Nous avons vu d’innombrables synthétiseurs matériels au cours des 40 dernières années – et leur marché est actuellement en plein essor – mais seuls quelques instruments peuvent prétendre au statut de véritable classique. Ces synthés ont eu un impact historique, en changeant la façon dont les futurs instruments seraient conçus et, surtout, en inspirant les musiciens qui les ont joués.
Ce sont ces synthés que nous célébrons ici, alors que nous faisons le décompte des 10 meilleurs synthés de tous les temps. Vous aurez, bien sûr, vos propres idées sur ce que nous aurions dû inclure (ou omettre), et vos opinions ne sont pas moins valables que les nôtres. Cela nous a fait mal de laisser certains classiques de côté, et nous avons longuement débattu de certaines inclusions.
Pour autant, on ne peut nier que chacun de ces synthés a laissé une marque indélébile sur l’industrie musicale. Vous noterez qu’un bon nombre d’entre eux ont été conçus et construits par des individus, travaillant avec des moyens limités, mais avec une imagination illimitée. Tous ces instruments ont un caractère qui leur est propre. Certains sont élégants, d’autres excentriques, mais tous valent la peine d’être vus. Peut-être encore plus maintenant que l’industrie est inondée d’instruments produits en série, à la chaîne.
Si vous possédez l’un de ces instruments, alors vous pouvez vous compter parmi ceux qui sont assez perspicaces pour reconnaître une Très Bonne Chose quand vous en voyez une. Sinon, il y a toujours eBay.
Avec ça, que le compte à rebours commence.
Oberheim OB-Xa
Le succès du Prophet-5 de Sequential Circuits a secoué l’industrie du synthé. Les monosynthés ont été déclarés morts presque du jour au lendemain, et si votre synthé ne pouvait pas stocker des sons, vous auriez aussi bien pu le mettre au rebut pour les pièces.
Tous les fabricants qui pouvaient se le permettre ont commencé à pomper des produits compétitifs. Certains ont tenté de faire baisser le coût des synthétiseurs polyphoniques programmables, tandis que d’autres, comme Oberheim, ont tenté de mettre leur propre empreinte sur eux.
Oberheim avait, en réalité, été là avant Sequential. Il offrait la polyphonie sous la forme de ses instruments OB Four et Eight Voice, obtenus en sanglant une poignée de ses modules S.E.M. dans un boîtier, en attachant un clavier et en s’attendant à ce que l’utilisateur modifie de façon identique chaque S.E.M. Il y avait même un programmateur rudimentaire disponible qui pouvait stocker certains (mais pas tous) des paramètres pour un rappel ultérieur. Ils sonnaient immensément, mais ils étaient difficiles à gérer, c’est le moins qu’on puisse dire.
Oberheim a un peu repensé à tout cela après le passage du Prophet-5, et a pris le meilleur de ses conceptions précédentes pour les combiner dans l’énorme OB-X. Cela a fonctionné à merveille et a engendré un certain nombre de suites, chacune avec ses propres qualités et raffinements spécifiques, et chacune avec son propre public fidèle.
Nous aurions pu choisir l’OB-X ou l’OB-8 pour notre liste, mais nous avons choisi celui qui se trouve pile au milieu, l’OB-Xa.
Comme l’OB-X qui l’a précédé, l’OB-Xa était disponible en versions à quatre, six ou huit voix et arborait un chemin de signal à double oscillateur quelque peu simplifié. L’OB-Xa, cependant, ajoutait un filtre de 24 dB au travail de 12 dB de l’OB-X et, en fait, vous pouviez créer des sons superposés qui combinaient les deux pour un son plus complexe et engageant.
Et quel son c’était. L’OB-Xa est peut-être l’instrument au son le plus phatique que nous ayons jamais entendu. Les utilisateurs qui osent cliquer sur ce bouton Unison devront peut-être faire ré-émailler leurs dents. Ouais. C’est gros.
Comme tous les instruments Oberheim de l’époque, l’OB-Xa pouvait être accroché avec une boîte à rythmes DMX ou DX et un séquenceur DSX pour former un « Système » Oberheim complet. Un tel Système en pleine activité était un spectacle à voir en ces jours pré-MIDI, un rêve humide technologique qui était loin d’être à la portée de tous, sauf des musiciens les plus prospères de l’époque.
