu den Stärken der Instrumente.
Heutzutage gibt es nicht mehr allzu viele von ihnen, und EMS hat endlich die Produktion der wenigen speziell bestellten Instrumente eingestellt, die das Unternehmen jahrzehntelang am Leben gehalten haben. Wenn Sie ein solches Gerät besitzen, brauchen Sie uns nicht zu sagen, was es wert ist. Das VCS3 ist ganz einfach ein Wunderwerk.
Emulationen: Auch hier kann Arturia mit dem Synthi V aushelfen, und XILS-Lab hat den XILS 3.
Moog Minimoog
Konnte es ein anderes Instrument sein? Der Minimoog ist der klassische Vintage-Synthesizer und das aus gutem Grund. Sein Design ist die Vorlage, die die Synthesizerhersteller bis heute beeinflusst.
Mit einem Trio von Oszillatoren (von denen der dritte als Modulationsquelle verwendet werden konnte), einem Rauschgenerator und dem wahrscheinlich bestklingenden Filter aller Zeiten machte der Mini Synthesizer für die Musiker greifbar. Sobald sie das Ding in die Finger bekamen, brachten diese Musiker den Sound der elektronischen Musik in den Mainstream.
Dank des Minimoogs wurde die elektronische Musik von ihrem hohen akademischen Sitz heruntergeholt und durfte sich unter den Ungehobelten und Widerspenstigen austoben, und das ist auch gut so. Vielleicht sollten wir uns bei Bill Hemsath bedanken, dem Moog-Mitarbeiter, der seine Mittagspausen auf dem Dachboden verbrachte und den ersten Minimoog aus den Resten von Moogs riesigen Modularsystemen zusammenbastelte. Er wollte einfach nur ein tragbares Instrument, das er mit nach Hause nehmen konnte. Er konnte nicht ahnen, dass er damit eine Legende schuf.
Was macht den Mini so großartig? Eigentlich sind es mehrere Dinge. Erstens ist er durch seine relativ begrenzte Anzahl von Parametern recht einfach zu bedienen. Dennoch wurden sie sorgfältig ausgewählt, um genügend Flexibilität zu bieten, um eine breite Palette von Klängen zu erzeugen.
Zweitens ist da der Klang. Obwohl vielen Instrumenten ein besonderer und schwer fassbarer Charakter nachgesagt wird, hat der Minimoog ihn wirklich, und dann noch etwas mehr. Die Oszillatoren sind reichhaltig, und die Hüllkurven sind bissig, wenn auch einfach. Die Höhen sind durchdringend und kristallklar, und der Bass ist zu Recht legendär geworden. Er ist groß, mutig und es ist fast unmöglich, das Ding schlecht klingen zu lassen!
Tatsache ist, dass weder Sie noch wir jemals einen Synthesizer benutzt haben, der nicht dem Minimoog etwas zu verdanken hatte. Lehne niemals eine Gelegenheit ab, einen zu spielen.
Emulationen: Wo soll ich anfangen? Es gibt unzählige Plugin-Minimoog-Emulationen, und Moog hat eine offizielle iOS-Version. Hardware-Liebhaber können das Model D von Behringer oder den Moog-ähnlichen Roland Boutique SE-02 ausprobieren.
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