Ich habe in den Ferien viel Zeit damit verbracht, über Musiktheater nachzudenken, vor allem, da sich unser aktuelles Jahrzehnt seinem Ende nähert. Als jahrzehntelanger und wohl auch lebenslanger Liebhaber des Musiktheaters ertappe ich mich oft dabei, wie ich über Produktionen nachdenke, die ich in der Vergangenheit gesehen habe. Kürzlich habe ich über die Tourneeproduktion von „Anastasia“ nachgedacht, die ich im September 2019 in San Francisco gesehen habe; die Tournee läuft übrigens gerade in Toronto, falls jemand eine Pause vom aktuellen politischen Theater in Amerika braucht. Ich fühlte eine gewisse kognitive Dissonanz, als ich die Show sah, und dieses Gefühl keimte mit der Zeit auf. Zuvor hatte ich die Broadway-Inszenierung bewundert (die ich vielleicht versehentlich durch eine inzwischen nicht mehr existierende YouTube-Bootleg-Aufnahme entdeckt hatte). Die aktuelle Tournee-Inszenierung kann jedoch nicht ganz mit den stilistischen Vorzügen ihres Broadway-Vorgängers mithalten. Vielleicht habe ich mich bei meinen Online-Recherchen dazu verleiten lassen, zu glauben, dass die ursprüngliche Broadway-Produktion besser war, als sie tatsächlich war, aber ich entscheide mich dafür, Ersteres zu glauben.
Im Musical „Anastasia“ stößt die an Amnesie leidende Protagonistin Anya auf eine Spieluhr, die ihr ihre Großmutter vor vielen Jahren geschenkt hat. Diese Spieldose hilft Anya, ihre verlorenen Erinnerungen wiederzuerlangen. In der Broadway-Produktion öffnet Anya die Spieldose, indem sie sie zweimal aufzieht und dann auf einen geheimen Riegel klickt. In der Tourneeproduktion fehlt buchstäblich das zusätzliche Klicken, wenn die Spieldose erfolgreich geöffnet wird. Obwohl dieses Detail weder offenkundig noch notwendig ist, verleiht das zusätzliche Klicken der ohnehin schon rätselhaften Spieldose noch ein wenig mehr Magie. Diese kleine Diskrepanz verkörpert perfekt meine Vorbehalte gegenüber der „Anastasia“-Tour. Obwohl die Tourneeproduktion auf ihre Weise schön und unterhaltsam ist, fehlt einigen Aspekten der Inszenierung der zusätzliche Klick oder der Funke der Magie, den die Broadway-Inszenierung enthielt. Dies gilt insbesondere für einige glanzlose schauspielerische Entscheidungen im ersten Akt. Der Produktionswert der „Anastasia“-Tournee wäre erheblich gesteigert worden, wenn es mehr nuancierte Details gegeben hätte, die eindeutig im Bereich der ästhetischen Möglichkeiten des Musicals lagen.
Das Bühnenmusical „Anastasia“ wurde 2016 am Broadway uraufgeführt, mit einem Buch von Terrence McNally und Musik von Lynn Ahrens und Stephen Flaherty. Es basiert auf dem gleichnamigen Zeichentrickfilm von 1997. Wie der Film ist auch die Geschichte des Musicals von der Legende der Großfürstin Anastasia inspiriert. Die Legende beschreibt Anastasia als die einzige Romanow-Prinzessin, die der Hinrichtung ihrer Familie entkommen konnte, was Anastasias Verbindung zum kaiserlichen Russland zu einer potenziellen Bedrohung für die sowjetische Kontrolle macht. Wie beabsichtigt, sind die Handlung und der Stil des Bühnenmusicals reifer als der Film, mit neuen Liedern, einer tieferen Charakterentwicklung und einem lebensnahen bolschewistischen General als Hauptgegner anstelle des magisch dargestellten Rasputin aus dem Film.
Der größte Erfolg des Bühnenmusicals ist in der Tat seine Musik. Obwohl zeitgenössisch, fühlen sich die nostalgischen Melodien in der Geschichte, der Tradition und der kulturellen Ehrfurcht verwurzelt. Die Sammlung von Liedern ist unlösbar miteinander verbunden und weist dennoch eine Vielzahl von Musikstilen auf. Im Laufe des Abends bringt das üppig besetzte Orchester Walzer, leidenschaftliche Solosongs, Big-Band-Tanznummern und mitreißende Hymnen zu Gehör. Wie von den Fans des Films geliebt, behält das Bühnenmusical ikonische Songs wie „Once Upon a December“, „Journey to the Past“ und „Paris Holds the Key“ bei. Allerdings enthält das Musical nun neue herausragende Songs wie „In My Dreams“, „My Petersburg“ und „Quartet at the Ballet“. Einer der besten und am meisten unterschätzten musikalischen Momente ist das eindringliche „Stay, I Pray You“, in dem Anya (Lila Coogan), ihre neu gewonnenen Freunde Dmitry (Stephen Browner) und Vlad (Edward Staudenmayer) und andere fremde Reisende sich einen Moment Zeit nehmen, um ihre Heimat zu würdigen, bevor sie in einen Einwegzug nach Paris steigen. Angeführt wird diese musikalische Träumerei von Graf Ipolitov (Brad Greer), der mit seinem kristallklaren, klassisch geschulten und emotionsgeladenen Bariton den ersten Akt dominiert, obwohl er an keiner anderen Stelle des Musicals auftritt.