Emulations : L’Oberheim OB-Xa V d’Arturia est une recréation complète de plugin, et il y a aussi le OB-Xd gratuit de discoDSP. Behringer travaille également sur un clone matériel.
Roland JD-800
Ce fut une décision difficile, mettre le JD-800 sur la liste à la place du massivement populaire D-50. Ce dernier est sans doute le classique entre les deux et a représenté un changement majeur dans l’approche de Roland en matière de conception et de vente d’instruments. Pourtant, le JD-800 était, franchement, un bien meilleur instrument.
Comme le D-50, le JD combinait des oscillateurs basés sur des échantillons avec un chemin de signal assez typique qui comprenait un filtre résonant, des générateurs d’enveloppe et autres. Cependant, le JD-800 offrait quelque chose qui n’était disponible sur aucun autre synthétiseur à base d’échantillons : un seau de curseurs. Oui, le JD revenait à l’ère de l’analogique, offrant des tas de contrôles en temps réel (qui, hélas, ne pouvaient être transmis que via SysEx). Il était grand, impressionnant et tout à fait sexy, même s’il était principalement fait de plastique.
Plus encore, il avait un son hors du commun. À une époque où les fabricants faisaient de leur mieux pour entasser autant d’échantillons 8 bits granuleux à faible débit que possible dans la ROM d’un instrument, Roland n’utilisait que du matériel haute résolution, ce qui se traduisait par une qualité sonore exceptionnelle.
Hélas, le JD-800 est sorti une décennie trop tôt. Le renouveau analogique était encore à des années lumière et les ventes ont fait long feu (au moins par rapport aux normes D-50). Cependant, Roland savait ce qu’il avait, et la technologie derrière le JD-800 apparaîtrait encore et encore dans sa série la plus vendue de modules MIDI montables en rack.
Emulations : Il n’existe pas d’émulations directes du JD-800, mais le JD-XA de Roland pourrait être considéré comme un successeur spirituel.
Yamaha CS-80
Tout dans le CS-80 était grand. Physiquement, c’était une bête massive, pesant plus de 90 kg. Il possède un énorme panneau frontal voyant, orné de boutons à bascule, de curseurs et du meilleur contrôleur à ruban jamais conçu.
Huit voix de polyphonie, l’aftertouch et une modulation en anneau distincte faisaient partie des caractéristiques offertes lorsque le CS-80 est sorti en 1976. Excentrique et acariâtre, il possédait une sorte de pseudo-programmabilité sous la forme d’une trappe qui cachait la majeure partie d’un panneau avant miniature et pouvait être configuré avant votre spectacle. Il était également extrêmement instable, avec des oscillateurs analogiques qui dérivaient à chaque occasion. Trop chaud ? Trop froid ? Il ne s’accorde pas. Trop humide ? Oubliez-le. Vous devez le déplacer ? Non. Le simple fait de le basculer sur le bout pour le faire rouler sur ses roulettes le déséquilibrait.
Si vous faisiez partie des quelques chanceux qui possédaient un CS-80 stable (ou pouvaient se permettre de l’engager pour l’intimidant processus de calibration), vous auriez pu vous prévaloir d’un appareil capable d’une expression inégalée. Le CS-80 ressemblait à un véritable instrument. On pouvait le faire se plier à son humeur et à sa volonté. Il répondait merveilleusement bien à l’aftertouch. Le CS-80 pouvait hurler comme une banshee, pleurer plaintivement, ou tapoter un motif aussi délicat que la pluie sur un vitrail.
Nous en avons récemment vu un partir à plus de 10 000 smackers et vous savez quoi ? L’acheteur va en avoir pour son argent.
Emulations : Le Deckard’s Dream MK2 est indubitablement inspiré par le CS-80, et Yamaha a indiqué qu’il envisageait peut-être de revisiter l’instrument sous une forme ou une autre. Inévitablement, il a également été question d’un clone Behringer.
Du côté logiciel, ne cherchez pas plus loin que le CS-80 V d’Arturia.
