Abbiamo visto innumerevoli sintetizzatori hardware negli ultimi 40 anni – e il mercato per loro è attualmente in piena espansione – ma solo pochi strumenti possono rivendicare lo status di vero classico. Questi synth hanno avuto un impatto storico, cambiando il modo in cui gli strumenti futuri sarebbero stati progettati e, soprattutto, ispirando i musicisti che li hanno suonati.
Questi sono i synth che stiamo celebrando qui, mentre contiamo i 10 migliori synth di tutti i tempi. Avrete, naturalmente, le vostre idee su ciò che avremmo dovuto includere (o omettere), e le vostre opinioni sono ora meno valide delle nostre. Ci ha fatto male lasciare fuori alcuni classici, e abbiamo discusso a lungo e duramente su alcune delle inclusioni.
Ancora, non si può negare che ognuno di questi synth ha lasciato un segno indelebile nell’industria musicale. Noterete che un buon numero di loro è stato progettato e costruito da individui, lavorando con mezzi limitati, ma con un’immaginazione illimitata. Tutti hanno un carattere che è unico per quello strumento. Alcuni sono di classe, alcuni eccentrici e tutti meritano comunque un’occhiata. Forse ancora di più ora che l’industria è inondata di strumenti prodotti in serie e in catena di montaggio.
Se possedete uno di questi strumenti, allora potete considerarvi tra quelli abbastanza perspicaci da riconoscere una Very Good Thing quando la vedete. Altrimenti, c’è sempre eBay.
Con questo, che il conto alla rovescia abbia inizio.
Oberheim OB-Xa
Il successo del Prophet-5 di Sequential Circuits scosse l’industria dei synth. I monosintetizzatori furono dichiarati morti quasi da un giorno all’altro, e se il tuo sintetizzatore non poteva memorizzare i suoni, potevi benissimo rottamarlo per i pezzi di ricambio.
Ogni produttore che poteva permettersi di farlo iniziò a sfornare prodotti competitivi. Alcuni tentarono di abbassare il costo dei sintetizzatori polifonici programmabili, mentre altri, come Oberheim, tentarono di metterci la propria impronta.
Oberheim, in realtà, c’era stata prima di Sequential. Offriva polifonia nella forma dei suoi strumenti OB Four e Eight Voice, ottenuti legando una manciata dei suoi moduli S.E.M. in una custodia, attaccando una tastiera e aspettandosi che l’utente modificasse in modo identico ogni singolo S.E.M. C’era anche un rudimentale programmatore disponibile che poteva memorizzare alcuni (ma non tutti) i parametri per richiamarli in seguito. Suonavano immensi, ma erano difficili da gestire, a dir poco.
Oberheim ha avuto un ripensamento dopo che il Prophet-5 ha sfrecciato, e ha preso il meglio dei suoi precedenti progetti e li ha combinati nell’enorme OB-X. Ha funzionato benissimo e ha generato un certo numero di seguiti, ognuno con le sue specifiche qualità e raffinatezze, e ognuno con il suo fedele seguito.
Potevamo scegliere l’OB-X o l’OB-8 per la nostra lista, ma abbiamo scelto quello nel mezzo, l’OB-Xa.
Come l’OB-X che lo ha preceduto, l’OB-Xa era disponibile in versioni a quattro, sei o otto voci e sfoggiava un percorso di segnale a doppio oscillatore piuttosto semplificato. L’OB-Xa, tuttavia, aggiungeva un filtro da 24 dB al lavoro da 12 dB dell’OB-X e, infatti, si potevano creare suoni a strati che combinavano entrambi per un suono più complesso e coinvolgente.
E che suono era. L’OB-Xa potrebbe essere il singolo strumento dal suono più piatto che abbiamo mai sentito. Gli utenti che osano cliccare su quel pulsante Unison potrebbero doversi far riverniciare i denti. Sì, è grande.
Come tutti gli strumenti Oberheim dell’epoca, l’OB-Xa poteva essere collegato a una drum machine DMX o DX e a un sequencer DSX per formare un “sistema” Oberheim completo. Un tale sistema in piena attività era uno spettacolo da vedere in quei giorni pre-MIDI, un sogno bagnato tecnologico che era lontano dalla portata di tutti, ma i musicisti di maggior successo del giorno.
