Can Indigenous Knowledge Move the Fashion Industry Forward?

Para inovar, muitas vezes olhamos para o futuro. Mas às vezes, a melhor maneira de avançar é encontrada no conhecimento tradicional. Aqui, perguntamos aos profissionais da indústria da moda, têxtil e vestuário de todo o mundo como a sua herança cultural e o conhecimento indígena moldam o seu trabalho – e como isso pode ajudar a mover a indústria da moda numa direcção mais sustentável.

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Palavras-e Pessoas-Matéria

Daniela Poulsen (Yanchapaxi Silva): Equatoriana e descendente de uma comunidade indígena andina da província de Cotopaxi no Equador; gerente de operações e cadeia de abastecimento de Cotopaxi em Salt Lake City, Utah.

No seu trabalho para a empresa de roupas e equipamentos de aventura Cotopaxi, Daniela Poulsen encontra regularmente pessoas que assumem que Cotopaxi nada mais é do que um nome fictício criado para atrair a atenção. Como nativa equatoriana, ela sabe que há muito mais do que isso.

“Cotopaxi não é apenas um nome. Não é apenas um negócio”, explica ela. “Há uma comunidade inteira que vive à volta do Vulcão Cotopaxi no Equador.” Poulsen tem laços diretos com aquela comunidade – seu pai foi criado lá.

As marcas têm a responsabilidade de representar respeitosamente o seu homónimo, e Poulsen aproveita todas as oportunidades para ligar os pontos entre a base de negócios em Utah, fornecedores na Ásia, e a comunidade em Cotopaxi. “Quando chego a um novo parceiro, fornecedor, cliente ou cliente, sempre conto a história de onde viemos e de onde vem o nome”, diz ela. “Queremos usar o nome com cuidado e respeito, levando em conta o que significa para o povo, a comunidade e o país do Equador”

O sentido de comunidade profundamente enraizado de Poulsen proporciona-lhe uma bússola de compaixão que guia as decisões que ela toma no seu dia-a-dia de trabalho, e ela recomenda a outros no setor que considerem o mesmo”. “Olhe para sua cadeia de suprimentos mais do que seus rendimentos ou números alvo”, ela sugere. “Pense em quem você está impactando-positivamente ou negativamente. Você não está trabalhando apenas com uma fábrica ou máquinas; você está trabalhando com pessoas e comunidades”.

Mais não é melhor

Kini Zamora: Nativa havaiana e filipina; antiga concorrente e designer e criadora do projeto The Clique in Honolulu, Hawaii.

Nativa havaiana e designer filipina Kini Zamora vive em um dos lugares mais naturalmente belos do planeta. E ele trabalha numa das indústrias mais prejudiciais ao meio ambiente. Ele acredita que a moda rápida (roupa que é produzida rapidamente em massa em resposta às tendências, e que muitas vezes é de baixa qualidade e não pretende durar) está a criar desperdício desnecessário, e uma simples mudança de mentalidade – para consumidores e criadores – pode conduzir a indústria numa direcção mais saudável.

“Na minha cultura, você não faz ou leva mais do que aquilo que precisa”, diz ele. O respeito pelo ambiente natural é central para a cultura nativa havaiana e faz parte integrante da abordagem de Zamora. “Temos de parar de criar – e comprar – quantidades de roupa que as pessoas só vão usar durante uma semana ou um ano, e depois deitar fora”.

Em vez disso, ele pretende “criar roupas que sejam especiais, que se juntem a outra peça da nossa colecção daqui a três temporadas, que eles guardem por 10 ou 15 anos e passem para os seus filhos”.

Designers podem ajudar a conter o desperdício e parar de alimentar a besta da moda rápida, concentrando-se em peças únicas e de alta qualidade que os consumidores podem continuar a usar e partilhar durante anos. “Nós não criamos apenas algo bonito”, explica Zamora, “há sempre uma história por trás disso”.

