Am petrecut mult timp gândindu-mă la teatrul muzical în această vacanță de sărbători, mai ales că actualul nostru deceniu se apropie de sfârșit. În calitate de iubitor de teatru muzical de un deceniu și, în viitor, de o viață întreagă, mă surprind adesea rumegând la producțiile pe care le-am văzut în trecut. Recent, m-am gândit din nou la producția itinerantă a spectacolului „Anastasia” pe care am văzut-o când a trecut prin San Francisco în septembrie 2019; apropo, turneul se află în prezent la Toronto, dacă cineva are nevoie de o pauză de la teatrul politic actual al Americii. Am simțit o oarecare disonanță cognitivă când am văzut spectacolul, iar acest sentiment a germinat în timp. Am admirat anterior producția de pe Broadway (pe care este posibil să o fi spionat din greșeală prin vizionarea unei înregistrări piratate de pe YouTube, acum inexistentă). Cu toate acestea, actuala producție în turneu nu susține pe deplin meritul stilistic al predecesorului său de pe Broadway. Poate că rătăcirile mele online m-au făcut să cred că producția originală de pe Broadway a fost mai bună decât a fost în realitate, dar eu aleg să cred prima variantă.
În musicalul „Anastasia”, protagonista Anya, care suferă de amnezie, se întâlnește cu o cutie muzicală pe care bunica ei i-o dăruise cu mulți ani înainte. Această cutie muzicală o ajută pe Anya să-și descâlcească și să-și recupereze amintirile pierdute. În producția de pe Broadway, Anya deblochează cutia muzicală înfășurând-o de două ori și apoi făcând clic pe un zăvor secret. În producția în turneu lipsește literalmente acest clic suplimentar ori de câte ori cutia muzicală este deschisă cu succes. Deși acest detaliu nu este nici evident, nici necesar, clicul suplimentar conferă cutiei muzicale deja enigmatice un plus de magie. Această mică discrepanță întruchipează perfect problemele mele cu turneul „Anastasia”. Deși producția din turneu este frumoasă și amuzantă în sine, unele aspecte ale producției nu au acel „click” în plus, sau acea scânteie de magie, pe care o conținea montarea de pe Broadway. Acest lucru se referă în special la unele alegeri actoricești lipsite de strălucire făcute în primul act. Valoarea producției turneului „Anastasia” ar fi fost mult îmbunătățită dacă ar fi prezentat mai multe detalii nuanțate care se aflau în mod clar în sfera de posibilități estetice ale musicalului.
Muzicalul de teatru „Anastasia” a avut premiera pe Broadway în 2016, cu o carte de Terrence McNally și muzică de Lynn Ahrens și Stephen Flaherty. Este bazat pe filmul de animație cu același nume din 1997. La fel ca filmul, narațiunea musicalului este inspirată de legenda Marii Ducese Anastasia. Legenda o caracterizează pe Anastasia ca fiind singura prințesă Romanov care ar fi putut scăpa de execuția familiei sale, ceea ce face ca legăturile Anastasiei cu Rusia imperială să fie o potențială amenințare la adresa controlului sovietic. Așa cum s-a dorit, narațiunea și stilul muzicalului de scenă este mai matur decât cel al filmului, prezentând cântece noi, o dezvoltare mai profundă a personajelor și un general bolșevic mai realist ca antagonist principal în locul lui Rasputin, portretizat magic în film.
Cel mai mare succes al musicalului de scenă este, într-adevăr, muzica sa. Deși contemporane, melodiile sale pline de nostalgie se simt înrădăcinate în istorie, tradiție și reverență culturală. Colecția de cântece sunt interconectate în mod insolubil, dar prezintă o multitudine de stiluri muzicale. În cadrul serii, orchestra somptuoasă produce valsuri, cântece solistice pasionale, numere de dans de big band și imnuri impunătoare. La fel de îndrăgit de fanii filmului, musicalul de scenă păstrează melodii iconice precum „Once Upon a December”, „Journey to the Past” și „Paris Holds the Key”. Cu toate acestea, musicalul prezintă acum noi cântece remarcabile, inclusiv „In My Dreams”, „My Petersburg” și „Quartet at the Ballet”. Unul dintre cele mai bune și mai puțin apreciate momente muzicale este obsedantul „Stay, I Pray You”, în care Anya (Lila Coogan), noii ei prieteni Dmitry (Stephen Browner) și Vlad (Edward Staudenmayer) și alți călători străini iau un moment pentru a-și aprecia țara natală înainte de a se urca într-un tren cu sens unic spre Paris. Această reverie muzicală este condusă de Contele Ipolitov (Brad Greer), care, fără îndoială, fură primul act cu baritonul său cristalin, cu pregătire clasică și plin de emoție, chiar dacă nu apare în niciun alt moment al musicalului.