Emulazioni: L’Oberheim OB-Xa V di Arturia è un’accurata ricreazione in plugin, e c’è anche l’OB-Xd gratuito di discoDSP. Behringer sta anche lavorando su un clone hardware.
Roland JD-800
È stata una decisione difficile, mettere il JD-800 nella lista al posto del popolarissimo D-50. Quest’ultimo è senza dubbio il classico tra i due e ha rappresentato un grande cambiamento nell’approccio di Roland al design e alla vendita degli strumenti. Eppure il JD-800 era, francamente, uno strumento di gran lunga migliore.
Come il D-50, il JD combinava oscillatori basati su campioni con un percorso di segnale abbastanza tipico che includeva un filtro risonante, generatori di inviluppo e simili. Tuttavia, il JD-800 offriva qualcosa che non era disponibile su nessun altro sintetizzatore basato su campioni: un sacco di cursori. Sì, il JD si rifaceva all’era analogica, offrendo un sacco di controllo in tempo reale (che, ahimè, poteva essere trasmesso solo via SysEx). Era grande, impressionante e assolutamente sexy, anche se era fatto principalmente di plastica.
Più di questo, suonava fuori dal mondo. In un’epoca in cui i produttori facevano del loro meglio per stipare il maggior numero possibile di campioni granulosi a 8 bit a bassa velocità nella ROM di uno strumento, Roland usava solo roba ad alta risoluzione, ottenendo una qualità del suono eccezionale.
Purtroppo, il JD-800 fu rilasciato un decennio troppo presto. La rinascita dell’analogico era ancora lontana anni e le vendite si affievolirono (almeno per gli standard del D-50). Tuttavia, Roland sapeva cosa aveva, e la tecnologia dietro il JD-800 sarebbe saltata fuori ancora e ancora nella sua serie più venduta di moduli MIDI montabili a rack.
Emulazioni: Non ci sono emulazioni dirette del JD-800, ma il JD-XA della Roland potrebbe essere visto come un successore spirituale.
Yamaha CS-80
Tutto nel CS-80 era grande. Fisicamente, era una bestia enorme, con un peso di oltre 200 libbre. Ha un pannello frontale enorme e sgargiante, pieno di pulsanti a bilanciere, slider e il miglior controller a nastro mai concepito.
Otto voci di polifonia, aftertouch e modulazione ad anello distinta erano tra le caratteristiche offerte quando il CS-80 uscì nel 1976. Strano e irascibile, possedeva una sorta di pseudo-programmabilità sotto forma di una botola che nascondeva la maggior parte del pannello frontale in miniatura e che poteva essere impostata prima del vostro spettacolo. Se osavate portare la cosa a un concerto, cioè.
Era anche enormemente instabile, con oscillatori analogici che andavano alla deriva in ogni occasione. Troppo caldo? Troppo freddo? Bang fuori tono. Troppo umido? Dimenticalo. Hai bisogno di spostarlo? No. Il solo atto di rovesciarlo per spostarlo sulle sue rotelle lo mandava fuori asse.
Se eravate tra i pochi fortunati che avevano un CS-80 stabile (o che potevano permettersi di assumerlo per l’intimidatorio processo di calibrazione), sareste stati in grado di avvalervi di un dispositivo capace di un’espressione ineguagliabile. Il CS-80 sembrava un vero strumento. Poteva essere piegato al vostro umore e alla vostra volontà. Rispondeva meravigliosamente all’aftertouch. Il CS-80 poteva urlare come una banshee, piangere lamentosamente, o battere un motivo delicato come la pioggia su una vetrata colorata.
Di recente ne abbiamo visto uno andare a oltre 10.000 dollari e sapete cosa? L’acquirente avrà i suoi soldi.
Emulsioni: Il Deckard’s Dream MK2 è senza dubbio ispirato al CS-80, e Yamaha ha indicato che potrebbe pensare di rivisitare lo strumento in qualche forma. Inevitabilmente, si è parlato anche di un clone Behringer.
