Passei muito tempo a pensar em teatro musical durante estas férias, especialmente quando a nossa década actual se aproxima do seu fim. Como amante de teatro musical durante uma década, e que vai durar a vida inteira, muitas vezes me pego ruminando em produções que vi no passado. Recentemente tenho reconsiderado a produção em turnê de “Anastasia” que vi quando passou por São Francisco em setembro de 2019; a turnê está atualmente em Toronto, a propósito, se alguém precisar de uma pausa do atual teatro político americano. Eu senti alguma dissonância cognitiva quando vi o espetáculo, e essa sensação germinou com o tempo. Antes eu admirava a produção da Broadway (que eu talvez tenha espiado acidentalmente ao assistir a uma gravação agora inexistente no YouTube). A atual produção em turnê, no entanto, não sustenta totalmente o mérito estilístico de sua antecessora Broadway. Talvez as minhas andanças online me tenham convencido a acreditar que a produção original da Broadway era melhor do que realmente era, mas eu escolho acreditar na primeira.
Em “Anastasia” a musical, protagonista Anya, que sofre de amnésia, encontra uma caixa de música que a sua avó lhe tinha presenteado muitos anos antes. Esta caixa de música ajuda Anya a desembaraçar-se e a recuperar as suas memórias perdidas. Na produção da Broadway, Anya destrava a caixa de música enrolando-a duas vezes e depois clicando num cadeado secreto. A produção da turnê literalmente carece do clique extra sempre que a caixa de música é aberta com sucesso. Embora este detalhe não seja evidente nem necessário, o clique extra imbui a já enigmática caixa de música com apenas um pouco mais de magia. Esta pequena discrepância encarna perfeitamente as minhas dúvidas com a digressão “Anastasia”. Embora a produção da turnê seja bela e divertida por si só, alguns aspectos da produção carecem do clique extra, ou centelha de magia, que a encenação da Broadway continha. Isso se refere especialmente a algumas escolhas de atuação pouco brilhantes feitas no primeiro ato. O valor da produção da turnê “Anastasia” teria sido muito valorizado se ela tivesse apresentado detalhes mais matizados que estavam claramente dentro do reino da possibilidade estética do musical.
O musical de palco “Anastasia” estreou na Broadway em 2016 com um livro de Terrence McNally e música de Lynn Ahrens e Stephen Flaherty. É baseado no filme de animação com o mesmo nome, de 1997. Tal como o filme, a narrativa do musical é inspirada na lenda da Grã-Duquesa Anastasia. A lenda caracteriza Anastasia como a única princesa Romanov que pode ter escapado à execução de sua família, tornando os laços de Anastasia com a Rússia Imperial uma potencial ameaça ao controle soviético. Como pretendido, a narrativa e o estilo do musical de palco é mais madura do que o filme, apresentando novas canções, um desenvolvimento mais profundo do personagem e um general bolchevique mais verdadeiro como o principal antagonista, em vez do filme retratado magicamente como Rasputin.
O maior sucesso do musical cênico é de fato a sua música. Embora contemporânea, suas melodias cheias de nostalgia sentem-se enraizadas na história, na tradição e na reverência cultural. A colecção de canções está insolubilamente interligada, mas apresenta uma série de estilos musicais. À noite, a luxuosa orquestra produz valsas, canções solo apaixonadas, números de dança de grandes bandas e hinos arrebatadores. Como amado pelos fãs do filme, o musical de palco mantém canções tão icônicas como “Once Upon a December”, “Journey to the Past” e “Paris Holds the Key”. No entanto, o musical agora apresenta novas canções de destaque, incluindo “In My Dreams”, “My Petersburg” e “Quartet at the Ballet”. Um dos melhores e mais subvalorizados momentos musicais é o assombroso “Stay, I Pray You”, no qual Anya (Lila Coogan), seus novos amigos Dmitry (Stephen Browner) e Vlad (Edward Staudenmayer) e outros viajantes estrangeiros aproveitam um momento para apreciar sua terra natal antes de embarcar em um trem de ida para Paris. Este devaneio musical é liderado pelo Conde Ipolitov (Brad Greer), que sem dúvida rouba o primeiro ato com seu barítono cristalino, classicamente treinado e cheio de emoções, embora ele não seja apresentado em nenhum outro ponto do musical.
Similar a “Stay, I Pray You”, “Quartet at the Ballet” é também uma cena musicalizada pouco apreciada. É um sucesso devido às performances vocais emocionalmente carregadas e às impressionantes exibições de proezas de dança clássica. Narrações contundentes, um medley de músicas repreendidas e uma ironia dramática cativante tornam o número particularmente clímax, especialmente porque Anya, Dmitry, a avó de Anya, a Imperatriz Viúva (Joy Franz) e o perseguidor soviético de Anya, Gleb (Jason Michael Evans) estão todos localizados no mesmo local pela primeira vez. Além disso, “Quarteto no Ballet” apresenta um interlúdio de ballet de nível profissional que lembra “Lago dos Cisnes”, no qual o solista principal executa 16 fouettés. A inclusão de interlúdios de ballet clássico no teatro musical já foi há muito desconvencionada, por isso é excitante ver este tipo de sequência reintegrada numa iteração contemporânea da forma. No entanto, “Quarteto no Ballet” também oferece um exemplo de uma das falhas da digressão. No ballet, dois dançarinos de igual estatura para o cisne e um dançarino negro foram escolhidos como os vilões dos dois. Esta decisão parece especialmente carregada, uma vez que a produção carece enormemente de intérpretes de cor e todos os personagens de estrelas são interpretados por um ator branco. Esta escolha de elenco perpetua sentimentos e histórias prejudiciais e pode até ser interpretada como uma micro-agressão em nome da equipe de elenco.
