Jag har ägnat mycket tid åt att tänka på musikteater under detta semesteruppehåll, särskilt när vårt nuvarande årtionde närmar sig sitt slut. Som en tioårig och framtida livslång älskare av musikteater kommer jag ofta på mig själv med att grubbla över produktioner som jag sett tidigare. Jag har nyligen funderat över den turnerande produktion av ”Anastasia” som jag såg när den passerade San Francisco i september 2019; turnén är för närvarande i Toronto förresten, om någon behöver en paus från USA:s nuvarande politiska teater. Jag kände en viss kognitiv dissonans när jag såg föreställningen, och denna känsla grodde med tiden. Jag beundrade tidigare Broadwayproduktionen (som jag kanske råkade spionera på genom att titta på en numera obefintlig YouTube bootleg-inspelning). Den nuvarande turnéproduktionen upprätthåller dock inte helt och hållet den stilistiska förtjänsten hos sin Broadway- föregångare. Kanske mina vandringar på nätet lurade mig att tro att den ursprungliga Broadwayproduktionen var bättre än vad den faktiskt var, men jag väljer att tro på det förstnämnda.
I musikalen ”Anastasia” möter huvudpersonen Anya, som lider av minnesförlust, en speldosa som hennes mormor hade skänkt henne många år tidigare. Denna speldosa hjälper Anya att reda ut och återta sina förlorade minnen. I Broadwayföreställningen låser Anya upp speldosan genom att vrida den två gånger och sedan klicka på ett hemligt lås. I den turnerande produktionen saknas bokstavligen det extra klicket när speldosan öppnas. Även om denna detalj varken är uppenbar eller nödvändig ger det extra klicket den redan gåtfulla speldosan lite mer magi. Denna lilla diskrepans förkroppsligar perfekt mina invändningar mot turnén av ”Anastasia”. Även om turnéföreställningen är vacker och underhållande i sin egen rätt saknar vissa aspekter av föreställningen den extra klick, eller gnista av magi, som Broadwayföreställningen innehöll. Detta gäller i synnerhet vissa glåmiga skådespelarval i den första akten. Produktionsvärdet av ”Anastasia”-turnén skulle ha höjts avsevärt om den hade presenterat fler nyanserade detaljer som tydligt låg inom musikalens estetiska möjligheter.
Scenmusikalen ”Anastasia” hade premiär på Broadway 2016 med en bok av Terrence McNally och musik av Lynn Ahrens och Stephen Flaherty. Den är baserad på den animerade filmen med samma namn från 1997. Liksom filmen är musikalens berättelse inspirerad av legenden om storhertiginnan Anastasia. Legenden karaktäriserar Anastasia som den enda Romanovprinsessan som kan ha undkommit sin familjs avrättning, vilket gör Anastasias band till det kejserliga Ryssland till ett potentiellt hot mot den sovjetiska kontrollen. Som det var tänkt är berättelsen och stilen i scenmusikalen mer mogen än i filmen, med nya sånger, djupare karaktärsutveckling och en mer verklighetstrogen bolsjevikgeneral som huvudantagonist i stället för filmens magiskt porträtterade Rasputin.
Den största framgången för scenmusikalen är verkligen dess musik. Även om den är modern känns dess nostalgifyllda melodier rotade i historia, tradition och kulturell vördnad. Samlingen av sånger är olösligt sammankopplade, men innehåller ändå en mängd olika musikstilar. Under kvällen producerar den överdådiga orkestern valser, passionerade solosånger, dansnummer i storband och svepande hymner. I scenmusikalen, som är lika älskad av filmfansen, finns ikoniska låtar som ”Once Upon a December”, ”Journey to the Past” och ”Paris Holds the Key” kvar. Men musikalen innehåller nu även nya storslagna låtar som ”In My Dreams”, ”My Petersburg” och ”Quartet at the Ballet”. Ett av de bästa och mest underskattade musikaliska ögonblicken är den hemsökande ”Stay, I Pray You”, där Anya (Lila Coogan), hennes nyfunna kompisar Dmitry (Stephen Browner) och Vlad (Edward Staudenmayer) och andra ovidkommande resenärer tar sig en stund för att uppskatta sitt hemland innan de går ombord på ett enkelriktat tåg till Paris. Denna musikaliska drömmarglädje leds av greve Ipolitov (Brad Greer), som utan tvekan stjäl den första akten med sin kristallina, klassiskt tränade och känslomässigt fyllda baryton, även om han inte förekommer vid något annat tillfälle i musikalen.