Per quanto riguarda il software, non cercate oltre il CS-80 V di Arturia.
Korg Wavestation
Per capire l’attrazione del Wavestation, dovete riportarvi al 1990. L’analogico era morto e l’FM era in supporto vitale. Gli strumenti sample-playback avevano preso piede e i più grandi venditori del giorno erano visti come poco più che organi glorificati, capaci di richiamare un ensemble campionato ragionevolmente convincente per la folla dell’Holiday Inn: “Grazie signore e signori, sarò qui tutta la settimana. Non dimenticate di dare la mancia alle cameriere”.
È stato proprio in questo ambiente che la Korg ha osato rilasciare la Wavestation. Il prodotto di un team americano di progettisti salvati dalla ormai defunta Sequential Circuits, la Wavestation condivideva la sintesi vettoriale del Prophet-VS della Sequential.
I campioni a bordo erano di natura decisamente elettronica, senza le solite batterie, pianoforti o chitarre di nylon (per il momento, comunque). Potevano essere impilati, stratificati, filtrati e processati da una selezione ancora impressionante di effetti. Meglio ancora, potevi fare dissolvenze incrociate e fondere i tuoi suoni con il joystick montato sopra le ruote pitch e mod.
Questo avrebbe potuto essere sufficiente a scuotere i sintetizzatori dalla loro depressione, ma fu l’inclusione del wavesequencing a far pendere la bilancia. La Wavestation dava agli utenti la possibilità di mettere in fila qualsiasi forma d’onda a bordo con un controllo individuale su tono, volume e tempo di dissolvenza incrociata.
Utilizzando questa tecnologia, era un gioco da ragazzi creare suoni che si spostavano ed evolvevano nel tempo. Allo stesso modo si potevano creare complessi passaggi ritmici. Era, ed è, geniale, anche se è visto come difficile da programmare. Fortunatamente, ci sono editor software disponibili per la cosa ancora oggi, per non parlare di una incarnazione virtuale assolutamente convincente da Korg stessa.
Emulazioni: Korg ha rilasciato entrambe le versioni desktop e iOS della Wavestation, mentre il sintetizzatore hardware Wavestate inchioda il suo suono pur essendo uno strumento nuovo.
Yamaha DX7
In quest’epoca di retro-feticismo, può essere difficile credere che i musicisti possano essersi stancati dei sintetizzatori analogici. Eppure, quando gli anni ’80 sono entrati in azione, questo è precisamente lo stato d’animo che si era stabilito nell’industria della musica elettronica.
Dopo oltre un decennio di nient’altro che l’analogico, i musicisti erano alla ricerca della Next Big Thing, e una mega-società stava lavorando proprio su questo. Fu soprannominata la DX7 e scosse l’intero mondo della musica al momento della sua uscita nel 1983.
Offrendo una polifonia allora sbalorditiva di 16 voci, una tastiera a grandezza naturale, con velocity e aftertouch, la DX7 era diversa sia all’esterno che sotto il cofano. Vedete, la DX7 era il primo strumento prodotto in serie a fare uso della sintesi FM, una tecnica ideata da John Chowning a Stanford e concessa in licenza da Yamaha.
A differenza della familiare FM in stile analogico vista su alcuni strumenti semi-modulari, la variante FM di Yamaha non era un semplice effetto; era il cuore dell’architettura dello strumento, e ha lasciato alcuni vecchi a grattarsi la testa. In effetti, la DX7 si guadagnò rapidamente la fama immeritata di essere difficile da programmare, dando vita quasi da sola all’industria del sound design di terze parti.
A dire il vero, l’FM non è troppo difficile da capire; semplicemente non era molto divertente mettere un parametro alla volta e con pochissimo feedback visivo. Nel bene e nel male, la DX7 ha anche inaugurato l’era della sintesi guidata da menu, grazie al suo spartano pannello frontale e al suo piccolo display. Tuttavia, coloro che la programmarono scoprirono una ricchezza di timbri nuovi ed esaltanti.