Desse modo, a Condessa Lily (Tari Kelly) é impecavelmente elenco e rouba facilmente o segundo ato. Em seu primeiro grande número, “Land of Yesterday”, Kelly dança energeticamente e cinturão poderoso a canção, mas nunca parece estar sem fôlego. Seu desempenho infalível é especialmente impressionante dada a sua idade avançada, que ela usa inteligentemente como ímpeto para sua comédia. Em “The Countess and the Common Man”, Kelly e Staudenmayer fazem hilariantes um dueto de amor que um casal mais jovem não teria problemas em interpretar, mas o aprimoramento tático das incapacidades físicas de Kelly e Staudenmayer deixa a platéia com gargalhadas.
Embora a interpretação de Kelly de Lily satisfaça totalmente, alguns outros personagens principais não evocam tanto interesse quanto seus pares originais da Broadway. Jason Michael Evans como Gleb faz vários solos vocais impressionantes, e seu tom e estilo é quase idêntico ao do originador de Gleb, Ramin Karimloo. No início, Evans escolhe habilmente encontrar o impacto na quietude. No entanto, essa tática não envelhece bem durante a performance e a escolha repetida de Evans de ficar estagnado enquanto canta é decepcionante. Seu personagem experimenta um crescimento intenso ao longo da noite, mas essas mudanças internas não são tão evidentes quanto poderiam ter sido em seus solilóquios. Inversamente, Edward Staudenmayer como Vlad é consistentemente interessante, mas ele é atormentado por uma dicção confusa e um impulso ocasional para usar uma voz de ópera pateta que recolhe gargalhadas baratas. Estes dois pontos de fraqueza técnica distraem dos aspectos verdadeiramente engraçados e inteligentes da sua performance de representação.
Funlike Evans e Staudenmayer, que exibem os mesmos pontos fortes e fracos durante toda a noite, Stephen Brower e Lila Coogan (retratando Dmitry e Anya respectivamente) parecem sofrer uma intervenção durante o intervalo, após o que suas performances são marcadamente melhoradas. Quando ambos os personagens estão singularmente motivados a deixar a Rússia no primeiro acto, Brower e Coogan jogam acções semelhantes que resultam em alguma flatness. Mas quando a história viaja para Paris, ambos os actores encontram novas profundezas de sentimento e simpatia nas suas personagens. Quem me dera que não fosse este o caso, especialmente para o arco narrativo de Anya.
A franquia “Anastasia” ganhou notoriedade por ser claramente mais feminista do que as suas contrapartes que se centram em mulheres em torno de histórias românticas. Anya, ao contrário de muitas princesas ficcionadas, não é aquela que precisa ser salva. Ela é dura e não está disposta a sacrificar seus objetivos pessoais. Anya não procura ter poder, mas sim poder para lutar por sua própria auto-realização. Mas, infelizmente, Anya de Coogan aterrissa como uma wafty e assustada, em vez de desafiadora. E essas atitudes estão mais presentes quando Anya precisa elevar e acrescentar fogo à história enquanto navega por uma Rússia monótona e repressiva. Embora a Anya de Coogan descubra enormemente seu poder e voz até o final da história, Anya deve estar imbuída de mais força ao longo de toda a história. Independentemente disso, a voz clara de Coogan, a transformação de Pygmalion e otimismo de olhos brilhantes inspirarão tanto crianças quanto adultos.
Aparte as performances individuais, os números de grupo visualmente apelativos espalhados pela peça proporcionam momentos de beleza e queijo que só o género musical teatral poderia proporcionar. O glamoroso waltzing em “Once Upon a December” destaca especialmente o design de fantasias eduardianas de Linda Cho, que é esperado estilisticamente e desejado para um espectáculo deste tipo. Em outras canções como “Paris Holds the Key”, o conjunto sobe as saias para participar de uma seqüência de festa de 1920 com várias variações de Charleston, rodas de carro, mãos de jazz e cortes de cabelo totalmente modernos. Este número define perfeitamente o tom para um segundo acto mais colorido, caloroso e prazeroso.
“Paris Holds the Key” é bem apoiado por um dos elementos de design mais consistentemente bem sucedidos do musical: as suas projecções zestful e sempre em mudança. As projeções do designer Aaron Rhyne são comparadas à atração icônica da Disneyland, Soarin’, que é uma simulação de vôo. Rhyne surrealisticamente voa para cima e à volta de Paris e da Rússia, dá vida aos fantasmas, mapeia a viagem do nosso protagonista e muito mais. As projeções atingem seu pico interativo durante “We’ll Go From There”, quando Anya, Dmitry e Vlad estão guardados em um trem para fora da Rússia. Como cada uma das três personagens impulsiona o movimento do trem com recursos musicais saltitantes, cujas melodias se cruzam de forma emocionante, as projeções de fundo mudam em conjunto com as rotações e torções do trem físico em que as personagens andam. É um pouco de fumaça teatral e espelhos, tecnologicamente atualizado para o nosso tempo.
Overall, “Anastasia” é uma jóia musical. Meu coração incha de calor e promessa sempre que penso nisso, o visual é deslumbrante e a música está presa na minha cabeça desde setembro. Os espectadores deixam o teatro tendo interiorizado as noções de que “você não pode ser ninguém a menos que você primeiro se reconheça”, como a Imperatriz Viúva instrui, e que “nunca é tarde demais para voltar para casa”, como Anya aprende. Embora eu desejasse que alguns personagens principais fossem retratados de forma mais complexa, a empresa em geral entrega.
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