Az ünnepi szünetben sokat gondolkodtam a zenés színházról, különösen most, hogy jelenlegi évtizedünk a végéhez közeledik. Mint a zenés színház évtizedes, és majdan élethosszig tartó szerelmese, gyakran azon kapom magam, hogy a múltban látott produkciókon merengek. Nemrég újragondoltam az “Anasztázia” című vándorprodukciót, amelyet akkor láttam, amikor 2019 szeptemberében San Franciscóban járt; a turné egyébként jelenleg Torontóban van, ha valakinek szüksége van egy kis szünetre Amerika jelenlegi politikai színházától. Némi kognitív disszonanciát éreztem, amikor láttam az előadást, és ez az érzés idővel kicsírázott. Korábban csodáltam a Broadway-produkciót (amit talán véletlenül kémleltem ki egy mára már nem létező YouTube bootleg felvétel megtekintésével). A mostani turnéprodukció azonban nem teljesen őrzi a Broadway elődjének stiláris érdemeit. Lehet, hogy internetes bolyongásaim elhitették velem, hogy az eredeti Broadway-produkció jobb volt, mint amilyen valójában volt, de én inkább az előbbinek hiszek.
Az “Anastasia” musicalben a főszereplő Anya, aki amnéziában szenved, találkozik egy zenedobozzal, amelyet a nagymamája ajándékozott neki sok évvel ezelőtt. Ez a zenedoboz segít Anya-nak kibogozni és visszaszerezni elveszett emlékeit. A Broadway-produkcióban Anya úgy nyitja ki a zenedobozt, hogy kétszer felhúzza, majd megnyom egy titkos reteszt. A turnéprodukcióból szó szerint hiányzik az a plusz kattintás, amikor a zenedobozt sikeresen kinyitják. Bár ez a részlet nem nyilvánvaló és nem is szükséges, az extra kattintás még egy kicsit több varázslatot kölcsönöz az amúgy is rejtélyes zenedoboznak. Ez az apró eltérés tökéletesen kifejezi az “Anastasia” turnéval kapcsolatos aggályaimat. Bár a turnéprodukció a maga nemében gyönyörű és szórakoztató, a produkció néhány aspektusából hiányzik az a plusz kattanás, vagy a varázslat szikrája, amit a Broadway-rendezés tartalmazott. Ez különösen az első felvonásban hozott néhány gyenge színészi döntést érinti. Az “Anastasia” turné produkciós értékét nagyban növelhette volna, ha több árnyalt részletet mutatott volna be, amelyek egyértelműen a musical esztétikai lehetőségei közé tartoznak.
Az “Anastasia” című színpadi musicalt 2016-ban mutatták be a Broadwayn Terrence McNally könyvével, valamint Lynn Ahrens és Stephen Flaherty zenéjével. A darab az 1997-es, azonos című animációs film alapján készült. A filmhez hasonlóan a musical elbeszélését is Anasztázia nagyhercegnő legendája ihlette. A legenda Anasztáziát úgy jellemzi, mint az egyetlen Romanov hercegnőt, aki talán megmenekült a családja kivégzésétől, így Anasztázia kötődése a császári Oroszországhoz potenciális fenyegetést jelent a szovjet uralomra nézve. A szándék szerint a színpadi musical narratívája és stílusa érettebb, mint a filmé, új dalokkal, mélyebb karakterfejlődéssel és egy élethűbb bolsevik tábornokkal, mint fő ellenféllel a film mágikusan ábrázolt Raszputyinja helyett.
A színpadi musical legnagyobb sikere valóban a zenéje. Bár kortárs, nosztalgiával teli dallamai mégis a történelemben, a hagyományokban és a kulturális tiszteletben gyökereznek. A dalok gyűjteménye feloldhatatlanul kapcsolódik egymáshoz, mégis számos zenei stílust felvonultat. Az est folyamán a pazar zenekar keringőket, szenvedélyes szólódalokat, big band táncszámokat és elsöprő himnuszokat produkál. A film rajongói által kedvelt színpadi musical olyan ikonikus dalokat tart meg, mint a “Volt egyszer egy december”, az “Utazás a múltba” és a “Párizsban van a kulcs”. A musical azonban most olyan új, kiemelkedő dalokat tartalmaz, mint az “In My Dreams”, a “My Petersburg” és a “Quartet at the Ballet”. Az egyik legjobb és legkevésbé méltányolt zenei pillanat a kísérteties “Stay, I Pray You”, amelyben Anya (Lila Coogan), újdonsült haverjai, Dmitry (Stephen Browner) és Vlad (Edward Staudenmayer), valamint más idegen utazók egy pillanatra megbecsülik hazájukat, mielőtt felszállnak az egyirányú vonatra Párizsba. Ezt a zenei álmodozást Ipolitov gróf (Brad Greer) vezeti, aki kristálytiszta, klasszikusan képzett és érzelmekkel teli baritonjával vitathatatlanul ellopja az első felvonást, bár a musical egyetlen más pontján sem szerepel.
