Quelle est la différence entre naturalisme et atmosphère ?
Une autre distinction importante est celle entre naturalisme et atmosphère. Une peinture de paysage peut être extrêmement atmosphérique, sans être naturaliste. C’est généralement parce que l’artiste s’est concentré sur la transmission de l’ambiance, plutôt que sur les détails visuels. Voici quelques bons exemples : Nocturne in Blue And Silver – Chelsea (1871, Tate Collection, Londres) de Whistler, et Impression, Sunrise (1873, Musee Marmottan, Paris) de Claude Monet. Aucune de ces images n’est suffisamment détaillée pour être naturaliste. Comparez L’atelier de l’artiste (1870, musée d’Orsay) de Frédéric Bazille ; Max Schmidt en godille simple (1871, Metropolitan Museum of Art) de Thomas Eakins ; La leçon de musique (1877, Guildhall Art Gallery, Londres) de Frederic Leighton ; Le tepidarium (1881, Lever Art Gallery, Royaume-Uni) de Lawrence Alma-Tadema ; Jeune fille malade (1881, National Gallery, Oslo) de Christian Krohg : qui sont toutes d’excellents exemples de naturalisme, tout à fait dépourvus d’atmosphères.
Pour une description de l’impressionnisme français, voir : Caractéristiques de la peinture impressionniste 1870-1910).
Quelle est la différence entre le naturalisme et l’idéalisme ?
En peinture, l’idéalisme est un concept qui s’applique surtout à la peinture de figures, et fait référence à la tradition de créer une figure « parfaite » – une figure avec un beau visage, des cheveux parfaits, une bonne forme corporelle et aucun défaut extérieur d’aucune sorte. Rarement, voire jamais, peint ou dessiné d’après nature, ce type de représentation idéalisée était idéal pour les retables et autres formes d’art religieux à grande échelle, qui représentaient la plupart des commandes passées par les ateliers et les studios en Europe. Il s’agit essentiellement d’un style de peinture « artificiel », qui ne ressemble en rien au naturalisme du Caravage (par exemple), qui utilisait les gens de la rue comme modèles pour son art biblique particulier. L’idéalisme est resté le style prêché dans les principales académies des beaux-arts, au moins jusqu’au XIXe siècle, où il a finalement été supplanté par un style plus naturaliste basé sur des modèles réels et la peinture en plein air.
Deux types de naturalisme : Paysage et Figuratif
Comme le montrent les exemples ci-dessus, il n’y a pas que les scènes rurales en plein air qui illustrent le naturalisme : les portraits et les peintures de genre de personnes peuvent également constituer d’excellents exemples.
Cependant, le terme naturalisme dérive du mot « nature », et donc le genre le plus habituel pour le naturalisme est la peinture de paysage – un genre illustré par le travail de John Constable, que le peintre anglo-suisse Henry Fuseli considérait comme si réel, que chaque fois qu’il le voyait, il avait envie d’appeler son pardessus et son parapluie.
Même ainsi, tous les tableaux de paysage ne sont pas naturalistes, surtout lorsque le subjectivisme de l’artiste s’immisce. Ainsi, par exemple, l’artiste religieux visionnaire John Martin a créé ses paysages apocalyptiques visionnaires pour illustrer la puissance de Dieu. Le peintre romantique allemand Caspar David Friedrich a rempli ses vues scéniques de symbolisme et de romantisme émotionnel. De nombreux paysages de Turner ne sont rien d’autre que des expériences expressionnistes dans la représentation de la lumière, tandis que Cézanne a peint des dizaines de vues de la Montagne Sainte-Victoire, sacrifiant la précision naturaliste au profit de ses chers géométries et de l’équilibre pictural. Aucun de ces artistes n’appartient à l’école du Naturalisme, car ils sont moins préoccupés par la représentation de la nature que par l’expression de soi.