Similar cu „Rămâi, te rog”, „Quartet la balet” este, de asemenea, o scenă muzicalizată subapreciată. Are succes datorită interpretărilor vocale încărcate de emoție și a demonstrațiilor impresionante de măiestrie în materie de dans clasic. Narațiunile contradictorii, un potpuriu de melodii reluate și ironia dramatică captivantă fac ca acest număr să fie deosebit de culminant, mai ales că Anya, Dmitry, bunica Anyei, Împărăteasa Dowager (Joy Franz) și urmăritorul sovietic al Anyei, Gleb (Jason Michael Evans), se află pentru prima dată în aceeași locație. În plus, „Quartet at the Ballet” prezintă un interludiu de balet de nivel profesional care amintește de „Lacul lebedelor”, în care solistul principal execută victorios 16 fouettés. Includerea interludiilor de balet clasic în teatrul muzical a fost demult deconvenționalizată, așa că este interesant să vezi acest tip de secvență reintrodusă într-o iterație contemporană a formei. Cu toate acestea, „Quartet at the Ballet” oferă, de asemenea, un exemplu al unuia dintre eșecurile turneului. În balet, doi dansatori de sex masculin de statură egală își dispută lebăda, iar un dansator de culoare a fost distribuit ca fiind cel mai rău dintre cei doi. Această decizie se simte cu atât mai mult cu cât în producție lipsesc enorm de mult artiștii de culoare și fiecare personaj-vedetă este interpretat de un actor alb. Această alegere de distribuție perpetuează sentimente și istorii dăunătoare și ar putea fi interpretată chiar ca o micro-agresiune din partea echipei de distribuție.
În ciuda baletului, contesa Lily (Tari Kelly) este distribuită impecabil și fură cu ușurință actul al doilea. În primul ei număr mare, „Land of Yesterday”, Kelly dansează energic și cântă cu putere melodia, dar nu pare niciodată fără suflu. Performanța ei neclintită este deosebit de impresionantă având în vedere vârsta ei înaintată, pe care o folosește în mod inteligent ca imbold pentru comedia sa. În „The Countess and the Common Man”, Kelly și Staudenmayer interpretează în mod hilar un duet de dragoste pe care un cuplu mai tânăr nu ar avea nicio problemă să îl interpreteze, dar punerea în valoare cu tact a incapacităților fizice ale lui Kelly și Staudenmayer lasă publicul să chicotească vertiginos.
Chiar dacă interpretarea lui Kelly a lui Lily satisface pe deplin, alte câteva personaje principale nu evocă la fel de mult interes ca omologii lor originali de pe Broadway. Jason Michael Evans în rolul lui Gleb interpretează mai multe solo-uri uimitoare din punct de vedere vocal, iar tonul și stilul său sunt aproape identice cu cele ale creatorului lui Gleb, Ramin Karimloo. La început, Evans alege cu măiestrie să găsească impactul în nemișcare. Totuși, această tactică nu îmbătrânește bine pe parcursul spectacolului, iar alegerea repetată a lui Evans de a stagna în timp ce cântă este dezamăgitoare. Personajul său cunoaște o creștere intensă pe parcursul serii, dar aceste schimbări interne nu sunt atât de evidente pe cât ar fi putut fi în cadrul solilocviilor sale. În schimb, Edward Staudenmayer, în rolul lui Vlad, este constant interesant, dar este afectat de o dicție dezordonată și de un impuls ocazional de a folosi o voce de operă prostească care adună râsete ieftine. Aceste două puncte de slăbiciune tehnică distrag atenția de la aspectele cu adevărat amuzante și inteligente ale prestației sale actoricești.