Ähnlich wie „Stay, I Pray You“ ist auch „Quartet at the Ballet“ eine unterschätzte musikalisierte Szene. Sie gelingt durch gefühlvolle Gesangsdarbietungen und beeindruckende Darbietungen klassischer Tanzkunst. Das Aufeinanderprallen von Erzählungen, ein Medley wiederholter Melodien und eine fesselnde dramatische Ironie machen die Nummer zu einem besonderen Höhepunkt, zumal sich Anya, Dmitry, Anyas Großmutter, die Zarenwitwe (Joy Franz), und Anyas sowjetischer Verfolger Gleb (Jason Michael Evans) zum ersten Mal alle am selben Ort befinden. Außerdem enthält „Quartett im Ballett“ eine professionelle Balletteinlage, die an „Schwanensee“ erinnert, in der der Hauptsolist 16 Fouettés siegreich ausführt. Die Einbeziehung klassischer Balletteinlagen in das Musiktheater hat sich längst entkonventioniert, so dass es spannend ist, diese Art von Sequenz in einer zeitgenössischen Version der Form wieder einzuführen. Allerdings bietet „Quartett im Ballett“ auch ein Beispiel für einen der Schwachpunkte der Tournee. In dem Ballett wetteifern zwei männliche Tänzer von gleicher Statur um den Schwan, und ein schwarzer Tänzer wurde als der Bösewicht der beiden besetzt. Diese Entscheidung ist besonders brisant, da es in der Inszenierung kaum farbige Darsteller gibt und alle Hauptfiguren von weißen Schauspielern gespielt werden. Diese Casting-Entscheidung verewigt schädliche Gefühle und Geschichten und könnte sogar als Mikro-Aggression seitens des Casting-Teams interpretiert werden.
Im Gegensatz zum Ballett ist die Gräfin Lily (Tari Kelly) tadellos besetzt und stiehlt ihr mit Leichtigkeit den zweiten Akt. In ihrer ersten großen Nummer, „Land of Yesterday“, tanzt Kelly energisch und singt das Lied kraftvoll, ohne jemals außer Atem zu sein. Ihre unbeugsame Leistung ist besonders beeindruckend, wenn man ihr Alter bedenkt, das sie intelligent als Antrieb für ihre Komik nutzt. In „The Countess and the Common Man“ geben Kelly und Staudenmayer auf urkomische Weise ein Liebesduett zum Besten, mit dem ein jüngeres Paar keine Probleme hätte, aber die taktvolle Steigerung von Kellys und Staudenmayers körperlichen Unzulänglichkeiten lässt das Publikum köstlich kichern.
Auch wenn Kellys Interpretation von Lily vollkommen zufriedenstellend ist, wecken einige andere Hauptfiguren nicht so viel Interesse wie ihre ursprünglichen Gegenstücke am Broadway. Jason Michael Evans als Gleb hat mehrere stimmlich umwerfende Soli, und sein Ton und Stil ist fast identisch mit dem von Gleb’s Original, Ramin Karimloo. Anfangs setzt Evans gekonnt auf die Wirkung der Stille. Diese Taktik hat sich jedoch im Laufe der Aufführung nicht bewährt, und Evans‘ wiederholte Entscheidung, beim Singen zu stagnieren, ist enttäuschend. Seine Figur erfährt im Laufe des Abends ein intensives Wachstum, aber diese inneren Veränderungen sind nicht so offenkundig, wie sie in seinen Selbstgesprächen hätten sein können. Umgekehrt ist Edward Staudenmayer als Vlad durchweg interessant, aber er wird von einer unsauberen Diktion und einem gelegentlichen Impuls, eine alberne Opernstimme zu verwenden, geplagt, die billige Lacher erntet. Diese beiden technischen Schwachpunkte lenken von den wirklich witzigen und cleveren Aspekten seiner schauspielerischen Leistung ab.