Naturalisme dans la peinture de figures
Depuis l’antiquité classique, l’histoire de l’art a connu plusieurs avancées majeures dans le dessin et la peinture à l’huile plus vrais que nature. Giotto, l’un des premiers pionniers du naturalisme, a produit un ensemble de figures volumisées révolutionnaires pour les fresques de la chapelle Scrovegni à Padoue. Voir, par exemple, la Trahison du Christ (Baiser de Judas) (1305) et la Lamentation du Christ (1305). Léonard de Vinci a maîtrisé l’art du sfumato pour produire des visages étonnamment réalistes dans des œuvres comme la Joconde (1506, Louvre, Paris). Michel-Ange a utilisé son talent unique de sculpteur pour créer une masse de figures sculpturales dans ses fresques de la chapelle Sixtine (1508-12 ; et 1536-41). Le Caravage a stupéfié Rome avec sa peinture de figures naturalistes, utilisant des sujets modelés sur des individus recrutés directement dans la rue. Ses personnages plus vrais que nature étaient parfaits pour l’art catholique de la contre-réforme de l’époque baroque. Au cours de l’âge d’or de la peinture de genre réaliste néerlandaise, des artistes tels que Jan Vermeer (peinture de genre domestique, intérieur et extérieur), Pieter de Hooch (cours), Samuel van Hoogstraten (intérieurs domestiques) et Emanuel de Witte (intérieurs d’églises architecturales) ont été les pionniers d’un style de naturalisme de précision incluant des sujets figuratifs, domestiques et sociaux. Plus récemment, au cours du XIXe siècle, les peintres russes ont créé de nombreux chefs-d’œuvre de naturalisme figuratif dans presque tous les genres. Voici quelques exemples de ces œuvres : La demande en mariage du major (1848, Galerie Tretyakov, Moscou) par Pavel Fedotov ; Réparation du chemin de fer (1874, Tretyakov) par Konstantin Savitsky ; Portrait de la tsarévna Sophia Alexeevna au couvent Novodevitchy (1879, Tretyakov) et Réponse des cosaques de Zaporozhian au sultan Mahmoud IV (1891, Musée russe, Saint-Pétersbourg) par Ilya Repin ; Rire ( » Salut, roi des Juifs ! ») (1882, Musée russe) par Ivan Kramskoï ; Le Christ et la femme prise en adultère (1887, Musée russe) par Vassily Polenov.
Histoire et développement du naturalisme (vers 500. BCE – 1800)
La sculpture naturaliste précède la peinture naturaliste de plusieurs siècles. Depuis que les grands représentants de la sculpture grecque ont réussi à reproduire le corps humain, ils ont revendiqué la réalisation de la première forme de naturalisme dans l’art. Après tout, la peinture égyptienne, étrusque et une grande partie de la peinture grecque observaient des conventions non naturalistes, tout comme l’art byzantin (peintures murales et mosaïques).
Après la stagnation de l’âge des ténèbres, le premier véritable renouveau naturaliste se produit au début du XIVe siècle, à la suite de la rupture de Giotto avec la figuration de style gothique. Par la suite, l’art de la Renaissance italienne a connu des avancées significatives dans le naturalisme figuratif – mais pas dans le paysage, car ce dernier n’était pas encore considéré comme suffisamment important pour être traité comme un genre indépendant. Les principaux contributeurs au naturalisme durant la Renaissance et le début de l’ère baroque sont Léonard, Michel-Ange, Albrecht Durer et le Caravage. Voir également : Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du 17e siècle.
Deux charmants exemples de naturalisme ont été créés par l’artiste allemand Durer : Un jeune lièvre (1502) et Un grand morceau de gazon (1503), tous deux à l’Albertina, à Vienne.
L’ère baroque néerlandaise (vers 1600-80) – étant dominée par l’esthétique plus séculaire de l’art de la Réforme protestante – a été témoin d’une poussée d’œuvres plus vraies que nature, par des artistes déterminés à reproduire la nature aussi précisément que possible – dans le dessin de figures, la peinture de paysage et les œuvres de genre. Ce style de naturalisme néerlandais est largement apprécié par les nouveaux mécènes de la classe moyenne dans toute la Hollande, et des artistes comme Jan Davidsz de Heem (1606-83), Willem Kalf (1619-93), Aelbert Cuyp (1620-91), Samuel Van Hoogstraten (1627-78), Jacob Van Ruisdael (1628-82) et Jan Vermeer (1632-1675) travaillent dur pour satisfaire la demande de peintures de genre, d’intérieurs, de natures mortes et de paysages locaux. Mais cette appréciation a été de courte durée : la Contre-Réforme catholique a conduit à un autre siècle d’idéalisme artistique (vers 1680-1780), qui a débouché sur le romantisme – la forme moderne de l’idéalisme.
Le naturalisme à l’ère moderne (à partir de 1800)
Au début du 19e siècle, en réponse au romantisme, sont apparus deux styles différents plus vrais que nature : le naturalisme et le réalisme. Si le romantisme encapsulait une forte croyance dans les sens et les émotions, et perpétuait une représentation stylisée et idéalisée des sujets, le réalisme et le naturalisme faisaient davantage appel à l’intellect et à la raison, et tentaient de dépeindre les choses telles qu’elles étaient réellement. Cependant, comme expliqué ci-dessus, le réalisme et le naturalisme ne sont pas les mêmes.
La tradition naturaliste moderne de la peinture de vue découle de groupes d’artistes dont les membres ont cherché à dépeindre la nature avec le moins de distorsion ou d’interprétation possible. Ces groupes ou colonies comprenaient les suivants.
L’école de Norwich (vers 1803-33)
Cette école était dirigée par John Crome (1768-1821) et ensuite par l’aquarelliste John Sell Cotman (1782-1842). Elle s’est inspirée des paysages de l’East Anglia, des Norfolk Broads et des marais salants, ainsi que des peintres paysagistes hollandais du XVIIe siècle comme Meindert Hobbema (1638-1709) et Jacob van Ruisdael (1628-82).