Korg Wavestation
Pour comprendre l’attraction de la Wavestation, il faut se replonger en 1990. L’analogique était mort et la FM était sous assistance respiratoire. Les instruments à lecture d’échantillons s’étaient imposés et les plus gros vendeurs de l’époque étaient considérés comme des orgues glorifiés, capables d’appeler un ensemble échantillonné raisonnablement convaincant pour la foule du Holiday Inn : « Merci mesdames et messieurs, je serai là toute la semaine. N’oubliez pas de donner un pourboire à vos serveuses ».
C’est dans ce même environnement que Korg a osé sortir le Wavestation. Produit d’une équipe de concepteurs basés aux États-Unis et sauvés de la défunte société Sequential Circuits, le Wavestation partageait la synthèse vectorielle du Prophet-VS de Sequential.
Les échantillons embarqués étaient de nature résolument électronique, sans les habituels kits de batterie, pianos ou guitares en nylon (pour le moment, en tout cas). Ils pouvaient être empilés, superposés, filtrés et traités par une sélection toujours impressionnante d’effets. Mieux encore, vous pouviez effectuer des fondus enchaînés et mélanger vos sons à l’aide du joystick monté au-dessus des molettes de pitch et de mod.
Cela aurait pu suffire à sortir les synthétiseurs de leur marasme, mais c’est l’inclusion du wavesequencing qui a fait pencher la balance. Le Wavestation donnait aux utilisateurs la possibilité d’enchaîner n’importe quelle forme d’onde embarquée avec un contrôle individuel sur la hauteur, le volume et le temps de fondu enchaîné.
Avec cette technologie, il était facile de créer des sons qui changeaient et évoluaient dans le temps. De même, des passages rythmiques complexes pouvaient être créés. C’était, et c’est toujours, génial, même si on considère que c’est difficile à programmer. Heureusement, il y a des éditeurs de logiciels disponibles pour la chose même à ce jour, sans parler d’une incarnation virtuelle tout à fait convaincante de Korg lui-même.
Emulations : Korg a publié des versions desktop et iOS du Wavestation, tandis que le synthé matériel Wavestate cloue son son tout en étant très largement un nouvel instrument.
Yamaha DX7
En cette ère de rétro-fétichisme, il peut être difficile de croire que les musiciens aient pu un jour se lasser des synthétiseurs analogiques. Pourtant, à l’aube des années 1980, c’est précisément l’état d’esprit qui s’était installé dans l’industrie de la musique électronique.
Après plus d’une décennie de rien d’autre que de l’analogique, les musiciens étaient à la recherche de cette Next Big Thing, et il se trouve qu’une méga-corporation travaillait exactement sur ce point. Il a été baptisé le DX7 et il a secoué tout le monde de la musique lors de sa sortie en 1983.
Offrant une polyphonie alors stupéfiante de 16 voix, un clavier pleine taille, capable de vélocité et d’aftertouch, le DX7 était différent à l’extérieur comme sous le capot. Vous voyez, le DX7 était le premier instrument produit en série à utiliser la synthèse FM, une technique conçue par John Chowning à Stanford et licenciée par Yamaha.
Contrairement à la FM de style analogique familière vue sur quelques instruments semi-modulaires, la variante Yamaha de la FM n’était pas un simple effet ; elle était le cœur de l’architecture de l’instrument, et elle a laissé certains vieux routiers se gratter la tête. En fait, le DX7 a rapidement valu à la synthèse FM la réputation quelque peu imméritée d’être difficile à programmer, donnant naissance presque à elle seule à l’industrie du design sonore tiers dans le processus.
À vrai dire, la FM n’est pas trop difficile à appréhender ; ce n’était tout simplement pas très amusant de patcher un paramètre à la fois et avec très peu de retour visuel. Pour le meilleur ou pour le pire, le DX7 a également inauguré l’ère de la synthèse par menus, grâce à son panneau avant spartiate et à son écran diminutif. Pourtant, ceux qui ont programmé cette chose ont découvert une richesse de timbres nouveaux et exaltants.
Le DX7 pouvait être froid, clair et cristallin. Il était capable de timbres percussifs croustillants et de basses dures comme des clous. Les sons pouvaient être assez vivants, aussi, si vous étiez l’un des rares à prendre la peine d’employer les nombreux contrôleurs en temps réel, y compris l’entrée de contrôle du souffle, très sous-utilisée.
