この連休中、特に今の10年が終わろうとしている中、音楽劇について考える時間が多くありました。 10年間、そしてこれからもずっとミュージカル・シアターを愛する者として、私はしばしば過去に観た作品を反芻することになるのです。 最近、2019年9月にサンフランシスコを通過した際に観た『アナスタシア』のツアー公演を再考している。ちなみにこのツアーは現在トロントで行われているので、アメリカの現在の政治劇から息抜きが必要な人がいれば、ぜひご覧いただきたい。 この公演を観たとき、私は何らかの認知的不協和を感じ、この感覚は時間をかけて芽生えた。 私は以前、ブロードウェイのプロダクションを賞賛していた（これは、今は存在しないYouTubeのブートレグ記録を閲覧して、偶然に見付けたのかもしれない）。 しかし、今回のツアープロダクションは、そのブロードウェイ公演の様式美を完全に踏襲しているとは言い難い。 もしかしたら、ネットの彷徨によって、ブロードウェイのオリジナルプロダクションが実際よりも優れていると信じこんだのかもしれないが、私は前者を信じることにする。
ミュージカル『アナスタシア』では、記憶喪失になった主人公アーニャが、祖母から何年も前に贈られたオルゴールに出会います。 このオルゴールが、アーニャの失われた記憶を解きほぐし、取り戻してくれるのです。 ブロードウェイ作品では、オルゴールを2回巻き、秘密の掛け金をクリックすることで鍵を開ける。 ブロードウェイ公演では、オルゴールが開くたびに「カチッ」という音が鳴るが、ツアー公演ではその音がない。 しかし、このクリック感によって、ただでさえ謎めいたオルゴールに、さらに魔法がかかるのである。 この小さな違和感が、今回の「アナスタシア」ツアーに対する私の疑問を見事に体現している。 ツアー公演はそれなりに美しく面白いのだが、ブロードウェイ公演のような「カチッ」という音や、魔法のような輝きに欠ける部分があるのだ。 特に、第1幕の演技の精彩を欠いた部分についてである。 アナスタシア」ツアーの演出は、このミュージカルが持つ美的可能性の範囲内で、より微妙なディテールをフィーチャーしていれば、その価値は大きく高まったはずだ。
舞台ミュージカル『アナスタシア』は、テレンス・マクナリーによる本と、リン・アーレンスとスティーヴン・フラハティによる音楽で、2016年にブロードウェイで初演された。 1997年に公開された同名のアニメーション映画を原作としている。 映画と同様、ミュージカルの物語は大公女アナスタシアの伝説にインスパイアされています。 この伝説では、アナスタシアはロマノフ家の王女の中で唯一、一族の処刑を免れたとされており、アナスタシアのロシア帝国とのつながりは、ソ連の支配を脅かす可能性があるとされている。 舞台ミュージカルの物語とスタイルは、意図したとおり、映画よりも成熟しており、新しい歌、より深いキャラクター展開、そして映画の魔法のように描かれたラスプーチンではなく、より現実的なボルシェビキの将軍が主な敵役として登場するのが特徴である。
舞台ミュージカルの最大の成功は、まさにその音楽である。 現代的ではあるが、その郷愁に満ちたメロディーは、歴史、伝統、文化への敬意に根ざしているように感じられる。 歌のコレクションは、互いに密接に関連しながらも、多くの音楽スタイルを備えている。 ワルツ、情熱的なソロ曲、ビッグバンドのダンスナンバー、そして壮大なアンセムなど、豪華なオーケストラが一晩で作り上げる。 映画でおなじみの “Once Upon a December”、”Journey to the Past”、”Paris Holds the Key “などの象徴的な曲はそのままに、舞台ミュージカルとして生まれ変わります。 しかし、このミュージカルでは、”In My Dreams” “My Petersburg” “Quartet at the Ballet “などの新しい代表的な楽曲が登場します。 この曲は、アーニャ（ライラ・クーガン）と、彼女の新しい仲間であるドミトリー（スティーブン・ブラウナー）、ヴラド（エドワード・スタウデンマイヤー）、その他の余計な旅行者が、パリへの片道列車に乗る前に故郷に感謝するひとときを持つというものだ。 この音楽的回想はイポリトフ伯爵（ブラッド・グリア）が先導するもので、彼はミュージカルの他の場面では登場しないにもかかわらず、クラシックで鍛えた情感豊かなバリトンで第1幕を間違いなく支配しているのである。
「ステイ、アイ・プレイス・ユー」と同様に、「バレエの四重奏」もまた、あまり評価されていないミュージカル化されたシーンである。 感情を揺さぶるようなヴォーカルパフォーマンスと、クラシックダンスの力強さが印象的で、成功している。 特に、アーニャ、ドミトリー、アーニャの祖母の皇太后（ジョイ・フランツ）、アーニャのソ連の追手グレブ（ジェイソン・マイケル・エヴァンス）が初めて同じ場所にいるため、衝突する物語、繰り返される曲のメドレー、魅力的で劇的な皮肉によってこのナンバーは特にクライマックスとなっています。 さらに、「カルテット・アット・ザ・バレエ」では、「白鳥の湖」を思わせるプロ級のバレエの間奏曲で、主要ソリストが16のフエッテを成功させるという勝利の演出がある。 クラシック・バレエの間奏曲をミュージカル・シアターに取り入れることは、長い間、型にはまったことであったので、このようなシークエンスが現代のミュージカル・シアターに再び取り入れられることは、エキサイティングなことである。 しかし、”Quartet at the Ballet “は、このツアーの欠点の一つを示すものでもある。 バレエでは、白鳥をめぐって二人の体格の良い男性ダンサーが争うが、その悪役に黒人のダンサーが起用されたのである。 この作品は有色人種の出演者が極めて少なく、主役級のキャラクターはすべて白人の俳優が演じているため、この決定は特に重大な意味を持つように感じられる。
