Para innovar, a menudo miramos hacia adelante. Pero a veces, el mejor camino para avanzar se encuentra en el conocimiento tradicional. Aquí preguntamos a los profesionales de la industria de la moda, el textil y la confección de todo el mundo cómo su herencia cultural y sus conocimientos autóctonos configuran su trabajo, y cómo podrían ayudar a que la industria de la moda avance en una dirección más sostenible.
- Las palabras y las personas importan
- Daniela Poulsen (Yanchapaxi Silva): Ecuatoriana y descendiente de una comunidad indígena andina de la provincia de Cotopaxi en Ecuador; directora de operaciones y de la cadena de suministro de Cotopaxi en Salt Lake City, Utah.
- Más no es mejor
- Kini Zamora: Nativa de Hawái y filipina; ex concursante de Project Runway y diseñadora y creadora de The Clique en Honolulu, Hawái.
- La cultura es un recurso vital
- Louie Gong: Miembro de la tribu Nooksack de herencia mixta; artista y fundador de Eighth Generation en Seattle, Washington. En noviembre de 2019, Louie vendió Eighth Generation a la tribu Snoqualmie. Sigue siendo director general en virtud de un acuerdo de varios años.
- Entiende tu interconexión
- Amanda Westley: Artista aborigen ngarrindjeri de Middleton, Australia del Sur, y colaboradora de múltiples marcas, como Life Apparel Co, Lifewearau y Aya Optical.
- Encuentra la innovación en la tradición
- Olga Reiche: Guatemalteca de ascendencia alemana y queqchí; artesana de tintes naturales y tejedora en Indigo Custom Textile en Antigua, Guatemala.
- La Madre Tierra merece el esfuerzo
- Andréanne Mulaire Dandeneau: Métis de ascendencia anishinaabe y francesa; diseñadora y creadora de Anne Mulaire en Winnipeg, Manitoba.
- Tómate tu tiempo y trata a tu equipo como a una familia
- Lisa Folawiyo: Diseñadora nigeriana y antillana, fundadora del grupo Jewel by Lisa en Lagos, Nigeria.
- Conecta los puntos
- Brandy-Alia Serikaku: Artista nativa hawaiana y colaboradora de OluKai en Hilo, Hawai.
- Tienes lo que necesitas
- Bethlehem Tilahun Alemu: Fundadora etíope y directora general de soleRebels en Addis Abeba, Etiopía.
- Ser consciente siempre está de moda
- Jamie Okuma: Nativa americana de ascendencia Luiseño y Shoshone-Bannock; diseñadora de moda y creadora de Jamie Okuma en la reserva india de La Jolla en California.
Las palabras y las personas importan
Daniela Poulsen (Yanchapaxi Silva): Ecuatoriana y descendiente de una comunidad indígena andina de la provincia de Cotopaxi en Ecuador; directora de operaciones y de la cadena de suministro de Cotopaxi en Salt Lake City, Utah.
En su trabajo para la empresa de ropa y equipos de aventura Cotopaxi, Daniela Poulsen se encuentra regularmente con personas que suponen que Cotopaxi no es más que un nombre ficticio creado para llamar la atención. Como nativa de Ecuador, sabe que es mucho más que eso.
«Cotopaxi no es sólo un nombre. No es sólo un negocio», explica. «Hay toda una comunidad que vive alrededor del volcán Cotopaxi en Ecuador». Poulsen tiene vínculos directos con esa comunidad: su padre se crió allí.
Las marcas tienen la responsabilidad de representar respetuosamente a su homónimo, y Poulsen aprovecha cualquier oportunidad para conectar los puntos entre la base empresarial de Utah, los proveedores de Asia y la comunidad de Cotopaxi. «Cuando me pongo en contacto con un nuevo socio, proveedor, cliente o consumidor, siempre le cuento la historia de dónde venimos y de dónde viene el nombre», dice. «Queremos utilizar el nombre con cuidado y respeto, teniendo en cuenta lo que significa para la gente, la comunidad y el país de Ecuador».
El arraigado sentido comunitario de Poulsen le proporciona una brújula de compasión que guía las decisiones que toma en su trabajo diario, y recomienda a otros en la industria que consideren lo mismo. «Mira tu cadena de suministro más que tus números de ingresos o de objetivos», sugiere. «Piensa en quiénes son las personas a las que afectas, positiva o negativamente. No trabajas sólo con una fábrica o con máquinas; trabajas con personas y comunidades.»
