He pasado mucho tiempo pensando en el teatro musical durante estas vacaciones, especialmente cuando nuestra década actual se acerca a su fin. Como amante del teatro musical durante una década, y lo será toda la vida, a menudo me sorprendo rumiando sobre las producciones que vi en el pasado. Recientemente he estado reconsiderando la producción en gira de «Anastasia» que vi cuando pasó por San Francisco en septiembre de 2019; la gira está actualmente en Toronto, por cierto, si alguien necesita un descanso del teatro político actual de Estados Unidos. Sentí cierta disonancia cognitiva cuando vi el espectáculo, y este sentimiento germinó con el tiempo. Anteriormente admiraba la producción de Broadway (que puede que haya espiado accidentalmente viendo una grabación pirata de YouTube ahora inexistente). Sin embargo, la actual producción en gira no mantiene plenamente el mérito estilístico de su predecesora en Broadway. Tal vez mis andanzas por Internet me hicieron creer que la producción original de Broadway era mejor de lo que realmente era, pero elijo creer lo primero.
En el musical «Anastasia», la protagonista Anya, que sufre amnesia, encuentra una caja de música que su abuela le había regalado muchos años antes. Esta caja de música ayuda a Anya a desentrañar y recuperar sus recuerdos perdidos. En la producción de Broadway, Anya abre la caja de música dándole dos vueltas y pulsando un pestillo secreto. La producción en gira carece literalmente del clic adicional cada vez que la caja de música se abre con éxito. Aunque este detalle no es ni evidente ni necesario, el chasquido adicional dota a la ya enigmática caja de música de un poco más de magia. Esta pequeña discrepancia encarna a la perfección mis reparos con la gira de «Anastasia». Aunque la producción de la gira es hermosa y entretenida por derecho propio, algunos aspectos de la producción carecen del clic adicional, o de la chispa de magia, que contenía la puesta en escena de Broadway. Esto se refiere especialmente a algunas decisiones actorales deslucidas en el primer acto. El valor de la producción de la gira de «Anastasia» habría mejorado enormemente si hubiera contado con detalles más matizados que estaban claramente dentro del ámbito de posibilidades estéticas del musical.
El musical teatral «Anastasia» se estrenó en Broadway en 2016 con libro de Terrence McNally y música de Lynn Ahrens y Stephen Flaherty. Está basado en la película de animación de 1997 del mismo nombre. Al igual que la película, la narrativa del musical se inspira en la leyenda de la Gran Duquesa Anastasia. La leyenda caracteriza a Anastasia como la única princesa Romanov que puede haber escapado a la ejecución de su familia, lo que convierte los vínculos de Anastasia con la Rusia Imperial en una amenaza potencial para el control soviético. Tal y como se pretendía, la narrativa y el estilo del musical teatral son más maduros que los de la película, con nuevas canciones, un desarrollo más profundo de los personajes y un general bolchevique más realista como principal antagonista en lugar del Rasputín mágico de la película.
El mayor éxito del musical de teatro es, sin duda, su música. Aunque es contemporánea, sus melodías llenas de nostalgia se sienten arraigadas en la historia, la tradición y la reverencia cultural. La colección de canciones está insolublemente interconectada, pero presenta una gran cantidad de estilos musicales. Durante la velada, la fastuosa orquesta produce valses, apasionadas canciones en solitario, números de baile de la big band e himnos arrolladores. Tal y como adoran los fans de la película, el musical de escenario mantiene canciones icónicas como «Once Upon a December», «Journey to the Past» y «Paris Holds the Key». Sin embargo, el musical presenta ahora nuevas canciones destacadas, como «In My Dreams», «My Petersburg» y «Quartet at the Ballet». Uno de los mejores y más infravalorados momentos musicales es la inquietante «Stay, I Pray You», en la que Anya (Lila Coogan), sus recién descubiertos amigos Dmitry (Stephen Browner) y Vlad (Edward Staudenmayer) y otros viajeros extraños se toman un momento para apreciar su tierra natal antes de subir a un tren de ida a París. Esta ensoñación musical está encabezada por el Conde Ipolitov (Brad Greer), que posiblemente robe el primer acto con su barítono cristalino, de formación clásica y lleno de emoción, aunque no aparezca en ningún otro momento del musical.
Al igual que «Stay, I Pray You», «Quartet at the Ballet» es también una escena musicalizada infravalorada. Su éxito se debe a las interpretaciones vocales cargadas de emoción y a las impresionantes muestras de destreza en la danza clásica. Las narraciones enfrentadas, un popurrí de melodías reeditadas y una cautivadora ironía dramática hacen que el número resulte especialmente culminante, sobre todo porque Anya, Dmitry, la abuela de Anya, la emperatriz viuda (Joy Franz) y el perseguidor soviético de Anya, Gleb (Jason Michael Evans), se encuentran por primera vez en el mismo lugar. Además, «Quartet at the Ballet» presenta un interludio de ballet de nivel profesional que recuerda a «El lago de los cisnes», en el que el solista principal ejecuta victoriosamente 16 fouettés. La inclusión de interludios de ballet clásico en el teatro musical hace tiempo que se desconvencionalizó, por lo que es emocionante ver este tipo de secuencia reinsertada en una iteración contemporánea de la forma. Sin embargo, «Quartet at the Ballet» también ofrece un ejemplo de uno de los fallos de la gira. En el ballet, dos bailarines de igual estatura compiten por el cisne y un bailarín negro fue elegido como el villano de los dos. Esta decisión se siente especialmente cargada, ya que la producción carece enormemente de intérpretes de color y todos los personajes estrella son interpretados por un actor blanco. Esta elección de reparto perpetúa sentimientos e historias perjudiciales e incluso podría interpretarse como una microagresión por parte del equipo de casting.