La plupart des utilisateurs, cependant, se contentaient des nombreux presets. Des pianos électriques désormais célèbres à l’harmonica galvaudé ( !), le DX7 est rapidement devenu omniprésent, se vendant en des nombres jusqu’alors inégalés pour un synthétiseur. Il est facile de s’en moquer aujourd’hui, mais il était une bouffée d’air frais en 83, et a revitalisé (et dans une certaine mesure commercialisé) l’industrie du synthétiseur.
Emulations : Yamaha propose le mignon Reface DX, tandis que Korg offre le Volca FM, encore plus mignon. Si vous voulez un plugin, Arturia a encore une fois obligé avec le DX7 V, et il y a aussi le sempiternel FM8 de Native Instruments.
Les plus économes devraient essayer le gratuit Dexed sur PC et Mac ou le FM Player 2 d’AudioKit, un synthé DX pour iPad.
ARP 2600
Si le Minimoog a été conçu pour simplifier la synthèse modulaire pour la consommation de masse, alors l’ARP 2600 a été créé pour transporter l’ensemble du kit et du caboodle dans les mains des musiciens exécutants. Plutôt que de limiter les options avec un chemin de signal écrit dans la pierre comme Moog l’a fait, le 2600 a présenté un instrument entièrement patchable dans un paquet assez compact.
Pourvu de trois oscillateurs, de bruit, de filtre, de ring mod et de réverbération, le chemin de signal fixe du 2600 pouvait être défait en patchant des câbles dans à peu près n’importe quel point de l’architecture de l’instrument. Cela signifie qu’il était aussi complexe que vous le souhaitiez. Des patchs d’une complexité respectable pouvaient être créés sans brancher un seul câble, mais une fois que vous choisissiez de le faire, les possibilités étaient illimitées. Nous avons entendu des 2600 produisant tout, des pseudo-séquences aux rythmes de batterie complets, avec swing.
Le 2600 a bénéficié d’une longueur d’avance grâce à ses oscillateurs stables, et les premiers modèles ont bénéficié d’un filtre qui était trop semblable à celui de Moog (du moins en ce qui concerne les avocats de Moog). Le 2600 est passé par un certain nombre de révisions au fil des ans, de son incarnation initiale en métal bleu à travers les unités plus nombreuses encastrées dans du tolex jusqu’aux emplois finaux gaudy noir et orange du début des années 1980.
Les ARP 2600 se négocient à des prix stupides ces jours-ci. Des unités qui étaient données pour quelques centimes se vendent pour plusieurs milliers de dollars sur le marché de l’occasion. Attention, cependant : les premiers modèles sont difficiles à réparer, grâce à l’habitude qu’ont les ARP d’enfermer les circuits dans de l’époxy.
Emulations : Si vous pouvez mettre la main sur un et avoir l’argent, vous ne pouvez pas battre l’ARP 2600 FS de Korg (espérons une version mini à un moment donné) et Behringer a sa propre prise sur le synthé dans les travaux. Arturia lui a donné le traitement sous forme de plugin.
PPG Wave 2.2/3
PPG était la vision d’un homme, Wolfgang Palm. Il affirmait que les limites des oscillateurs analogiques pouvaient être contournées par l’utilisation de formes d’onde numériques courtes stockées dans une « table d’onde » linéaire.
Sa vision s’est concrétisée sous la forme du PPG Wave. Les premières versions ont souffert de la résolution des formes d’onde numériques et de l’absence de filtres analogiques, mais la technologie a atteint sa maturité en 1982, avec le PPG Wave 2.2.
Cette grande merveille bleue combinait les tables d’onde stockées numériquement du Palm avec un filtre passe-bas résonnant classique, un LFO et une poignée de générateurs d’enveloppe. Les utilisateurs pouvaient moduler à travers les tables d’ondes en utilisant une variété de sources de modulation, résultant en un son vivant et excitant assez différent des synthés analogiques de l’époque.