Más no es mejor
Kini Zamora: Nativa de Hawái y filipina; ex concursante de Project Runway y diseñadora y creadora de The Clique en Honolulu, Hawái.
La diseñadora nativa de Hawái y filipina Kini Zamora vive en uno de los lugares más bellos del planeta por naturaleza. Y trabaja en una de las industrias más perjudiciales para el medio ambiente. Cree que la moda rápida (ropa que se produce rápidamente en cantidades masivas en respuesta a las tendencias, y que a menudo es de baja calidad y no está destinada a durar) está creando residuos innecesarios, y un simple cambio de mentalidad -para los consumidores y los creadores- podría dirigir la industria en una dirección más saludable.
«En mi cultura, no se hace ni se toma más de lo que se necesita», dice. El respeto por el entorno natural es fundamental para la cultura de los nativos hawaianos y forma parte del enfoque de Zamora. «Tenemos que dejar de crear -y comprar- cantidades masivas de ropa que la gente sólo va a usar durante una semana o un año, y que luego tira».
En su lugar, su objetivo es «crear prendas que sean especiales, que se combinen con otra pieza de nuestra colección dentro de tres temporadas, que conserven durante 10 o 15 años y que pasen a sus hijos.»
Los diseñadores pueden ayudar a frenar el despilfarro y dejar de alimentar a la bestia de la moda rápida centrándose en piezas únicas de alta calidad que los consumidores puedan seguir usando y compartiendo durante años. «No sólo creamos algo bonito», explica Zamora, «siempre hay una historia detrás».
En esa historia está el respeto por sus raíces y la inspiración para el futuro de la moda. «Siempre preguntamos a nuestros kupuna (ancianos) sobre el significado cultural de nuestros estampados y la forma correcta de utilizarlos», dice. «Cuando la gente compra nuestra ropa, podemos contarles una historia. Y luego, cuando alguien les pregunte qué llevan puesto, podrán compartir la historia también. Si podemos contar una historia a través de nuestros estampados y crear una pieza especial para el cliente, creamos una conexión y mantenemos viva la historia de nuestro linaje».
La cultura es un recurso vital
Louie Gong: Miembro de la tribu Nooksack de herencia mixta; artista y fundador de Eighth Generation en Seattle, Washington. En noviembre de 2019, Louie vendió Eighth Generation a la tribu Snoqualmie. Sigue siendo director general en virtud de un acuerdo de varios años.
La sostenibilidad no es solo la conservación del medio ambiente. «Siempre hablo del arte cultural como de un recurso natural», dice el diseñador nativo americano (Nooksack) Louie Gong. «Tenemos que ser administradores de ese recurso nutriéndolo. Si seguimos cogiendo sin administrarlo, al final lo destruimos».
Gong cree que la falta de respeto y protección del arte nativo es una de las razones por las que algunas artes culturales están desapareciendo. Cuando las empresas venden productos «inspirados en los nativos» sin trabajar realmente con los artistas nativos, es una pérdida para todos. «Cada obra de arte falsa tiene una historia falsa que la acompaña. Y cada producto falso representa una oportunidad perdida para un artista cultural. La empresa de Gong, Eighth Generation, tiene la misión de cambiar esta situación: crear oportunidades económicas para los artistas indígenas y ofrecer productos auténticos a los consumidores. «Nos hemos comprometido a trabajar siempre con un artista indígena cuando pongamos arte indígena en los productos», explica Gong. «Los artistas reciben una remuneración y, si lo necesitan, les proporcionamos el desarrollo de su capacidad empresarial».
Cuando se celebran las artes culturales en lugar de apropiarse de ellas, todos ganan: Los consumidores reciben productos auténticos, los artistas reciben una compensación justa y las empresas y comunidades relacionadas también se benefician. «Colaborar con un artista indígena no sólo beneficia al artista individual», dice Gong. «Si eliges a un artista comprometido con la comunidad, tomará las habilidades que ha aprendido y las amplificará».
Gong reconoce que el valor se extiende mucho más allá de lo que las cuentas de resultados pueden contabilizar. «Hay más divisas que perseguir que el dinero. La educación y las oportunidades a largo plazo para personas como nosotros son otras monedas que perseguimos.»
