Staging in the Medieval Age
Medieval theatre refers to theatrical performance in the period between the fall of the Western Roman Empire in the 5th century A.D. a początkiem renesansu w około XV wieku n.e.
Z powodu braku zachowanych zapisów i tekstów, niskiego poziomu umiejętności czytania i pisania wśród ogółu ludności oraz sprzeciwu duchowieństwa wobec niektórych rodzajów przedstawień, istnieje niewiele zachowanych źródeł dotyczących dramatu średniowiecznego z okresu wczesnego i wysokiego średniowiecza. Jednakże w późnym okresie, dramat i teatr zaczęły być bardziej zeświecczone i przetrwała większa liczba zapisów dokumentujących sztuki i przedstawienia.
Od V wieku, Europa Zachodnia pogrążona była w okresie ogólnego nieporządku, który trwał do X wieku n.e. Jako taki, większość zorganizowanych działań teatralnych zanikła w Europie Zachodniej.
W zależności od miejsca wystawiania sztuk, były one wystawiane na środku ulicy, na wozach paradnych na ulicach wielkich miast (było to niewygodne dla aktorów, ponieważ małe rozmiary sceny uniemożliwiały ruch sceniczny), w salach szlacheckich lub w amfiteatrach, jak sugeruje obecna archeologia w Kornwalii i południowo-zachodniej Anglii.
Najbardziej szczegółową ilustracją scenografii misterium jest frontispis do Pasji i Zmartwychwstania Zbawiciela Huberta Cailleau. Wszystkie średniowieczne konstrukcje sceniczne były tymczasowe i miały być usunięte po zakończeniu przedstawień. Aktorzy, głównie mężczyźni, zazwyczaj nosili długie, ciemne szaty.
Średniowieczna inscenizacja:
Dwa główne rodzaje scen w teatrze średniowiecznym: Fixed i Moveable. Te sztuczki techniczne byłyby bardziej rozbudowane na scenach stałych. Dwór i platea zostały zapożyczone z nabożeństw kościelnych. Równoczesne wystawianie kilku miejsc również zapożyczono z dramatu liturgicznego- Równoczesne wystawianie było charakterystyczną cechą teatru średniowiecznego.
Teatr średniowieczny ożywał na dwóch różnych scenach: Scenie Stałej (Stacjonarnej), oraz Wozie Objazdowym.
Stała Scena składała się z dużej rezydencji, która służyła jako różne miejsca i zmiany scen podczas przedstawień. Niebo i Piekło były dwoma przeciwległymi królestwami identyfikowanymi przez dwie przeciwległe strony sceny. Platea była miejscem akcji (rzymski odpowiednik skene w teatrze greckim), przylegającym do rezydencji. Aktorzy mogli być podnoszeni i opuszczani poza scenę przy użyciu tego, co wówczas uważano za wzorcową maszynerię, taką jak zapadnie, ogień i techniki latania.
Z drugiej strony, pagody były bardziej fizycznymi scenami, które były manewrowane przy użyciu wozów. Ich platformy mogły pomieścić kilku aktorów, jak również minimalne rekwizyty, takie jak krzesła i stoły. Plusy: Przyciągałyby duże masy widzów na rynkach zewnętrznych i festiwalach, którzy mogliby badać scenę, gdy przechodzili obok, minusem było to, że aktorzy musieli podjąć dodatkowy wysiłek, aby się ukryć, gdy nie była to ich scena.
Wkrótce te stacjonarne sceny zaczęły się zmieniać. Konstrukcja scen wkrótce zmieniła się na coś innego, na „wagony sceniczne”, które były w zasadzie małymi scenami umieszczonymi na drewnianym wózku na kółkach. Ten nowy typ sceny zmienił liczbę osób, które mogły oglądać sztuki, zamiast ludzi, którzy musieli podróżować do kościoła, aby zobaczyć sztukę, scena i sztuka mogły teraz przyjść do nich. Wozy często robiły cykle przez miasta i wykonywały akty wiele razy, aby ludzie mogli je zobaczyć. Wozy były przeciągane przez teren, a aktorzy wykonywali swoje role w kółko dla zmieniającej się publiczności. Każdy wagon pokazywałby inną scenę z Biblii i byłby ustawiony w inny sposób, aby dopasować się do sztuki rozgrywającej się w wagonie. Te nowe miejsca przedstawień były teraz budowane przez gildie, których profesja odpowiadała historii. Te grupy mężczyzn, którzy mieli blisko spokrewnione zawody, zbierali się razem i budowali bardzo skomplikowane sceny. Zazwyczaj sceny te składały się z trzech różnych części i przedstawiały ziemię, niebo i piekło, zazwyczaj z ziemią pośrodku pozostałych. Maszyny inscenizacyjne nie były tak widoczne jak na stałych scenach, więc latanie nie było zwykłą sztuczką, więc zamiast tego, aby reprezentować Boga i aniołów, aktorzy znajdowali się po „Niebiańskiej stronie” sceny. Aby pokazać różnicę, „Niebiańska strona” sceny była udekorowana bawełną, aby reprezentować chmury, a „Piekielna strona” była czerwona i zazwyczaj zawierała „piekielne usta”. Ujście piekieł było dużym, ziejącym ogniem potworem, który wypluwał z siebie demony i diabły. Z inscenizacją przeniesioną poza własność katolicką, gildianom mogło ujść na sucho więcej. W oryginalnych średniowiecznych czasach sceny zlokalizowałyby „niebo” i „piekło” bardzo daleko od siebie, ale teraz, gdy były poza kościelną ziemią, budowali to, co uznali za stosowne, i to, co wzbudzało najlepsze reakcje publiczności.