Incluído nessa história está o respeito pelas suas raízes e a inspiração para o futuro da moda. “Nós sempre perguntamos aos nossos kupuna (anciãos) sobre o significado cultural das nossas estampas e a maneira certa de usá-las”, diz ele. “Quando as pessoas compram as nossas roupas, podemos contar-lhes uma história. E quando alguém lhes pergunta o que estão vestindo, eles podem compartilhar a história também”. Se pudermos contar uma história através das nossas estampas e criar uma peça especial para o cliente, nós criamos uma conexão e mantemos a história da nossa linhagem viva”

Cultura é um Recurso Vital

Louie Gong: Membro da tribo Nooksack de herança mista; artista e fundador da Oitava Geração em Seattle, Washington. Em novembro de 2019, Louie vendeu a Oitava Geração para a Tribo Snoqualmie. Ele permanece CEO sob um acordo de vários anos.

Sustentabilidade não se trata apenas de conservação ambiental. “Eu sempre falo sobre arte cultural como um recurso natural”, diz o designer indígena americano (Nooksack) Louie Gong. “Nós temos que ser administradores desse recurso nutrindo-o. Se continuarmos a tomar sem mordomia, eventualmente, nós o destruímos”.

Gong acredita que o fracasso em respeitar e proteger a arte nativa é uma das razões pelas quais algumas artes culturais estão desaparecendo. Quando as empresas vendem produtos “inspirados nos nativos” sem realmente trabalhar com artistas nativos, é uma perda para todos nós. “Cada peça de arte falsa tem uma história falsa para acompanhar. E cada produto falso representa uma oportunidade perdida para um artista cultural. Menos pessoas estão praticando, porque é difícil ganhar a vida com isso”

A empresa de Gong, Oitava Geração, tem a missão de mudar isso – criando oportunidades econômicas para os artistas indígenas e oferecendo produtos autênticos aos consumidores. “Estamos comprometidos em trabalhar sempre com um artista indígena quando estamos colocando arte indígena nos produtos”, explica Gong. “Os artistas são pagos, e se eles precisarem, nós lhes fornecemos a capacitação empresarial”.

Quando as artes culturais são celebradas em vez de apropriadas, todos ganham: Os consumidores recebem produtos autênticos, os artistas são justamente compensados, e as empresas e comunidades relacionadas também são beneficiadas. “Colaborar com um artista indígena não compensa apenas para o artista individual”, diz Gong. “Se você escolher um artista engajado na comunidade, eles vão pegar as habilidades que aprenderam e ampliá-las”.

Gong reconhece que o valor se estende muito além do que as linhas de fundo podem explicar”. “Há mais moedas para perseguir do que apenas dinheiro. Educação e oportunidades a longo prazo para pessoas como nós são outras moedas que perseguimos”.

Esta abordagem holística, conscienciosa e comunitária que está enraizada na sua herança também está a provar ser um bom negócio: A Oitava Geração é o negócio nativo privado de mais rápido crescimento na América do Norte.

Entenda sua interconexão

Amanda Westley: Ngarrindjeri Artista aborígine em Middleton, Austrália do Sul, e colaboradora de várias marcas, incluindo Life Apparel Co, Lifewearau e Aya Optical.

A artista Amanda Westley cresceu em uma fazenda a poucos quilômetros da cidade costeira de Victor Harbor. Seu trabalho contemporâneo com pontos aborígines reflete sua cultura e ambientes naturais. “Minha família é uma das famílias aborígines mais antigas da costa sul”, diz ela. “O meu pai era construtor de barcos, por isso a água e o oceano sempre foram uma grande parte da minha vida.”

As pinturas em estilo ponto de Westley são muitas vezes feitas em cores vibrantes inspiradas pela sua educação costeira. “A minha arte representa a importância do país”, diz ela.