Este enfoque holístico, consciente y orientado a la comunidad, arraigado en su herencia, está demostrando ser también un buen negocio: Eighth Generation es la empresa nativa de propiedad privada que más rápido crece en Norteamérica.
Entiende tu interconexión
Amanda Westley: Artista aborigen ngarrindjeri de Middleton, Australia del Sur, y colaboradora de múltiples marcas, como Life Apparel Co, Lifewearau y Aya Optical.
La artista ngarrindjerri Amanda Westley creció en una granja a pocos kilómetros de la ciudad costera de Victor Harbor. Su obra contemporánea de puntos aborígenes refleja su cultura y su entorno natural. «Mi familia es una de las más antiguas de la costa sur», dice. «Mi padre era constructor de barcos, así que el agua y el océano siempre han sido una parte importante de mi vida».
Las pinturas de puntos de Westley suelen estar hechas con colores vibrantes inspirados en su educación costera. «Mi arte representa la importancia del campo», dice.
Country es un término kriol que, según el libro Welcome to Country de Marcia Langton, se refiere a las propiedades tradicionales de los aborígenes heredadas de sus antepasados. Significa mucho más que tierra y suelo. «Veo el país como una madre», explica Westley. «Cuando hablamos del país, lo hacemos como si fuera una persona. No es sólo la tierra; son las rocas, el cielo, el agua y todos los seres vivos».
El arte de Westley -que ahora aparece en ropa y accesorios para varias marcas- sirve para recordar nuestra interconexión y nuestra responsabilidad con la gente y el planeta. «Mi arte crea una conexión entre el país y la gente. Una vez establecido ese vínculo, la gente ve la importancia de cuidar el país», dice. «El país es una conexión. Nosotros lo cuidamos y él nos cuida a nosotros».
Encuentra la innovación en la tradición
Olga Reiche: Guatemalteca de ascendencia alemana y queqchí; artesana de tintes naturales y tejedora en Indigo Custom Textile en Antigua, Guatemala.
Desde hace más de 35 años, Olga Reiche trabaja con artesanos indígenas y cooperativas textiles en Guatemala. Teme que la constante necesidad de «novedades» en la industria de la moda esté creando un exceso de residuos y acabando con la artesanía tradicional. «Guatemala siempre ha sido conocida por sus hermosos, intrincados y sofisticados tejidos hechos a mano», dice. «Pero eso se está perdiendo rápidamente».
Reiche pretende tender un puente entre los artesanos textiles indígenas y los consumidores que aprecian las artes tradicionales. Ofrece orientación sobre el desarrollo y la comercialización de los productos -incluso ha viajado con algunos artesanos al Mercado Internacional de Arte Popular de Santa Fe durante los últimos siete años- al tiempo que desarrolla sus propios conocimientos, habilidades y productos.
Reiche ve el valor -y el futuro- en las técnicas tradicionales, como el tejido en telar de cintura y los tintes naturales. «Doy un enfoque tradicional a mis diseños», dice, «utilizando sólo tejidos, bordados, teñidos y cosidos a mano» para crear productos de alta calidad y auténticamente artesanales. También aplica las técnicas de tejido autóctonas y su ojo para el diseño a los residuos reciclados, creando bolsos, zapatos y otros accesorios reciclados.
Espera que otros diseñadores encuentren también el ingenio en la tradición autóctona. «Se pueden hacer diseños innovadores sin alterar la tradición», explica. «Al contrario, los conocimientos textiles tradicionales son muy inspiradores».
La Madre Tierra merece el esfuerzo
Andréanne Mulaire Dandeneau: Métis de ascendencia anishinaabe y francesa; diseñadora y creadora de Anne Mulaire en Winnipeg, Manitoba.
Un enfoque ecológico siempre ha formado parte del plan empresarial de la diseñadora métis francesa Andréanne Mulaire Dandeneau. La compasión por el planeta forma parte de su identidad y su misión. «Me criaron con mucha conciencia ecológica», dice de su educación mestiza francesa. «Los pueblos indígenas tienen una fuerte conexión con la tierra. Está integrado en lo que somos».