Spre deosebire de Evans și Staudenmayer, care prezintă aceleași puncte forte și puncte slabe pe tot parcursul serii, Stephen Brower și Lila Coogan (care îi interpretează pe Dmitry și, respectiv, Anya) par să fie supuși unei intervenții în timpul pauzei, după care performanțele lor se îmbunătățesc considerabil. Atunci când ambele personaje sunt motivate în mod singular să părăsească Rusia în primul act, Brower și Coogan interpretează acțiuni similare, ceea ce duce la o oarecare platitudine. Dar odată ce povestea se deplasează la Paris, ambii actori găsesc noi profunzimi de sentimente și simpatie în personajele lor. Mi-aș fi dorit ca acest lucru să nu fie așa, mai ales pentru arcul narativ al Anyei.
Franciza „Anastasia” a căpătat notorietate pentru că este în mod flagrant mai feministă decât omologii săi care centrează femeile protagoniste în jurul unor povești axate pe romantism. Anya, spre deosebire de multe prințese ficționale, nu este una care trebuie salvată. Ea este dură și nu este dispusă să își sacrifice obiectivele personale. Anya nu caută să fie împuternicită, ci mai degrabă este împuternicită să lupte pentru propria realizare personală. Dar, din păcate, Anya lui Coogan aterizează ca fiind mai degrabă valahă și speriată decât sfidătoare. Iar aceste atitudini sunt prezente cel mai mult atunci când Anya trebuie să se înalțe și să adauge foc poveștii în timp ce navighează într-o Rusie plictisitoare și represivă. Deși Anya lui Coogan își descoperă enorm de mult puterea și vocea până la finalul poveștii, Anya ar trebui să fie impregnată de mai multă forță pe tot parcursul poveștii. Cu toate acestea, vocea clară a lui Coogan, transformarea asemănătoare cu cea a lui Pygmalion și optimismul cu ochi strălucitori îi vor inspira atât pe copii, cât și pe adulți.
Lăsând la o parte performanțele individuale, numerele de grup atractive din punct de vedere vizual, împrăștiate de-a lungul piesei, oferă momente binevenite de frumusețe și cașcaval pe care numai genul teatrului muzical le poate oferi. Valsurile pline de farmec din „Once Upon a December” evidențiază în special designul costumelor edwardiene adecvate perioadei, realizat de Linda Cho, care este atât de așteptat din punct de vedere stilistic, cât și de dorit pentru un spectacol de acest tip. În alte cântece, cum ar fi „Paris Holds the Key”, ansamblul își ridică fustele pentru a participa la o secvență de petrecere chintesențială din anii 1920, cu multiple variațiuni de Charleston, roți de cărucior, mâini de jazz și tunsori cu freze foarte moderne. Acest număr dă perfect tonul pentru un act al doilea mai colorat, mai înduioșător și mai plăcut.
„Paris Holds the Key” este bine susținut de unul dintre cele mai reușite elemente de design ale muzicalului: proiecțiile zburdalnice și în continuă schimbare. Proiecțiile designerului Aaron Rhyne sunt comparative cu atracția iconică de simulare a zborului de la Disneyland, Soarin’. Rhyne zboară în mod suprarealist publicul deasupra și în jurul Parisului și Rusiei, dă viață fantomelor, trasează hărțile călătoriei protagonistului nostru și multe altele. Proiecțiile ating apogeul interactiv în timpul piesei „We’ll Go From There”, când Anya, Dmitri și Vlad se află într-un tren care pleacă din Rusia. Pe măsură ce fiecare dintre cele trei personaje propulsează mișcarea trenului cu caracteristici muzicale săltărețe, ale căror melodii se intersectează în mod incitant, proiecțiile de fundal se schimbă în tandem cu rotirile și răsucirile trenului fizic în care călătoresc personajele. Este o bucată entuziasmantă de fum și oglinzi teatrale, actualizată tehnologic pentru vremurile noastre.
În ansamblu, „Anastasia” este o bijuterie muzicală. Inima mi se umflă de căldură și promisiuni ori de câte ori mă gândesc la ea, elementele vizuale sunt uimitoare, iar muzica mi-a rămas întipărită în cap din septembrie. Spectatorii părăsesc sala de teatru după ce au internalizat noțiunile că „nu poți fi nimeni dacă nu te recunoști mai întâi pe tine însuți”, după cum ne instruiește Împărăteasa Dowager, și că „nu este niciodată prea târziu să te întorci acasă”, după cum învață Anya. Deși mi-aș fi dorit ca unele personaje principale să fie portretizate mai complex, compania în general livrează.
Contactați-o pe Chloe Wintersteen la chloe20 ‘at’ stanford.edu.
.