Inszenierung im Mittelalter
Mittelalterliches Theater bezieht sich auf Theateraufführungen in der Zeit zwischen dem Untergang des Weströmischen Reiches im 5. Jh. n. Chr. und dem Beginn der Renaissance im 15. Jh. n. Chr.
Aufgrund des Mangels an erhaltenen Aufzeichnungen und Texten, der geringen Lese- und Schreibfähigkeit der Bevölkerung und des Widerstands des Klerus gegen bestimmte Arten von Aufführungen gibt es nur wenige erhaltene Quellen zum mittelalterlichen Drama des frühen und hohen Mittelalters. In der späten Periode begannen Drama und Theater jedoch, säkularisiert zu werden, und es gibt eine größere Anzahl von Aufzeichnungen, die Stücke und Aufführungen dokumentieren.
Ab dem 5. Jahrhundert geriet Westeuropa in eine Periode allgemeiner Unordnung, die bis zum 10. Jahrhundert n. Chr. andauerte, wodurch die meisten organisierten Theateraktivitäten in Westeuropa verschwanden.
Abhängig vom Ort der Aufführung wurden die Stücke mitten auf der Straße, auf Festwagen in den Straßen der großen Städte (was für die Schauspieler unbequem war, weil die geringe Bühnengröße eine Bewegung auf der Bühne unmöglich machte), in den Sälen des Adels oder im Rund in Amphitheatern aufgeführt, wie die aktuelle Archäologie in Cornwall und im Südwesten Englands nahelegt.
Die detaillierteste Illustration einer Mysterienspielbühne ist das Frontispiz zu Hubert Cailleaus Die Passion und Auferstehung des Erlösers. Alle mittelalterlichen Bühnenbilder waren vorübergehend und sollten nach Beendigung der Aufführungen wieder entfernt werden. Die überwiegend männlichen Schauspieler trugen lange, dunkle Gewänder.
Mittelalterliche Bühnenbilder:
Im mittelalterlichen Theater gab es zwei Haupttypen von Bühnen: Feste und bewegliche. Die technischen Tricks waren auf festen Bühnen umfangreicher. Das Herrenhaus und das Plateau wurden aus den Gottesdiensten entlehnt. Die gleichzeitige Darstellung mehrerer Schauplätze war ebenfalls dem liturgischen Drama entlehnt.
Das mittelalterliche Theater wurde auf zwei verschiedenen Bühnen inszeniert: Die feste (stationäre) Bühne und der Prunkwagen.
Die feste Bühne bestand aus einem großen Herrenhaus, das während der Stücke als verschiedene Schauplätze und Szenenwechsel diente. Himmel und Hölle waren die beiden gegenüberliegenden Reiche, die durch die beiden gegenüberliegenden Seiten der Bühne gekennzeichnet waren. Die Platea war der Schauspielbereich (das römische Äquivalent der Skene im griechischen Theater), der an die Villa angrenzte. Die Schauspieler konnten mit Hilfe von damals als vorbildlich angesehenen Hilfsmitteln wie Falltüren, Feuer und Flugtechniken von der Bühne gehoben und gesenkt werden.
Die Pagoden hingegen waren die eher physischen Bühnen, die mit Wagen bewegt wurden. Ihre Plattformen konnten mehrere Schauspieler sowie minimale Requisiten wie Stühle und Tische aufnehmen. Das Gute daran: Sie zogen auf Märkten und Festen im Freien große Zuschauermassen an, die die Szene im Vorbeigehen begutachten konnten; der Nachteil war, dass die Schauspieler sich besonders anstrengen mussten, um sich zu verstecken, wenn es nicht ihre Szene war.
Nach und nach begannen sich diese stationären Bühnen zu verändern. Der Bühnenbau ging bald zu etwas anderem über, nämlich zu „Festwagen“, bei denen es sich im Grunde um kleine Bühnen handelte, die auf einem Holzkarren mit Rädern standen. Dieser neue Bühnentyp veränderte die Anzahl der Zuschauer, die sich die Aufführungen ansehen konnten. Die Menschen mussten nun nicht mehr zur Kirche reisen, um das Stück zu sehen, sondern die Bühne und das Stück konnten nun zu ihnen kommen. Die Wagen fuhren oft durch die Städte und führten die Stücke mehrmals auf, damit die Zuschauer sie sehen konnten. Die Wagen wurden durch die Gegend gezogen und die Schauspieler spielten ihre Rollen immer wieder für das wechselnde Publikum. Jeder Wagen zeigte eine andere Szene aus der Bibel und war entsprechend dem Stück, das im Wagen stattfand, anders eingerichtet. Diese neuen Aufführungsorte wurden nun von Zünften errichtet, deren Beruf mit der Geschichte übereinstimmte. Diese Gruppen von Männern, die eng miteinander verwandte Berufe ausübten, taten sich zusammen und bauten sehr aufwendige Bühnen. In der Regel bestanden diese Bühnen aus drei verschiedenen Teilen und stellten die Erde, den Himmel und die Hölle dar, wobei sich die Erde meist in der Mitte der anderen befand. Die Bühnenmaschinerie war nicht so ausgeprägt wie bei den festen Bühnen, so dass das Fliegen kein üblicher Aufführungstrick war; stattdessen befanden sich die Schauspieler zur Darstellung Gottes und der Engel auf der „Himmelsseite“ der Bühne. Um den Unterschied zu verdeutlichen, wurde die „Himmelsseite“ der Bühne mit Baumwolle dekoriert, um Wolken darzustellen, und die „Höllenseite“ war rot und enthielt normalerweise den „Höllenschlund“. Der Höllenschlund war ein großes feuerspeiendes Ungeheuer, das Dämonen/Teufel ausspuckte. Da die Aufführungen nicht mehr auf katholischem Grund und Boden stattfanden, konnten sich die Zünftler mehr erlauben. In der ursprünglichen mittelalterlichen Zeit hätten die Bühnen „Himmel“ und „Hölle“ sehr weit voneinander entfernt gelegen, aber nun, da sie sich nicht mehr auf dem Boden der Kirche befanden, bauten sie, was sie für richtig hielten und was beim Publikum die besten Reaktionen hervorrief.