Por eso, cuando se propuso diseñar su propia línea, Dandeneau puso su corazón por el planeta y el orgullo por su herencia en primer plano: se abasteció diligentemente de hilo ecológico procedente de granjas libres de esclavos y contrató a tejedores y tintoreros de Canadá para producir los tejidos de bambú antes de añadir diseños indígenas bordados y gráficos creados por ella y su padre. El resultado: prendas listas para usar que son suaves y duraderas, únicas y versátiles, y respetuosas con las personas y el planeta.
Dandeneau admite que el camino que ha elegido no siempre es fácil ni barato. Pero merece la pena. Y es posible que todo el mundo empiece a hacer pequeños cambios que también pueden suponer una gran diferencia. «Siempre me aseguraré de cuidar a la Madre Tierra», dice. «No todo son beneficios. Piensa en lo que consumes y desperdicias. Compre menos, pero mejor. Compre localmente y apoye a la gente de su entorno. Sé consciente y creativo. Encuentra pequeñas formas de ser más sostenible. Sí, nos queda un largo camino por recorrer, pero si todo el mundo da un pequeño paso, es un gran cambio en la dirección correcta»
Tómate tu tiempo y trata a tu equipo como a una familia
Lisa Folawiyo: Diseñadora nigeriana y antillana, fundadora del grupo Jewel by Lisa en Lagos, Nigeria.
Cuando Lisa Folawiyo unió los tejidos tradicionales de África Occidental con los adornos a mano y la sastrería moderna, el mundo de la moda y el espectáculo -incluida la cantante Solange Knowles y la actriz Lupita Nyong’o, a las que se ha visto lucir los diseños de Folawiyo- se fijó en ella. Folawiyo fue la primera diseñadora en adornar a mano el Ankara, un atrevido y colorido tejido con estampado de cera.
«La marca Lisa Folawiyo se centra en el adorno a mano», dice. «Algunas prendas de las colecciones están bordadas a mano por artesanos. Cada temporada me inspiro en diferentes culturas de Nigeria y en mis viajes personales.»
Cada pieza cuidadosamente elaborada transmite una historia de herencia y trabajo duro. De media, hay un proceso de 240 horas detrás de cada artículo adornado a mano. «Este método artesanal ha contribuido al crecimiento de la marca», explica Folawiyo, «y a que siga apostando por una producción más lenta y funcional».
Folawiyo aplica a su negocio el mismo cuidado e integridad que a sus diseños. «La marca Lisa Folawiyo imbuye un sentido de familia, incluso en el trabajo», dice. «El personal no sólo recibe una remuneración superior al salario mínimo, sino que recibe formación y desarrollo constantes en sus habilidades, y apoyo en las áreas personales y profesionales de su vida. Trabajan en entornos limpios e higiénicos y reciben bonificaciones, atención médica y asistencia cuando la necesitan. Además, la marca colabora con Genesis House, una organización benéfica que ayuda a rehabilitar a las mujeres para que vuelvan a la sociedad y al empleo»
Conecta los puntos
Brandy-Alia Serikaku: Artista nativa hawaiana y colaboradora de OluKai en Hilo, Hawai.
La conexión de la artista nativa hawaiana y bailarina de hula Brandy-Alia Serikaku con la ‘aina (tierra) es evidente en su trabajo con OluKai, donde sus diseños inspirados en la naturaleza aparecen en el calzado ecológico. «Mis diseños reflejan mi entorno hawaiano», afirma.
Su proceso, de principio a fin, está influenciado por su herencia hawaiana. «Siempre rezo una oración antes de diseñar», explica Serikaku. «Salgo a la naturaleza y veo la flor o la planta y creo una experiencia de primera mano para dibujar. Pongo amor en mi trabajo para que se convierta en una verdadera extensión de mí».
La denominación de los productos es igualmente importante para ella. «Utilizo la lengua hawaiana para nombrar mis diseños, dentro de sus capas de significados, me aseguro de que la intención de mi arte perdure eligiendo palabras con un efecto positivo. Ser consciente de la intención, las acciones y las palabras, y mantener el equilibrio en la naturaleza es una práctica hawaiana.»
Al crear diseños a partir del mundo natural que la rodea y seleccionar cuidadosamente los nombres hawaianos que tienen un significado cultural, conecta los puntos entre la tierra, su herencia, el producto y el consumidor, perpetuando al mismo tiempo la cultura hawaiana, cultivando la curiosidad y la compasión, y reforzando nuestra conexión y responsabilidad con los demás y con la tierra que pisamos.