País é um termo Kriol que, de acordo com o livro de Marcia Langton Welcome to Country, se refere a propriedades tradicionais do povo aborígine herdado de seus antepassados. Significa muito mais do que terra e solo. “Eu vejo o país como uma mãe”, explica Westley. “Quando falamos de país, falamos dele como se fosse uma pessoa. Não é apenas a terra; são as rochas, o céu, a água e todos os seres vivos”

Westley’s art-now featured on apparel and accessories for various brands-serves como um lembrete da nossa interligação e da nossa responsabilidade para com as pessoas e o planeta”. “A minha arte cria uma ligação entre o país e as pessoas. Uma vez feita essa ligação, as pessoas vêem a importância de cuidar do país”, diz ela. “O país é uma ligação. Nós cuidamos dele, e ele cuida de nós”

Inovar na Tradição

Olga Reiche: Guatemalteca de origem alemã e Queqchí; artesã de tintura natural e tecelã na Indigo Custom Textile em Antigua, Guatemala.

Há mais de 35 anos, Olga Reiche trabalha com artesãos indígenas e cooperativas têxteis na Guatemala. Ela teme que a constante necessidade de “novos” na indústria da moda esteja criando um desperdício excessivo e acabando com o artesanato tradicional. “A Guatemala sempre foi conhecida por seus belos, intrincados e sofisticados tecidos feitos à mão”, diz ela. “Mas isso está a ser rapidamente perdido.”

Reiche pretende colmatar a lacuna entre os artesãos têxteis indígenas e os consumidores que apreciam as artes tradicionais. Ela fornece orientação sobre desenvolvimento e comercialização de produtos – mesmo viajando com alguns artesãos para o Mercado Internacional de Arte Popular em Santa Fé nos últimos sete anos – enquanto também desenvolve seus próprios conhecimentos, habilidades e produtos.

Reiche vê o valor – e o futuro – das técnicas tradicionais, tais como a tecelagem de teares e corantes naturais. “Eu dou foco tradicional aos meus desenhos”, diz ela, “usando apenas tecidos à mão, bordados à mão, tingidos à mão e tecidos à mão” para criar produtos de alta qualidade, autenticamente feitos à mão. Ela também aplica técnicas de tecelagem indígenas e seu olho para o design aos resíduos reciclados, bolsas recicladas, sapatos e outros acessórios.

Ela espera que outros designers também encontrem engenhosidade na tradição indígena. “Desenhos inovadores podem ser feitos sem perturbar a tradição”, explica ela. “Pelo contrário, o conhecimento têxtil tradicional é muito inspirador.”

Mãe Terra Vale o Esforço

Andréanne Mulaire Dandeneau: Métis de Anishinaabe e descendência francesa; designer e criadora de Anne Mulaire em Winnipeg, Manitoba.

Uma abordagem ecológica sempre fez parte do plano de negócios do designer francês Métis Andréanne Mulaire Dandeneau. A compaixão pelo planeta é parte integrante da sua identidade e da sua missão. “Fui criada muito eco-consciente”, diz ela sobre a sua criação do francês Métis. “Os povos indígenas têm uma forte ligação com a Terra. Está embutida em quem somos”.

Então, quando ela começou a desenhar sua própria linha, Dandeneau colocou seu coração para o planeta e orgulho em sua frente de herança e centro-diligentemente adquirir fios ecológicos de fazendas sem escravos e contratar tintureiros e tecelões canadenses para produzir os tecidos de bambu antes de adicionar desenhos indígenas bordados e gráficos criados por ela e seu pai. O resultado: roupas prontas para vestir que são macias, porém duráveis, únicas, porém versáteis e gentis para as pessoas e para o planeta.

Dandeneau admite que o caminho que ela escolheu nem sempre é fácil ou barato. Mas vale a pena. E é possível que todos comecem a fazer pequenas mudanças que também podem fazer uma grande diferença. “Vou sempre garantir que a Mãe Terra seja cuidada”, diz ela. “Não se trata só de lucro. Considera o que estás a consumir e a desperdiçar. Compra menos, mas melhor. Compre localmente e apoie as pessoas à sua volta. Seja atento e criativo. Encontre pequenas maneiras de ser mais sustentável. Sim, temos um longo caminho a percorrer, mas se todos derem um pequeno passo, é uma grande mudança na direcção certa”

Tire o seu tempo e trate a sua equipa como família

Lisa Folawiyo: Designer nigeriana e indiana ocidental e fundadora da Jewel by Lisa Group em Lagos, Nigéria.