La DX7 poteva essere fredda, chiara e cristallina. Era capace di timbri percussivi nitidi e bassi duri come chiodi. I suoni potevano essere anche piuttosto vivaci, se eri uno dei pochi che si preoccupava di utilizzare i molti controller in tempo reale, incluso il tanto sottoutilizzato ingresso per il controllo del respiro.
La maggior parte degli utenti, tuttavia, si accontentava dei numerosi preset. Dagli ormai famosi pianoforti elettrici all’abusata armonica (!), la DX7 divenne rapidamente onnipresente, vendendo in numeri mai visti prima per un sintetizzatore. Oggi è facile screditarla, ma nell’83 era una boccata d’aria fresca, e rivitalizzò (e in un certo senso commercializzò) l’industria dei sintetizzatori.
Emulsioni: Yamaha ha il simpatico Reface DX, mentre Korg offre l’ancora più piccolo Volca FM. Se volete un plugin, Arturia ha obbligato ancora una volta con la DX7 V, e c’è anche il sempreverde FM8 di Native Instruments.
Gli appassionati dovrebbero provare il Dexed gratuito su PC e Mac o FM Player 2 di AudioKit, un synth DX per iPad.
ARP 2600
Se il Minimoog è stato progettato per semplificare la sintesi modulare per il consumo di massa, allora l’ARP 2600 è stato creato per portare l’intero kit e il cablaggio nelle mani dei musicisti. Piuttosto che limitare le opzioni con un percorso di segnale scritto nella pietra come faceva il Moog, il 2600 presentava uno strumento completamente patchabile in un pacchetto abbastanza compatto.
Offrendo tre oscillatori, rumore, filtro, ring mod e riverbero, il percorso di segnale fisso del 2600 poteva essere sconfitto collegando cavi in quasi ogni punto dell’architettura dello strumento. Questo significava che era tanto complesso quanto ne avevate bisogno. Si potevano creare patch rispettabilmente complesse senza collegare un solo cavo, ma una volta che si sceglieva di farlo, il cielo era il limite. Abbiamo sentito 2600 produrre di tutto, da pseudo sequenze a beat di batteria completi di swing.
Il 2600 era dato in vantaggio dai suoi oscillatori stabili, e i primi modelli beneficiavano di un filtro che era fin troppo simile a quello di Moog (almeno per quanto riguarda gli avvocati di Moog). Il 2600 passò attraverso una serie di revisioni nel corso degli anni, dalla sua iniziale incarnazione in metallo blu attraverso le più numerose unità rivestite in tolex fino agli ultimi sgargianti lavori in nero e arancione dei primi anni ’80.
Gli ARP 2600 vengono venduti a prezzi sciocchi in questi giorni. Unità che sono state date via per pochi spiccioli vengono vendute per molte migliaia di dollari sul mercato dell’usato. Fate attenzione, però: i primi modelli sono difficili da riparare, grazie all’abitudine di ARP di incapsulare i circuiti in epossidica.
Emulazioni: Se riuscite a procurarvene uno e avete i soldi, non potete battere l’ARP 2600 FS della Korg (speriamo in una versione mini prima o poi) e Behringer ha la sua versione del synth in lavorazione. Arturia gli ha dato il trattamento in forma di plugin.
PPG Wave 2.2/3
PPG era la visione di un uomo, Wolfgang Palm. Era sua convinzione che le limitazioni degli oscillatori analogici potessero essere aggirate con l’uso di brevi forme d’onda digitali memorizzate in una “wavetable” lineare.
La sua visione si realizzò come PPG Wave. Le prime versioni soffrivano della risoluzione delle forme d’onda digitali e della mancanza di filtri analogici, ma la tecnologia raggiunse la maturità nel 1982, con il PPG Wave 2.2.
Questa grande meraviglia blu combinava le wavetable memorizzate digitalmente del Palm con un classico filtro passa basso risonante, un LFO e una manciata di generatori di inviluppo. Gli utenti potevano modulare attraverso le wavetable usando una varietà di sorgenti mod, ottenendo un suono vivace ed eccitante abbastanza diverso dai synth analogici dell’epoca.