Tienes lo que necesitas
Bethlehem Tilahun Alemu: Fundadora etíope y directora general de soleRebels en Addis Abeba, Etiopía.
Creciendo en la comunidad de Zenebework/Total, una zona empobrecida de Addis Abeba, Etiopía, Bethlehem Tilahun Alemu fue testigo del impacto negativo de la caridad controlada desde el exterior y de la imagen que los medios de comunicación ofrecen de los etíopes como «receptores indefensos y pasivos de ayuda». También vio la notable artesanía, los materiales naturales, el rico patrimonio y el gran potencial de su comunidad y su país. Para Alemu, la apreciación de las tradiciones artesanales comenzó en casa, donde aprendió de su madre a hilar algodón a mano.
«En mi comunidad había mucha gente con talento, pero había pocas oportunidades de trabajo», dice. «Eso me pareció una inmensa tragedia y a la vez una oportunidad». Además de las habilidades creativas, Etiopía cuenta con abundantes recursos naturales como el cuero de granja, el algodón orgánico, el yute y el cáñamo de Abisinia. Y una mentalidad para aprovechar al máximo lo que tiene. «Barabasso y selate -zapatos con suela de neumático reciclado- estaban por todas partes»
Alemu se inspiró en su cultura y su comunidad para crear soleRebels, el primer calzado totalmente hilado y tejido a mano. No se dedica sólo a vender zapatos; su objetivo siempre ha sido potenciar a los artesanos locales y crear oportunidades económicas arraigadas en el patrimonio cultural y las prácticas ecológicas para cambiar la narrativa del «mito del alivio de la pobreza» a la esperanza de una «creación de prosperidad» más sostenible.
«Existe una creencia distorsionada pero poderosa aquí y en toda África de que si quieres tener éxito, tienes que salir y marcharte, especialmente al oeste», explica. «Pero, ¿debería alguien realmente tener que dejar su país y su familia para sobrevivir o tener éxito?». Alemu se dio cuenta de que existía una gran riqueza de recursos naturales y culturales más cerca de casa y, con soleRebels, ha demostrado que «es posible desplegar recursos locales y crear una marca global. Es posible ser una persona local en Etiopía y África, y tener éxito a nivel mundial»
Ser consciente siempre está de moda
Jamie Okuma: Nativa americana de ascendencia Luiseño y Shoshone-Bannock; diseñadora de moda y creadora de Jamie Okuma en la reserva india de La Jolla en California.
Para la diseñadora nativa americana Jamie Okuma, la sostenibilidad es algo natural. Se crió en la reserva india de La Jolla y todavía vive allí con su marido y sus dos hijos. Desde los materiales ecológicos que utiliza hasta las imágenes que crea, Okuma toma decisiones conscientes guiadas por su herencia y su educación.
«Todo mi trabajo se basa en la tradición», dice. «Por ejemplo, se utilizan todas las partes del ciervo o del búfalo. Así que intento utilizar todo lo posible en mi trabajo -con mi arte, los suministros, la tela- y no desperdiciar. Incluso guardo los retales y les encuentro usos».
Okuma también produce un número limitado de piezas, evitando el exceso de existencias y ofreciendo a los clientes algo atrevido y único, pero a la vez intemporal y de alta calidad. «Todos tenemos esas prendas imprescindibles en nuestro armario que guardamos durante años y que, literalmente, se agotan antes de que las jubilemos», dice. «Yo estoy aquí para hacer las prendas que se usan, las que se conservan.»
Antes del lanzamiento de su última colección, envió una nota a sus suscriptores reafirmando su compromiso con la moda sostenible e instando a la gente a considerar que las malas condiciones de trabajo y los tejidos de baja calidad e insostenibles suelen estar detrás de la moda rápida y la ropa barata.
«La moda lenta es ética», escribió. «No quería hacer prendas de moda que estuvieran de moda una temporada y no la otra. Son piezas básicas coleccionables pensadas para ser usadas durante años… están pensadas para que te sientas bien sabiendo que esta colección se ha creado pensando en lo mejor para todos»
Imagen principal, de izquierda a derecha: Brittney Couture Photography/Louis Gong; Jamie Okuma/Jared Yazzie de OXDX; Lisa Folawiyo.