バレエとは異なり、リリー伯爵夫人（タリ・ケリー）は申し分のない配役で、2幕を簡単に支配しています。 最初の大曲「Land of Yesterday」で、ケリーはエネルギッシュに踊り、力強く歌いながらも、決して息切れすることなく、この曲を歌い上げます。 ケリーの演技は、年齢を重ねても衰えることなく、コメディの原動力として知的に使われているのが印象的だ。 伯爵夫人と庶民」では、若いカップルがやってもおかしくない愛のデュエットをケリーとシュタウデンマイヤーが愉快に演じているが、ケリーとシュタウデンマイヤーの身体の不自由さを巧みに強調し、観客はめまいがするほど笑ってしまうのである。
ケリーによるリリーの解釈は完全に満足のいくものでしたが、他の主役の中には、ブロードウェイのオリジナルキャラクターほど興味をそそらないものもありました。 また、”Gleb “役のジェイソン・マイケル・エヴァンスは、何度も見事なソロを披露しているが、その音色とスタイルは “Gleb “の原作者であるラミン・カリムルーとほぼ同じである。 まず、エヴァンスは静寂の中にインパクトを見出すことを巧みに選択する。 しかし、この戦術は公演を通じてうまく機能せず、エヴァンスは歌いながら停滞することを繰り返し選択し、失望させられた。 彼のキャラクターは夜を通して激しく成長するが、その内的変化は彼の独白の中ではそれほどあからさまではない。 逆に、ヴラド役のエドワード・シュタウデンマイヤーは一貫して面白いのですが、乱れたディクションに悩まされ、時折、安っぽい笑いを誘うような間抜けなオペラ調の声を使いたがることがあります。 この2つの技術的な弱点が、彼の演技の本当に面白くて巧みな面を邪魔している。
一晩中同じ長所と短所を見せるエヴァンスとシュタウデンマイヤーとは異なり、スティーブン・ブラウアーとライラ・クーガン（それぞれドミトリーとアーニャを演じる）は休憩時間に介入を受けているようだが、その後彼らのパフォーマンスは顕著に向上した。 第1幕でロシアを離れようとする2人のキャラクターは、ブラウワーとクーガンが同じような行動をとるため、やや平板な印象がある。 しかし、物語がパリに移ってからは、二人とも自分のキャラクターに新たな深みと好感を見出す。 特にアーニャの物語上のアークについては、そうでないことを祈るばかりである。
「アナスタシア」フランチャイズは、ロマンス主導のストーリーを中心に女性を主人公とする同種の作品よりも、露骨にフェミニストであることで悪評を買った。 アーニャは、多くの架空の王女とは異なり、救いを求める存在ではありません。 彼女はタフで、個人的な目標を犠牲にする気はない。 アーニャは、力を得たいのではなく、自己実現のために戦う力を得ているのだ。 しかし、残念ながら、クーガンのアーニャは、反抗的というよりは、わびしい、怖い存在として着地している。 そして、こうした態度は、退屈で抑圧的なロシアを航行しながら、アーニャが物語を高揚させ、火をつける必要があるときに、最も顕著に現れる。 クーガンのアーニャは、物語の終盤で自分の力と声を大いに発見するが、アーニャは全体を通してもっと強さを帯びているはずである。 とはいえ、クーガンの澄んだ声、ピグマリオンのような変身、明るい眼差しの楽観主義は、子どもにも大人にも勇気を与えてくれるだろう。
個々の演技はさておき、作品中に散りばめられた視覚に訴えるグループナンバーは、ミュージカル劇場というジャンルならではの美しさとチーズの瞬間を提供してくれる。 特に「ワンス・アポン・ア・デンバー」の華やかなワルツは、リンダ・チョーの時代がかったエドワード朝の衣装デザインを際立たせており、この種のショーでは様式的に期待され、また望まれるところでもある。 また、「Paris Holds the Key」では、アンサンブルはスカートをたくし上げて、チャールストンのバリエーション、回転技、ジャズハンド、現代風のボブヘアカットなど、1920年代のパーティーの真髄を表現しています。
「Paris Holds the Key」は、このミュージカルで最も一貫して成功しているデザイン要素の1つである、生き生きと変化し続けるプロジェクションによく支えられている。 デザイナー、アーロン・ラインのプロジェクションは、ディズニーランドを代表するフライト・シミュレーション・アトラクション、ソアリンと比較されるものです。 リンは、パリやロシアの上空を超現実的に飛び回り、幽霊に命を吹き込み、主人公の航海の地図を描くなど、さまざまな演出を行います。 アーニャ、ドミトリー、ヴラドの3人がロシアを発つ列車に密航する「We’ll Go From There」では、プロジェクションのインタラクティブ性がピークに達します。 3人のキャラクターがそれぞれ、弾むような音楽のフィーチャリングで列車の動きを推進し、そのメロディーが刺激的に交差すると、キャラクターが乗る物理的な列車の回転やねじれに連動して、背景の投影が変化する。
全体として、「アナスタシア」は珠玉のミュージカルである。 この作品について考えるたびに、私の心は温かさと期待で膨れ上がり、映像は見事で、音楽は9月から私の頭にこびりついているのです。 観客は、太后が説く「まず自分を認めなければ誰にもなれない」、アーニャが学ぶ「家に帰るのに遅すぎるということはない」という観念を内面化して、劇場を後にするのです。 また、この作品では、”before “と “for “の2つのカテゴリーがあり、”before “と “for “は、”before “と “for “の2つのカテゴリーに分かれています。