Bien que le PPG contenait quelques formes d’ondes tirées d’instruments échantillonnés, Palm n’offrait aucune excuse pour sa saveur distinctement synthétique. Le PPG pouvait produire des basses piquantes (pensez à Frankie’s Relax) et des atmosphères numériques évocatrices. Les propriétaires de PPG qui achetaient l’ordinateur Waveterm associé pouvaient créer leurs propres tables d’ondes et, dans la version 2.3, faire un peu d’échantillonnage. Le Wave était une machine de rêve, coûtant neuf mille dollars ou plus. En tant que tel, il était rarement vu en dehors des studios des riches et célèbres.
L’héritage du PPG peut être ressenti encore aujourd’hui. Les sorciers allemands du synthétiseur Waldorf continuent d’exploiter la technologie à tables d’ondes de Palm, ayant produit une longue ligne d’instruments à tables d’ondes en commençant par le Microwave en 1990. La société a même produit une version virtuelle du PPG il y a près de dix ans et les instruments Blofeld et Largo actuels de la société sont remplis de tables d’ondes extraites du PPG. Palm, quant à lui, a mis son nom sur une gamme d’iOS et de synthés plugin de marque PPG.
Emulations : Les applications PPG desktop et iOS de Wolfgang Palm sont maintenant entre les mains de Brainworx, et sont vos meilleurs paris si vous voulez un son PPG authentique.
Sequential Circuits Prophet-5
S’il s’agissait d’une liste des instruments les plus classieux de tous les temps, le Prophet-5 serait installé fermement au sommet. Avec ses panneaux latéraux en bois huilé et ses gros boutons tactiles, il avait l’air de coûter une fortune et, en fait, c’était le cas.
Portant un chemin de signal qui n’est pas sans rappeler celui de l’ARP Odyssey (deux oscillateurs synchronisables, un bruit, un filtre passe-bas, une paire de générateurs d’enveloppe ADSR et un LFO), le Prophet-5 avait tout ce qu’il fallait pour satisfaire le synthétiseur le plus ambitieux. Cependant, il a également ajouté une section Poly Mod méchante qui pouvait être appelée à créer des timbres très inhabituels.
Il y avait beaucoup à jouer avec et, pour la toute première fois, tous les réglages pouvaient être écrits en mémoire pour un rappel ultérieur. Mieux encore, il offrait cinq voix de polyphonie. D’autres ont pu offrir plus de voix, mais aucun d’entre eux ne permettait une programmation complète. De plus, il sonnait rien de moins que magnifique, avec un son riche et plein qui était idéal pour les cuivres épais et nasaux, les pads profonds et bourdonnants, les basses lourdes et ces leads osc-sync brûlants.
Le Prophet-5 était, en bref, exactement ce que les musiciens de scène réclamaient et, bien qu’il ait été vendu au prix énorme de quatre mille dollars, il s’est vendu en masse, faisant de Sequential Circuits de Dave Smith un leader de l’industrie presque du jour au lendemain et engendrant des légions de copieurs de tous les coins du globe.
L’histoire a aussi un nouveau chapitre : Dave Smith a maintenant repris la propriété du nom Sequential Circuits, et a un nouveau synthé sous la forme du Prophet-6.
Emulations : Le plugin Prophet V d’Arturia contient non seulement une émulation du Prophet 5, mais aussi un redémarrage logiciel du Prophet VS.
EMS VCS3
De la Wasp à l’OSCar en passant par n’importe quel nombre d’instruments Novation, les Britanniques semblent avoir un don pour pondre des instruments uniques, excitants et inspirants, et généralement à des prix avantageux.
Il semble difficile de penser en termes de « prix d’aubaine » en décrivant le petit VCS3 d’EMS, et pourtant, lors de sa sortie en 1969, il était comparativement abordable. Aujourd’hui, ils font partie des synthétiseurs vintage les plus précieux, rapportant plus de 7k sur le marché de l’occasion.
Pourquoi les collectionneurs sont-ils prêts à payer si cher pour un monosynthé à trois oscillateurs ? L’histoire, pour commencer. Le VCS3 (et son cousin ultérieur presque identique dans une valise, le Synthi AKS) ont une forte présence dans l’histoire de la musique. De Tangerine Dream à Jean-Michel Jarre en passant par Gong et Hawkwind, à peu près tous ceux qui ont eu un impact sur la musique électronique dans les années 1970 ont utilisé un synthé EMS.Le VCS3, avec son boîtier en forme de L stylé et poli, était si élégant que chaque membre de Pink Floyd a prétendu en jouer sur les notes de pochette de The Dark Side of the Moon, même si le Synthi AKS, non crédité, a très clairement été utilisé pour les bits électroniques les plus importants.