A “Maradj, kérlek” című darabhoz hasonlóan a “Kvartett a balettben” is egy alulértékelt, megzenésített jelenet. Sikerét az érzelmekkel teli vokális előadásoknak és a klasszikus tánctudás lenyűgöző bemutatásának köszönheti. Az egymásnak feszülő narratívák, a megismételt dallamok medley-je és a magával ragadó drámai irónia különösen csúcspontossá teszik a számot, különösen azért, mert Anya, Dmitrij, Anya nagyanyja, az özvegy császárné (Joy Franz) és Anya szovjet üldözője, Gleb (Jason Michael Evans) először tartózkodnak egy helyen. A “Kvartett a balettben” emellett a “Hattyúk tavát” idéző, profi színvonalú balettbetétet is tartalmaz, amelyben az elsődleges szólista 16 fouettét hajt végre győztesen. A klasszikus balettbetétek zenés színházban való szerepeltetése már régóta dekonvencionális, ezért izgalmas látni, hogy ez a fajta szekvencia újra bekerült a forma kortárs változatába. A “Kvartett a balettben” azonban a turné egyik hiányosságára is példát nyújt. A balettben két azonos testalkatú férfi táncos verseng a hattyúért, és egy fekete táncos kapta a két táncos közül a gazember szerepét. Ezt a döntést azért érezzük különösen terheltnek, mert a produkcióból óriási mértékben hiányoznak a színes bőrű előadók, és minden sztárszereplőt fehér színész alakít. Ez a szereposztási döntés káros érzelmeket és történeteket állandósít, és akár mikroagresszióként is értelmezhető a szereposztó csapat részéről.
A balettől eltérően Lily grófnő (Tari Kelly) kifogástalan szereposztású, és könnyedén ellopja a második felvonást. Az első nagy számában, a “Land of Yesterday”-ben Kelly energikusan táncol és erőteljesen énekli a dalt, mégsem tűnik úgy, mintha soha nem kapna levegőt. Rendíthetetlen teljesítménye különösen lenyűgöző idősebb kora miatt, amelyet intelligensen használ fel komédiája lendületeként. A “The Countess and the Common Man”-ben Kelly és Staudenmayer viccesen ad elő egy olyan szerelmi duettet, amelyet egy fiatalabb párnak sem okozna gondot, de Kelly és Staudenmayer testi fogyatékosságainak tapintatos fokozása a közönséget szédítően kacagásra készteti.
Noha Kelly Lily értelmezése teljes mértékben kielégítő, néhány más főszereplő nem kelt annyi érdeklődést, mint eredeti Broadway-kollégáik. Jason Michael Evans Gleb szerepében több hangilag lenyűgöző szólót ad elő, hangszíne és stílusa szinte teljesen megegyezik Gleb eredeti alakítójának, Ramin Karimloónak a hangjával. Eleinte Evans szakszerűen választja, hogy a mozdulatlanságban találja meg a hatást. Ez a taktika azonban nem öregbíti az előadás során, és Evans ismételt választása, hogy éneklés közben stagnál, kiábrándító. Karaktere intenzív fejlődésen megy keresztül az este folyamán, de ezek a belső változások nem olyan nyilvánvalóak, mint amilyenek a monológjaiban lehettek volna. Fordítva, Edward Staudenmayer Vlad szerepében következetesen érdekes, de őt is sújtja a kusza dikció és az időnkénti késztetés a bolondos operai hang használatára, ami olcsó nevetést gyűjt. Ez a két technikai gyengeség elvonja a figyelmet színészi teljesítményének igazán vicces és okos aspektusairól.