Anche se il PPG conteneva alcune forme d’onda tratte da strumenti campionati, Palm non offriva scuse per il suo sapore distintamente sintetico. Il PPG poteva produrre bassi appuntiti (pensate a Frankie’s Relax) e suggestive atmosfere digitali. I possessori di PPG che compravano il computer Waveterm associato potevano lavorare le proprie wavetables e, nella versione 2.3, anche fare un po’ di campionamento. Il Wave era una macchina da sogno, che costava novemila dollari o più. Come tale, si vedeva raramente al di fuori degli studi dei ricchi e famosi.
L’eredità del PPG si sente ancora oggi. I maghi tedeschi del sintetizzatore Waldorf continuano a sfruttare la tecnologia wavetable del Palm, avendo prodotto una lunga linea di strumenti wavetable a partire dal Microwave nel 1990. Ha anche prodotto una versione virtuale del PPG quasi un decennio fa e gli attuali strumenti Blofeld e Largo sono pieni di wavetable prese dal PPG. Palm, nel frattempo, ha messo il suo nome su una gamma di synth iOS e plugin a marchio PPG.
Emulazioni: Le applicazioni desktop e iOS di Wolfgang Palm sono ora nelle mani di Brainworx, e sono le vostre migliori scommesse se volete un autentico suono di PPG.
Sequential Circuits Prophet-5
Se questa fosse una lista degli strumenti più eleganti di tutti i tempi, il Prophet-5 sarebbe stabilmente in cima. Con i suoi pannelli laterali in legno oliato e i pulsanti grandi e tattili, sembrava che costasse una fortuna e, beh, lo faceva.
Con un percorso del segnale non dissimile da quello dell’ARP Odyssey (due oscillatori sincronizzabili, rumore, filtro passa basso, una coppia di generatori di inviluppo ADSR e un LFO), il Prophet-5 aveva tutti i beni per rendere felice anche il sintetizzatore più ambizioso. Tuttavia, aggiunse anche una sezione Poly Mod malvagia che poteva essere chiamata a creare alcuni timbri molto insoliti.
C’era molto con cui giocare e, per la prima volta in assoluto, tutte le regolazioni potevano essere scritte in memoria per un successivo richiamo. Meglio ancora, offriva ben cinque voci di polifonia. Altri avrebbero potuto offrire più voci, ma nessuno di loro permetteva anche una piena programmabilità. Inoltre, suonava a dir poco stupendo, con un suono ricco e pieno che era ideale per ottoni spessi e nasali, pad profondi e droneggianti, bassi robusti e quei lead osc-sync brucianti.
Il Prophet-5 era, in breve, esattamente ciò che i musicisti esecutori stavano chiedendo a gran voce e, anche se il suo prezzo era di ben quattromila dollari, fu venduto a frotte, rendendo Sequential Circuits di Dave Smith un leader del settore quasi da un giorno all’altro e generando legioni di imitatori da ogni angolo del mondo.
La storia ha anche un nuovo capitolo: Dave Smith ha ora ripreso la proprietà del nome Sequential Circuits, e ha un nuovo sintetizzatore nella forma del Prophet-6.
Emulazioni: Il plugin Prophet V di Arturia contiene non solo un’emulazione del Prophet 5, ma anche un reboot software del Prophet VS.
EMS VCS3
Dal Wasp all’OSCar a qualsiasi numero di strumenti Novation, gli inglesi sembrano avere un talento per sfornare strumenti unici, emozionanti e ispiratori, e di solito a prezzi stracciati.
Sembra difficile pensare in termini di ‘prezzi d’occasione’ quando si descrive il minuscolo VCS3 di EMS, eppure quando è stato rilasciato nel 1969, era relativamente accessibile. Oggi, sono tra i sintetizzatori vintage più preziosi, portando oltre 7.000 dollari sul mercato dell’usato.
Perché i collezionisti sono disposti a pagare così tanto per un monosynth a tre oscillatori? La storia, per esempio. Il VCS3 (e il suo successivo, quasi identico cugino in valigia, il Synthi AKS) hanno una forte presenza nella storia della musica. Dai Tangerine Dream a Jean-Michel Jarre a Gong e Hawkwind, praticamente chiunque abbia avuto un impatto sulla musica elettronica negli anni ’70 ha usato un synth EMS. Il VCS3, con il suo elegante involucro a forma di L, era così alla moda che ogni singolo membro dei Pink Floyd ha affermato di suonarlo nelle note di copertina di The Dark Side of the Moon, anche se il Synthi AKS non accreditato è stato chiaramente usato per i bit elettronici più significativi.