Im Gegensatz zu Evans und Staudenmayer, die den ganzen Abend über dieselben Stärken und Schwächen aufweisen, scheinen Stephen Brower und Lila Coogan (die Dmitry bzw. Anya darstellen) in der Pause eine Intervention zu erfahren, nach der sich ihre Leistungen deutlich verbessern. Wenn beide Figuren im ersten Akt einzig und allein motiviert sind, Russland zu verlassen, spielen Brower und Coogan ähnliche Handlungen, was zu einer gewissen Flachheit führt. Sobald sich die Geschichte jedoch nach Paris verlagert, finden beide Schauspieler neue Tiefen von Gefühl und Sympathie für ihre Figuren. Ich wünschte, das wäre nicht der Fall, vor allem für Anyas Handlungsbogen.
Die „Anastasia“-Franchise erlangte Berühmtheit, weil sie offenkundig feministischer ist als ihre Gegenstücke, bei denen die Hauptdarstellerinnen auf eine romantische Geschichte ausgerichtet sind. Im Gegensatz zu vielen fiktiven Prinzessinnen ist Anya keine, die gerettet werden muss. Sie ist zäh und nicht bereit, ihre persönlichen Ziele zu opfern. Anya ist nicht auf der Suche nach Macht, sondern nach der Fähigkeit, für ihre eigene Selbstverwirklichung zu kämpfen. Doch leider wirkt Coogans Anya eher schwammig und ängstlich als trotzig. Und diese Haltungen sind vor allem dann präsent, wenn Anya die Geschichte ankurbeln und beleben muss, während sie sich in einem langweiligen und repressiven Russland bewegt. Obwohl Coogans Anya am Ende der Geschichte ihre Kraft und ihre Stimme entdeckt, sollte Anya die ganze Zeit über mit mehr Stärke ausgestattet sein. Trotzdem werden Coogans klare Stimme, seine pygmalionartige Verwandlung und sein strahlender Optimismus Kinder und Erwachsene gleichermaßen begeistern.
Abgesehen von den individuellen Darbietungen bieten die visuell ansprechenden Gruppennummern, die über das ganze Stück verstreut sind, willkommene Momente der Schönheit und des Genusses, die nur das Genre des Musiktheaters bieten kann. Das glamouröse Walzertanzen in „Once Upon a December“ hebt besonders Linda Chos zeitgemäßes edwardianisches Kostümdesign hervor, das für eine Show dieser Art sowohl stilistisch erwartet als auch gewünscht wird. In anderen Liedern wie „Paris Holds the Key“ lässt das Ensemble die Röcke hochrutschen, um an einer Partysequenz teilzunehmen, die ganz im Zeichen der 1920er Jahre steht und mehrere Charleston-Variationen, Cartwheels, Jazzhände und durch und durch moderne Bobfrisuren beinhaltet. Diese Nummer setzt perfekt den Ton für einen farbenfrohen, herzerwärmenden und vergnüglichen zweiten Akt.
„Paris Holds the Key“ wird durch eines der durchweg gelungensten Gestaltungselemente des Musicals unterstützt: die schwungvollen und ständig wechselnden Projektionen. Die Projektionen des Designers Aaron Rhyne sind vergleichbar mit der kultigen Flugsimulationsattraktion Soarin‘ von Disneyland. Rhyne lässt das Publikum surrealistisch über Paris und Russland fliegen, erweckt Geister zum Leben, zeichnet die Reise unseres Protagonisten nach und vieles mehr. Die Projektionen erreichen ihren interaktiven Höhepunkt während „We’ll Go From There“, als Anya, Dmitry und Vlad in einem Zug aus Russland verstaut werden. Während jeder der drei Charaktere die Bewegung des Zuges mit schwungvollen musikalischen Einlagen vorantreibt, deren Melodien sich aufregend überschneiden, verändern sich die Hintergrundprojektionen im Tandem mit den Drehungen und Wendungen des physischen Zuges, auf dem die Charaktere fahren. Es ist ein mitreißendes Stück theatralischer Täuschung, technologisch aktualisiert für unsere Zeit.
Insgesamt ist „Anastasia“ ein musikalisches Juwel. Mein Herz schwillt vor Wärme und Verheißung, wenn ich daran denke, die Bilder sind atemberaubend und die Musik geht mir seit September nicht mehr aus dem Kopf. Die Theaterbesucher verlassen das Theater mit der Erkenntnis, dass man niemand sein kann, wenn man sich nicht selbst erkennt“, wie die Zarenwitwe sagt, und dass es nie zu spät ist, nach Hause zu kommen“, wie Anya erfährt. Obwohl ich mir wünschte, dass einige Hauptfiguren komplexer dargestellt würden, liefert das Ensemble im Großen und Ganzen gute Arbeit ab.
Kontakt Chloe Wintersteen unter chloe20 ‚at‘ stanford.edu.