Som ”Stay, I Pray You” är ”Quartet at the Ballet” också en underskattad musikaliserad scen. Den är framgångsrik tack vare känslomässigt laddade sångframträdanden och imponerande uppvisningar av klassiska dansprover. Sammanfallande berättelser, ett medley av upprepade melodier och fängslande dramatisk ironi gör numret särskilt kulminerande, särskilt eftersom Anya, Dmitry, Anyas mormor, kejsarinnan Dowager Empress (Joy Franz) och Anyas sovjetiska förföljare Gleb (Jason Michael Evans) alla befinner sig på samma plats för första gången. Dessutom innehåller ”Quartet at the Ballet” ett balettintermezzo av professionell kvalitet som påminner om ”Svansjön” där den primära solisten segrande utför 16 fouettés. Införandet av klassiska balettintermezzon i musikteater har sedan länge blivit avkonventionaliserat, så det är spännande att se denna typ av sekvens återinföras i en samtida version av formen. ”Quartet at the Ballet” erbjuder dock också ett exempel på en av turnéns brister. I baletten tävlar två manliga dansare av samma storlek om svanen, och en svart dansare har fått rollen som den skurkaktiga av de två. Detta beslut känns särskilt laddat, eftersom det i produktionen saknas färgade artister i stor utsträckning och alla stjärnkaraktärer spelas av en vit skådespelare. Detta castingval vidmakthåller skadliga känslor och historier och skulle till och med kunna tolkas som en mikroaggression från castingteamets sida.
Till skillnad från baletten är grevinnan Lily (Tari Kelly) oklanderligt castad och hon stjäl lätt den andra akten. I sitt första stora nummer, ”Land of Yesterday”, dansar Kelly energiskt och bältar sången kraftfullt, men verkar aldrig vara andfådd. Hennes obevekliga prestation är särskilt imponerande med tanke på hennes höga ålder, som hon på ett intelligent sätt använder som drivkraft för sin komedi. I ”The Countess and the Common Man” framför Kelly och Staudenmayer på ett lustigt sätt en kärleksduett som ett yngre par inte skulle ha några problem med att utföra, men den taktfulla förstärkningen av Kellys och Staudenmayers fysiska oförmågor gör att publiken fnissar.
Och även om Kellys tolkning av Lily är helt tillfredsställande, väcker några andra huvudkaraktärer inte lika mycket intresse som deras ursprungliga motsvarigheter på Broadway. Jason Michael Evans som Gleb utför flera röstmässigt fantastiska solon, och hans ton och stil är nästan identisk med Glebs originalförfattare, Ramin Karimloo. Till en början väljer Evans skickligt att finna effekt i stillhet. Denna taktik åldras dock inte bra genom hela föreställningen och Evans upprepade val att vara stillastående när han sjunger är en besvikelse. Hans karaktär upplever en intensiv utveckling under kvällen, men dessa inre förändringar är inte så uppenbara som de kunde ha varit i hans monologer. Omvänt är Edward Staudenmayer som Vlad genomgående intressant, men han plågas av en rörig diktion och en tillfällig impuls att använda en fånig operaröst som samlar billiga skratt. Dessa två tekniska svagheter distraherar från de verkligt roliga och smarta aspekterna av hans skådespelarprestation.