Evansszel és Staudenmayerrel ellentétben, akik az egész este folyamán ugyanazokat az erősségeket és gyengeségeket mutatják, Stephen Brower és Lila Coogan (Dmitrij, illetve Anya alakításában) mintha a szünetben beavatkozáson esnének át, ami után teljesítményük jelentősen javul. Amikor az első felvonásban mindkét karaktert egyedüliként motiválják Oroszország elhagyására, Brower és Coogan hasonló cselekvéseket játszik, ami némi laposságot eredményez. Amint azonban a történet Párizsba utazik, mindkét színész az érzelmek és a szerethetőség új mélységeit találja meg karaktereiben. Bárcsak ne így lenne, különösen Anya elbeszélői ívénél.
Az “Anastasia” franchise azzal szerzett hírnevet, hogy kirívóan feministább, mint azok a társai, amelyek a női főszereplőket romantika-központú történetek köré helyezik. Anya, ellentétben sok kitalált hercegnővel, nem olyan, akit meg kell menteni. Ő kemény és nem hajlandó feláldozni a személyes céljait. Anya nem arra vágyik, hogy felhatalmazzák, hanem arra, hogy harcoljon a saját önmegvalósításáért. De sajnos Coogan Anya-ja inkább hullámzónak és ijedtnek, mintsem dacosnak landol. És ezek az attitűdök leginkább akkor vannak jelen, amikor Anyának fel kell emelnie és tüzet kell adnia a történetnek, miközben egy unalmas és elnyomó Oroszországban navigál. Bár Coogan Anyaja a történet végére óriási mértékben felfedezi erejét és hangját, Anyát végig több erővel kellene átitatni. Ettől függetlenül Coogan tiszta hangja, Pygmalion-szerű átalakulása és ragyogó szemű optimizmusa gyerekeket és felnőtteket egyaránt inspirálni fog.
Az egyéni alakításoktól eltekintve, a darabban elszórtan található, vizuálisan vonzó csoportos számok a szépség és a sajt üdvözlendő pillanatait nyújtják, amelyeket csak a zenés színházi műfaj nyújthat. A “Volt egyszer egy december” csillogó keringője különösen kiemeli Linda Cho korhű Edward-korabeli jelmeztervezését, ami stilisztikailag elvárható és kívánatos is egy ilyen típusú előadásnál. Más dalokban, például a “Paris Holds the Key”-ben a társulat felhúzza a szoknyáját, hogy részt vegyen egy 1920-as évekbeli bulisorozatban, amelyben több Charleston-variáció, cigánykerék, dzsesszkezek és alaposan modern bubifrizurák szerepelnek. Ez a szám tökéletesen megadja az alaphangot a színesebb, szívmelengetőbb és élvezetesebb második felvonáshoz.
A “Paris Holds the Key”-t jól támogatja a musical egyik legkövetkezetesebben sikeres tervezési eleme: a lendületes és folyamatosan változó vetítések. Aaron Rhyne tervező vetítései a Disneyland ikonikus repülésszimulációs attrakciójához, a Soarin’-hoz hasonlítanak. Rhyne szürrealisztikusan repíti a közönséget Párizs és Oroszország fölé és köré, szellemeket kelt életre, feltérképezi főhősünk útját és még sok minden mást. A vetítések interaktív csúcspontjukat a “We’ll Go From There” alatt érik el, amikor Anya, Dmitry és Vlad egy Oroszországból kivezető vonatra kerülnek. Ahogy a három szereplő mindegyike pattogós zenei featurettekkel hajtja előre a vonat mozgását, amelyek dallamai izgalmasan keresztezik egymást, a háttérvetítések a fizikai vonat pörgésével és fordulatával párhuzamosan változnak, amelyen a szereplők utaznak. Ez a színházi füstölgés és tükörképek lelkesítő darabja, korunkhoz technikailag aktualizálva.
Az “Anastasia” összességében egy zenei gyöngyszem. A szívem megdobban a melegségtől és az ígérettől, valahányszor rágondolok, a látvány lenyűgöző, a zene pedig szeptember óta a fejemben ragadt. A színházlátogatók úgy hagyják el a színházat, hogy elsajátították azt a gondolatot, hogy “nem lehetsz senki, hacsak nem ismered fel először önmagad”, ahogyan az özvegy császárné tanítja, és hogy “sosem késő hazajönni”, ahogyan Anya megtanulja. Bár néhány főszereplőt szerettem volna összetettebben ábrázolni, a társulat egészében véve teljesít.
Kapcsolat Chloe Wintersteenhez a chloe20 ‘at’ stanford.edu címen.