Ayant l’air d’avoir été tiré du cockpit d’un Mongo Rocketship, le design du VCS3 est suffisant pour envoyer un boffin de synthé dans des paroxysmes de plaisir. De gros boutons colorés, une matrice de modulation à broches et un joystick de qualité militaire donnent à l’instrument un certain air de « laboratoire chic ». Il ne demande qu’à être utilisé pour créer de la musique bizarre, atonale et d’avant-garde. Des claviers ? La musique chromatique, c’est tellement dépassé ! C’est du moins ce que pensait son créateur, le génial géologue Peter Zinovieff, et aucune option de ce genre n’était disponible pendant les premières années de la longue vie du VCS3.
Le VCS3 invite à l’expérimentation et ses utilisateurs sont heureux de s’y plier. Même les synthétiseurs vétérans peuvent obtenir des résultats inattendus simplement en enfonçant quelques broches dans la matrice et en remuant le joystick. Mais ne vous attendez pas à ce qu’il reste en phase. La stabilité de l’oscillateur n’est pas l’un des points forts de ces instruments.
Il n’y en a plus beaucoup de nos jours, et EMS a, enfin, cessé de fabriquer même le petit nombre d’instruments commandés spécialement qui ont fait vivre la société pendant tant de décennies. Si vous en possédez un, vous n’avez pas besoin que nous vous parlions de sa valeur. Le VCS3 est, tout simplement, une merveille.
Emulations : Encore une fois, Arturia peut vous aider avec le Synthi V, et XILS-Lab a le XILS 3.
Moog Minimoog
Pourrait-il s’agir d’un autre instrument ? Le Minimoog est le synthétiseur vintage classique et pour cause. Son design est le modèle qui influence les fabricants de synthétiseurs jusqu’à ce jour.
Avec un trio d’oscillateurs (dont le troisième pouvait être utilisé comme source de modulation), un générateur de bruit et très probablement le meilleur filtre sonore jamais créé, le Mini a mis les synthétiseurs à la portée des musiciens en concert. Une fois qu’ils ont mis la main sur le truc, ces musiciens ont injecté le son de la musique électronique dans le courant dominant.
Grâce au Minimoog, la musique électronique a été tirée de son haut perchoir académique et autorisée à courir librement parmi les grossiers et les indisciplinés, et Dieu merci pour cela. Nous devrions peut-être remercier Bill Hemsath, l’employé de Moog qui passait ses heures de déjeuner dans le grenier, à assembler le premier Minimoog à partir de morceaux provenant des énormes systèmes modulaires de Moog. Il voulait simplement un instrument portable qu’il pourrait emporter chez lui. Il ne pouvait pas savoir qu’il créait une légende.
Qu’est-ce qui rend le Mini si génial ? Un certain nombre de choses, en fait. D’abord, son nombre relativement limité de paramètres le rend assez facile à utiliser. Pourtant, ils ont été soigneusement choisis pour offrir suffisamment de flexibilité pour créer une large gamme de sons.
Deuxièmement, il y a le son. Bien que l’on dise de nombreux instruments qu’ils possèdent un caractère spécial et insaisissable, le Minimoog l’a vraiment, et même plus. Les oscillateurs sont riches, et les enveloppes sont vives, bien que simples. Ses aigus sont perçants et clairs comme du cristal, et ses basses sont devenues légendaires. C’est gros, couillu et il est presque impossible de faire sonner cette chose mal !
Le fait est que ni vous ni nous n’avons jamais utilisé un synthétiseur qui ne devait pas quelque chose au Minimoog. Ne refusez jamais, jamais, une occasion d’en jouer un.
Emulations : Par où commencer. Il existe d’innombrables émulations de Minimoog en plugin, et Moog a une version iOS officielle. Les amateurs de matériel peuvent chercher le modèle D de Behringer ou le Roland Boutique SE-02 à tendance Moog.
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