A diferencia del ballet, la Condesa Lily (Tari Kelly) está impecable y roba fácilmente el segundo acto. En su primer gran número, «Land of Yesterday», Kelly baila con energía y canta con fuerza la canción, pero nunca parece quedarse sin aliento. Su actuación es especialmente impresionante teniendo en cuenta su edad, que utiliza inteligentemente como impulso para su comedia. En «The Countess and the Common Man», Kelly y Staudenmayer interpretan de forma hilarante un dúo de amor que una pareja más joven no tendría ningún problema en realizar, pero la mejora del tacto de las incapacidades físicas de Kelly y Staudenmayer hace que el público se ría de forma vertiginosa.
Aunque la interpretación de Kelly de Lily satisface plenamente, algunos otros personajes principales no evocan tanto interés como sus homólogos originales de Broadway. Jason Michael Evans en el papel de Gleb realiza múltiples solos vocalmente impresionantes, y su tono y estilo son casi idénticos a los del creador de Gleb, Ramin Karimloo. Al principio, Evans opta expertamente por encontrar el impacto en la quietud. Sin embargo, esta táctica no envejece bien a lo largo de la representación y la repetida elección de Evans de quedarse estancado mientras canta es decepcionante. Su personaje experimenta un intenso crecimiento a lo largo de la noche, pero esos cambios internos no son tan evidentes como podrían haber sido dentro de sus soliloquios. A la inversa, Edward Staudenmayer en el papel de Vlad es siempre interesante, pero está plagado de una dicción desordenada y de un impulso ocasional de utilizar una voz operística tonta que recoge risas baratas. Estos dos puntos de debilidad técnica distraen de los aspectos verdaderamente divertidos e inteligentes de su actuación.
A diferencia de Evans y Staudenmayer, que muestran los mismos puntos fuertes y débiles a lo largo de la velada, Stephen Brower y Lila Coogan (que interpretan a Dmitry y Anya respectivamente) parecen someterse a una intervención durante el intermedio, tras la cual sus interpretaciones mejoran notablemente. Cuando ambos personajes están singularmente motivados para abandonar Rusia en el primer acto, Brower y Coogan interpretan acciones similares, lo que resulta algo plano. Pero una vez que la historia viaja a París, ambos actores encuentran nuevas profundidades de sentimiento y simpatía en sus personajes. Me gustaría que este no fuera el caso, especialmente para el arco narrativo de Anya.
La franquicia de «Anastasia» adquirió notoriedad por ser descaradamente más feminista que sus homólogas que centran a las mujeres protagonistas en argumentos románticos. Anya, a diferencia de muchas princesas ficticias, no necesita ser salvada. Es dura y no está dispuesta a sacrificar sus objetivos personales. Anya no busca que la empoderen, sino que la empoderen para luchar por su propia autorrealización. Pero, desgraciadamente, la Anya de Coogan aterriza como una persona despreocupada y asustada en lugar de desafiante. Y estas actitudes están más presentes cuando Anya necesita elevar y añadir fuego a la historia mientras navega por una Rusia aburrida y represiva. Aunque la Anya de Coogan descubre enormemente su poder y su voz al final de la historia, Anya debería estar impregnada de más fuerza en todo momento. En cualquier caso, la voz clara de Coogan, su transformación tipo Pigmalión y su optimismo de ojos brillantes inspirarán a niños y adultos por igual.
Aparte de las interpretaciones individuales, los atractivos números de grupo repartidos por toda la obra proporcionan momentos de belleza y queso que sólo el género del teatro musical podría proporcionar. El glamuroso vals de «Once Upon a December» resalta especialmente el diseño de vestuario eduardiano de Linda Cho, que es estilísticamente esperado y deseado para un espectáculo de este tipo. En otras canciones, como «Paris Holds the Key», el conjunto se sube las faldas para participar en una secuencia de fiesta de los años 20 por excelencia, con múltiples variaciones del charlestón, volteretas, manos de jazz y cortes de pelo completamente modernos. Este número establece perfectamente el tono para un segundo acto más colorido, conmovedor y placentero.
«París tiene la llave» está bien apoyado por uno de los elementos de diseño más exitosos del musical: sus alegres y siempre cambiantes proyecciones. Las proyecciones del diseñador Aaron Rhyne se comparan con la icónica atracción de simulación de vuelo de Disneylandia, Soarin’. Rhyne hace volar al público de forma surrealista por encima y alrededor de París y Rusia, da vida a los fantasmas, traza el viaje de nuestro protagonista y mucho más. Las proyecciones alcanzan su punto álgido de interactividad durante «We’ll Go From There», cuando Anya, Dmitry y Vlad van de polizones en un tren que sale de Rusia. Mientras cada uno de los tres personajes impulsa el movimiento del tren con animadas piezas musicales, cuyas melodías se entrecruzan de forma emocionante, las proyecciones de fondo cambian a la par que los giros y vueltas del tren físico en el que viajan los personajes. Es un poco de humo y espejos teatrales, actualizado tecnológicamente para nuestro tiempo.
En general, «Anastasia» es una joya musical. Mi corazón se hincha de calidez y promesa cada vez que pienso en ella, los efectos visuales son impresionantes y la música se me ha quedado grabada en la cabeza desde septiembre. Los espectadores salen del teatro habiendo interiorizado las nociones de que «no puedes ser nadie a menos que primero te reconozcas a ti mismo», como instruye la emperatriz viuda, y que «nunca es demasiado tarde para volver a casa», como aprende Anya. Aunque me hubiera gustado que algunos personajes principales estuvieran mejor representados, la compañía en general lo consigue.
Contacta con Chloe Wintersteen en chloe20 ‘at’ stanford.edu.