I motsats till Evans och Staudenmayer, som uppvisar samma styrkor och svagheter under hela kvällen, tycks Stephen Brower och Lila Coogan (som gestaltar Dmitry respektive Anya) genomgå ett ingrepp i pausen, varefter deras prestationer är märkbart förbättrade. När båda karaktärerna är singulärt motiverade att lämna Ryssland i första akten spelar Brower och Coogan liknande handlingar vilket resulterar i en viss platthet. Men när berättelsen väl reser till Paris finner båda skådespelarna nya djup av känslor och sympatier i sina karaktärer. Jag önskar att detta inte var fallet, särskilt när det gäller Anyas berättelsebåge.
Framställningen av ”Anastasia” fick rykte om sig att vara uppenbart mer feministisk än sina motsvarigheter som centrerar ledande kvinnor kring romantiska berättelser. Anya är, till skillnad från många fiktiva prinsessor, ingen som behöver räddas. Hon är tuff och ovillig att offra sina personliga mål. Anya är inte ute efter att bli bemyndigad, utan är snarare bemyndigad att kämpa för sitt eget självförverkligande. Men tyvärr landar Coogans Anya som vällustig och rädd snarare än trotsig. Och dessa attityder är mest närvarande när Anya behöver lyfta upp och ge eld åt berättelsen samtidigt som hon navigerar i ett tråkigt och repressivt Ryssland. Även om Coogans Anya enormt upptäcker sin kraft och röst i slutet av berättelsen borde Anya genomgående genomsyras av mer styrka. Oavsett detta kommer Coogans klara röst, Pygmalion-liknande förvandling och ljusa optimism att inspirera både barn och vuxna.
Individuella prestationer bortsett från de visuellt tilltalande gruppnummer som finns utspridda i hela pjäsen ger välkomna stunder av skönhet och ost som bara musikteatergenren kan ge. Den glamorösa valsen i ”Once Upon a December” lyfter särskilt fram Linda Chos tidstypiska edwardianska kostymdesign som är både stilistiskt förväntad och önskvärd för en föreställning av den här typen. I andra låtar som ”Paris Holds the Key” drar ensemblen upp kjolarna för att delta i en typisk festsekvens från det brinnande 1920-talet med flera Charleston-varianter, hjulspår, jazzhänder och helt moderna frisyrer. Detta nummer sätter perfekt tonen för en mer färgstark, hjärtvärmande och trevlig andra akt.
”Paris Holds the Key” stöds väl av ett av musikalens mest konsekvent framgångsrika designelement: de livliga och ständigt föränderliga projektionerna. Formgivaren Aaron Rhynes projektioner är jämförbara med Disneylands ikoniska flygsimuleringsattraktion Soarin’. Rhyne flyger surrealistiskt publiken över och runt Paris och Ryssland, väcker spöken till liv, kartlägger vår huvudpersons resa och mycket mer. Projektionerna når sin interaktiva höjdpunkt under ”We’ll Go From There”, då Anya, Dmitry och Vlad stuvas undan på ett tåg ut ur Ryssland. När var och en av de tre karaktärerna driver på tågets rörelse med hoppiga musikaliska featuretter, vars melodier på ett spännande sätt korsar varandra, förändras bakgrundsprojektionerna i takt med att det fysiska tåget som karaktärerna åker på snurrar och vänder sig. Det är en medryckande bit teaterrök och speglar, tekniskt uppdaterad för vår tid.
Totalt sett är ”Anastasia” en musikalisk pärla. Mitt hjärta sväller av värme och löfte när jag tänker på den, det visuella är fantastiskt och musiken har fastnat i mitt huvud sedan september. Teaterbesökarna lämnar teatern efter att ha internaliserat uppfattningen att ”du kan inte bli någon om du inte först känner igen dig själv”, som kejsarinnan instruerar, och att ”det aldrig är för sent att komma hem”, som Anya lär sig. Även om jag önskar att vissa huvudkaraktärer var mer komplexa, levererar kompaniet i stort.
Kontakta Chloe Wintersteen på chloe20 ’at’ stanford.edu.