Quando Lisa Folawiyo casou com os têxteis tradicionais da África Ocidental com embelezamento à mão e alfaiataria moderna, o mundo da moda e do entretenimento – incluindo a cantora Solange Knowles e a actriz Lupita Nyong’o, ambas vistas a usar os desenhos da Folawiyo – aperceberam-se. Folawiyo foi a primeira designer a embelezar à mão Ankara, um tecido ousado e colorido com estampas de cera.

“A etiqueta Lisa Folawiyo está centrada no embelezamento à mão”, diz ela. “Algumas peças de vestuário das colecções são bordadas à mão por artesãos. A cada estação, encontro inspiração em diferentes culturas da Nigéria e nas minhas viagens pessoais”.

Tudo cuidadosamente trabalhado, transmite uma história de herança e trabalho árduo. Em média, há um processo de 240 horas atrás de cada peça embelezada à mão. “Este método de artesanato contribuiu para o crescimento da etiqueta”, explica Folawiyo, “e sua contínua dependência de uma produção mais lenta e funcional”.

Folawiyo aplica ao seu negócio o mesmo cuidado e integridade que ela aplica aos seus desenhos. “A marca Lisa Folawiyo imbui um sentido de família, mesmo no trabalho”, diz ela. “O pessoal não só é pago acima do salário mínimo, mas também é constantemente treinado e desenvolvido em suas habilidades, e apoiado em áreas pessoais e profissionais de suas vidas”. Eles trabalham em ambientes limpos e sanitários e recebem bônus, cuidados médicos e assistência quando necessário”. Além disso, a marca trabalha com a Genesis House, uma instituição de caridade que ajuda a reabilitar as mulheres de volta à sociedade e ao emprego”

Conectar os pontos

Brandy-Alia Serikaku: Artista havaiana nativa e colaboradora de OluKai em Hilo, Havaí.

Artista havaiana nativa e dançarina hula Brandy-Alia Serikaku A ligação de Brandy-Alia Serikaku com a ‘aina (terra) é evidente no seu trabalho com OluKai, onde os seus desenhos inspirados na natureza aparecem em calçado amigo do ambiente. “Os meus desenhos reflectem o meu ambiente havaiano”, diz ela.

O seu processo do início ao fim é influenciado pela sua herança havaiana. “Eu sempre digo uma oração antes de desenhar”, explica Serikaku. “Saio para a natureza e vejo a flor ou planta e crio uma experiência de primeira mão a partir da qual posso desenhar. Coloco amor no meu trabalho para que ele se torne uma verdadeira extensão de mim”.

Nomear os produtos é igualmente importante para ela. “Eu uso a linguagem havaiana para nomear os meus desenhos, dentro das suas camadas de significados, eu me certifico de que a intenção da minha arte continua viva, escolhendo palavras com um efeito positivo. Estar consciente da sua intenção, ações e palavras, e manter o seu equilíbrio na natureza é uma prática havaiana.”

Criando desenhos do mundo natural ao seu redor e selecionando cuidadosamente os nomes havaianos que possuem significado cultural, ela conecta os pontos entre a terra, sua herança, o produto e o consumidor – perpetuando simultaneamente a cultura havaiana, cultivando a curiosidade e a compaixão e reforçando a nossa ligação e responsabilidade uns para com os outros e para com a terra em que caminhamos.

Você tem o que precisa

Bethlehem Tilahun Alemu: fundador e CEO da soleRebels em Adis Abeba, Etiópia.