Angielski teatr renesansowy 1542-1642
Włoski teatr renesansowy:
W czasie włoskiego renesansu pojawił się nowy pomysł, który zrewolucjonizował teatr. W tym czasie artyści tworzyli nowe fantastyczne pomysły na temat malarstwa i widoku sztuki. Te nowe idee stworzyły interesujące nowe podejście do możliwości teatru. Mniej więcej w drugiej dekadzie 1400 roku Filippo Brunelleschi stworzył nowy, śmiały pomysł zwany perspektywą linearną. Pomysł ten pozwalał na iluzję przestrzeni i odległości, tworząc w zasadzie trójwymiarowy aspekt obrazu na płaskiej powierzchni.
Scenografia włoska
Dzięki temu rewolucyjnemu pomysłowi inni artyści zaczęli tworzyć scenografię, która stworzyła nowe zrozumienie dla aktorstwa. W połowie 1545 roku człowiek o nazwisku Sebastiano Serlio opublikował szczegółową pracę na temat konstrukcji i projektu nowego typu teatru dworskiego (Wild, „Renaissance Theatre: Italy”). W tym nowym modelu przód sceny miał stykać się bezpośrednio z podłogą, jednocześnie powoli pochylając się ku tyłowi sceny. Na tym nachyleniu umieścił cztery „skrzydła”, jedno równoległe do widowni, tworzące rodzaj tła, dwa umieszczone po bokach sceny i nachylone do wewnątrz w kierunku centralnego tła, oraz jedno umieszczone na bocznych skrzydłach, tworzące niebo (Wild, „A Brief History of Theatrical Scenery”). Skrzydła te, choć służyły efektom wizualnym, zasłaniały również otaczające je ściany, krokwie, krążki i liny oraz tylną ścianę teatru. Dzięki tej konstrukcji pudełka Serlio stworzył scenę, która nie tylko dawała złudzenie głębi, ale tworzyła realistyczny widok ulicy i otaczającego ją terenu. Serlio podał w książce szczegółowe instrukcje, jak stworzyć każdą scenę, aby pasowała do typu teatru, w którym sztuka miała być portretowana. Pisał szczegółowo o tym, jak stworzyć scenografię dla sztuk tragicznych, komediowych i satyrycznych, z których każda miała swój własny projekt i otoczenie. Tragiczna scenografia Serilo składała się z kolumn, frontonów, posągów i królewskich dekoracji wraz z wyśrodkowaną drogą, która była otoczona trzema domami po obu stronach i łukiem z tyłu. Jego zestaw komiczny składał się z grupy budynków i galerii, w których okna zostały stworzone tak, aby wyglądały podobnie do tych w zwykłych prywatnych domach otaczających centralnie położoną drogę. Wreszcie jego satyryczny zestaw składał się z bardziej pastoralnego wyglądu, był pokryty drzewami, jaskiniami, wzgórzami i innymi rzeczami często widzianymi w naturze, a scena ta miała również centralnie umieszczoną drogę.
Serilo Tragiczna scena projekt
Serilo Komiczna scena / projekt
Serilo Pastoralna scena
Satoryczna scena projekt
Teatr Elżbietański:
Za czasów Elżbiety I dramat był jednolitym środkiem wyrazu jeśli chodzi o klasę społeczną, Dwór oglądał te same sztuki, które zwykli obywatele oglądali w publicznych teatrach. Wraz z rozwojem teatrów prywatnych, dramat stał się bardziej zorientowany na wartości publiczności z klasy wyższej.
.