L’école de la rivière Hudson (v.1825-75)
Ce groupe d’artistes romantiques aux liens lâches, basé à New York dans les années 1850, était dirigé par l’artiste anglais Thomas Cole (18011848). D’autres membres à succès comprenaient Albert Bierstadt (1830-1902), et le peintre de la nature sauvage Frederic Edwin Church (1826-1900).
L’école de Barbizon (v.1830-1875)
Arguablement le plus influent de tous les groupes naturalistes, l’école française de Barbizon de peinture de paysage a inspiré les artistes à travers l’Europe, l’Amérique et l’Australie avec ses compositions spontanées en plein air. Dirigés par Théodore Rousseau (1812-67), ses membres les plus importants étaient Camille Corot (1796-1875), Jean-François Millet (1814-75) – voir par exemple Les glaneurs (1857), L’Angélus (1859), L’homme à la houe (1862) – et Charles Daubigny (1817-78). Barbizon a fourni une alternative plus vraie que nature à l’impressionnisme, qui a été adoptée par l’école de La Haye aux Pays-Bas – ainsi que par Max Liebermann et d’autres « impressionnistes » en Allemagne – pour en savoir plus, veuillez consulter Art allemand : 19e siècle.
Les vagabonds russes (Peredvizhniki, itinérants) (vers 1863-90)
Fondés en 1863 par un groupe de jeunes artistes de l’Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg, les vagabonds ont voyagé à travers la Russie en peignant des paysages et des tableaux de genre. Parmi les principaux membres figuraient Ivan Kramskoï (1837-1887), Nikolai Gay (18311894), Vasily Perov (18341882), Ilya Repin (1844-1930), Vasily Polenov (1844-1927) et Vasily Surikov (1848-1916). Ses meilleurs paysagistes étaient Feodor Vasilyev (18501873), Ivan Shishkin (1832-98) – voir sa magnifique Chênaie (1887, Musée d’art russe, Kiev) – et Isaac Levitan (1860-1900) – voir son Monastère isolé (1890, Galerie Tretyakov).
Impressionnisme (fl.1873-86.)
Le mouvement naturaliste le plus célèbre est sans aucun doute l’impressionnisme, illustré notamment par la peinture de paysage impressionniste en plein air de Claude Monet (1840-1926), Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-99) et Camille Pissarro (1830-1903). Cependant, la principale contribution au naturalisme de ces peintres impressionnistes a été leur capacité à reproduire la lumière (et son effet transitoire sur la couleur et la forme) exactement comme ils l’ont observée. Par conséquent, nombre de leurs œuvres contiennent une variété de couleurs non naturalistes (une meule de foin rose au coucher du soleil ; de l’herbe grise un soir d’hiver). En outre, leur travail au pinceau et d’autres techniques picturales peuvent parfois s’immiscer trop loin, conférant à l’œuvre une qualité atmosphérique, voire expressionniste, qui n’est pas naturaliste.
L’école de peinture de Glasgow (1880-1915)
Aussi appelée les « Glasgow Boys », il s’agissait d’un groupe peu structuré d’artistes progressistes qui s’intéressaient à la représentation de la vie et du travail à la campagne. Les principaux membres, qui connaissaient Barbizon, l’école de La Haye, l’impressionnisme et le groupe allemand de Worpswede, comprenaient : James Guthrie (1859-1930) et John Lavery (1856-1941).
L’école de Newlyn (v.1884-1914)
Cette colonie d’artistes des Cornouailles s’est spécialisée dans la peinture de paysage, profitant de la forte lumière naturelle de Newlyn et les membres travaillaient directement d’après nature. Parmi les figures de proue, citons : Walter Langley (1852-1922), Stanhope Forbes (1857-1947), Frank Bramley (1857-1915) et l’artiste irlandais Norman Garstin (1847-1926).
L’école Heidelberg (c.1886-1900)
Ce groupe australien pratiquait la peinture naturaliste de plein air dans un style qui combinait les détails de Barbizon avec le coup de pinceau impressionniste. Ses membres les plus célèbres sont Tom Roberts (1856-1931), Arthur Streeton (1867-1943), Charles Conder (1868-1909) et Fred McCubbin (1855-1917). Pour en savoir plus, voir : Impressionnisme australien (1886-1900).
Artistes paysagistes irlandais
Les artistes importants spécialisés dans la peinture de plein air en Irlande, ainsi qu’à l’école de Pont-Aven en Bretagne ou à l’école de Newlyn en Cornouailles, comprenaient : Augustus Burke (1838-91), Norman Garstin (1847-1926), Aloysius O’Kelly (1853-1941), Paul Henry (1876-1958) et Joseph Malachy Kavanagh (1856-1918).