Criando na comunidade Zenebework/Total, uma área empobrecida de Adis Abeba, Etiópia, Bethlehem Tilahun Alemu testemunhou o impacto negativo da caridade controlada externamente e o retrato mediático dos etíopes como “indefesos e passivos beneficiários de ajuda”. Ela também viu um artesanato notável, materiais naturais, herança rica e grande potencial em sua comunidade e país. Para Alemu, uma apreciação das tradições artesanais começou em casa, onde ela aprendeu de sua mãe como fiar algodão à mão.

“Tínhamos muitas pessoas talentosas na minha comunidade, mas havia poucas oportunidades de trabalho”, ela compartilha. “Isso pareceu-me uma tragédia imensa e uma oportunidade.” Além das habilidades criativas, a Etiópia tem uma abundância de recursos naturais – couro livre, algodão orgânico, juta e cânhamo abissiniano. E uma mentalidade para tirar o máximo proveito do que se tem. “Barabasso e selate-reciclado- sapatos de sola-sola-sola-sola-sola-sola-sol.”

Alemu inspirou-se na sua cultura e comunidade para criar soleRebels, o primeiro calçado totalmente fiado à mão e descascado à mão. Ela não está apenas no negócio de vender sapatos; o seu objectivo sempre foi o de capacitar os artesãos locais e criar oportunidades económicas enraizadas na herança cultural e nas práticas amigas do ambiente para mudar a narrativa de “o mito da redução da pobreza” para a esperança de uma “criação de prosperidade” mais sustentável.

“Há uma crença distorcida mas poderosa, aqui e em toda a África, de que se você quer ter sucesso, então você tem que sair e ir, especialmente para o oeste”, explica ela. “Mas alguém deveria realmente ter que deixar seu país e família para sobreviver ou ser bem sucedido?” Alemu reconheceu que existia uma riqueza de recursos naturais e culturais mais perto de casa e, com a soleRebels, provou que “é possível utilizar recursos locais e criar uma marca global”. É possível ser uma pessoa local na Etiópia e África, e ser globalmente bem sucedido”

Being Mindful Is Always in Style

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Jamie Okuma: Nativo americano de descendência Luiseño e Shoshone-Bannock; designer de moda e criador de Jamie Okuma na reserva indígena La Jolla na Califórnia.

Para o designer nativo americano Jamie Okuma, a sustentabilidade é a segunda natureza. Ela foi criada na reserva indígena La Jolla e ainda vive lá hoje com seu marido e dois filhos. Desde os materiais ecológicos que usa até as imagens que cria, Okuma faz escolhas atentas, guiada pela sua herança e educação.

“Todo o meu trabalho tem a tradição na sua essência”, diz ela. “Por exemplo, cada parte do cervo ou do búfalo é usada. Por isso tento utilizar tudo o que é possível no meu trabalho – com a minha arte, mantimentos, tecidos – e não ser esbanjadora. Eu até guardo os restos e encontro usos para eles”

Okuma também produz um número limitado de peças, evitando o excesso de estoque e oferecendo aos clientes algo ousado e único, porém intemporal e de alta qualidade”. “Todos nós temos essas peças no nosso armário que guardamos durante anos e que literalmente desgastamos antes de as retirarmos”, diz ela. “Estou aqui para fazer os “go-tos”, os guardas.”

Prior ao lançamento da sua última colecção, ela enviou uma nota aos seus subscritores, reafirmando o seu compromisso com a moda sustentável e exortando as pessoas a considerarem que as más condições de trabalho e os tecidos de baixa qualidade e insustentáveis estão muitas vezes por detrás da moda rápida e do vestuário barato.

“A moda lenta é ética”, escreveu ela. “Eu não queria fazer peças da moda que estão numa estação e na outra”. São peças colecionáveis, destinadas a serem usadas nos próximos anos… são destinadas a fazer você se sentir bem sabendo que esta coleção foi criada com o melhor interesse de todos no coração.”

Lead image, da esquerda para a direita: Brittney Couture Photography/Louis Gong; Jamie Okuma/Jared Yazzie da OXDX; Lisa Folawiyo.

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