Come se fosse stato estratto dalla cabina di pilotaggio di un’astronave Mongo, il design del VCS3 è sufficiente per mandare un fanatico del synth in parossismi di piacere. Grandi manopole colorate, una matrice di modulazione push-pin e un joystick di grado militare danno allo strumento una certa aria di ‘laboratorio chic’. Praticamente ti implora di usarlo per creare musica strana, atonale e d’avanguardia. Tastiere? Ma come, la musica cromatica è così fuori moda! Almeno il suo creatore, il genio geologo Peter Zinovieff la pensava così, e nessuna opzione del genere era disponibile per i primi anni della lunga vita del VCS3.
Il VCS3 invita alla sperimentazione e i suoi utenti sono felici di obbligarlo. Anche i veterani del sintetizzatore possono ottenere risultati inaspettati semplicemente infilando qualche perno nella matrice e muovendo il joystick. Solo non aspettatevi che rimanga intonato. La stabilità dell’oscillatore non è uno dei punti forti di questi strumenti.
Non ce ne sono molti in giro in questi giorni, e la EMS ha finalmente smesso di produrre anche il piccolo numero di strumenti ordinati appositamente che hanno tenuto in vita l’azienda per così tanti decenni. Se ne avete uno, non avete bisogno di noi per dirvi del suo valore. Il VCS3 è, semplicemente, una meraviglia.
Emulazioni: Ancora una volta, Arturia può aiutarti con il Synthi V, e XILS-Lab ha lo XILS 3.
Moog Minimoog
Poteva essere qualsiasi altro strumento? Il Minimoog è il classico sintetizzatore vintage e con buona ragione. Il suo design è il modello che influenza i produttori di sintetizzatori fino ad oggi.
Con un trio di oscillatori (il terzo dei quali poteva essere usato come fonte di modulazione), un generatore di rumore e probabilmente il miglior filtro mai creato, il Mini ha messo i sintetizzatori alla portata dei musicisti che si esibiscono. Una volta messe le mani sull’oggetto, quei musicisti iniettarono il suono della musica elettronica nel mainstream.
Grazie al Minimoog, la musica elettronica fu tirata giù dal suo alto trespolo accademico e permessa di correre libera tra i rozzi e gli indisciplinati, e grazie a Dio. Forse dovremmo ringraziare Bill Hemsath, l’impiegato della Moog che trascorreva le sue ore di pranzo in soffitta, mettendo insieme il primo Minimoog con pezzi di enormi sistemi modulari della Moog. Voleva solo uno strumento portatile da portare a casa. Non poteva sapere che stava creando una leggenda.
Cosa rende il Mini così grande? Un certo numero di cose, in realtà. In primo luogo, il suo numero relativamente limitato di parametri lo rende piuttosto facile da usare. Eppure sono stati scelti con cura per offrire sufficiente flessibilità per creare una vasta gamma di suoni.
In secondo luogo, c’è il suono. Anche se si dice che molti strumenti possiedono un carattere speciale e sfuggente, il Minimoog ce l’ha davvero, e anche di più. Gli oscillatori sono ricchi e gli inviluppi sono scattanti, anche se semplici. I suoi alti sono penetranti e cristallini, e i bassi sono giustamente entrati nella leggenda. È grande, coraggioso e quasi impossibile farlo suonare male!
Il fatto è che né tu né noi abbiamo mai usato un sintetizzatore che non dovesse qualcosa al Minimoog. Mai, mai rifiutare l’opportunità di suonarne uno.
Emulsioni: Da dove cominciare. Ci sono innumerevoli emulazioni di Minimoog in plugin, e Moog ha una versione ufficiale per iOS. Gli amanti dell’hardware possono cercare il Model D di Behringer o il Moog-ish Roland Boutique SE-02.
Notizie recenti