Englisches Renaissance-Theater 1542-1642
Italienisches Renaissance-Theater:
Während der italienischen Renaissance gab es eine neue Idee, die das Theater revolutionierte. Zu dieser Zeit entwickelten die Künstler neue fantastische Ideen über die Malerei und die Kunstbetrachtung. Diese neuen Ideen schufen eine interessante neue Sicht auf die Möglichkeiten des Theaters. Etwa im zweiten Jahrzehnt des 14. Jahrhunderts schuf Filippo Brunelleschi eine kühne neue Idee namens lineare Perspektive. Diese Idee ermöglichte die Illusion von Raum und Entfernung und schuf im Grunde einen dreidimensionalen Aspekt eines Gemäldes auf einer flachen Oberfläche.
Italienisches Bühnendesign
Mit dieser revolutionären Idee begannen andere Künstler, Kulissen zu entwerfen, die ein neues Verständnis für das Schauspiel schufen. Mitte 1545 veröffentlichte ein Mann namens Sebastiano Serlio ein detailliertes Werk über den Bau und die Gestaltung eines neuen Typs von Hoftheater (Wild, „Renaissance Theatre: Italy“). Bei diesem neuen Modell sollte die Vorderseite der Bühne direkten Kontakt zum Boden haben, während sie sich langsam nach hinten neigte. Auf dieser Neigung platzierte er vier „Flügel“: einen parallel zum Publikum, der eine Art Hintergrund bildete, zwei an den Seiten der Bühne, die nach innen zum zentralen Hintergrund hin geneigt waren, und einen auf den Seitenflügeln, der einen Himmel bildete (Wild, „A Brief History of Theatrical Scenery“). Diese Flügel dienten zwar den visuellen Effekten, verdeckten aber auch die umliegenden Wände, die Dachsparren, die Rollen und Seile sowie die Rückwand des Theaters. Mit diesem Kastendesign schuf Serlio eine Bühne, die nicht nur die Illusion von Tiefe vermittelte, sondern auch einen realistischen Blick auf eine Straße und die sie umgebende Gegend ermöglichte. Serlio gab in seinem Buch detaillierte Anweisungen, wie jede Bühne zu gestalten ist, damit sie zur Art des Theaters passt, in dem das Stück aufgeführt werden soll. Er beschrieb detailliert, wie man ein Bühnenbild für tragische, komödiantische und satirische Stücke gestaltet, jedes mit seinem eigenen Design und seiner eigenen Umgebung. Serilos tragisches Bühnenbild bestand aus Säulen, Giebeln, Statuen und königlichen Dekorationen sowie einer Straße in der Mitte, die auf beiden Seiten von drei Häusern umgeben war, und einem Bogen auf der Rückseite. Seine komische Szenerie bestand aus einer Gruppe von Gebäuden und Galerien, deren Fenster denen normaler Privathäuser ähnelten und die eine zentrale Straße umgaben. Sein satirisches Bühnenbild schließlich bestand aus einer eher pastoralen Kulisse, die mit Bäumen, Höhlen, Hügeln und anderen Dingen, die man oft in der Natur sieht, bedeckt war, und auch diese Bühne hatte eine Straße in der Mitte.
Serilo Tragische Szene Entwurf
Serilo Komische Szene / Entwurf
Serilo Pastorale Szene
Satorische Szene Entwurf
Elizabethanisches Theater:
Unter Elisabeth I. war das Drama ein einheitlicher Ausdruck, was die soziale Schicht betraf, der Hof sah die gleichen Stücke wie die normalen Bürger in den öffentlichen Spielhäusern. Mit der Entwicklung der privaten Theater orientierte sich das Drama stärker an den Werten eines großbürgerlichen Publikums.
