Kann indigenes Wissen die Modeindustrie voranbringen?

Um innovativ zu sein, schauen wir oft nach vorn. Aber manchmal liegt der beste Weg nach vorn im traditionellen Wissen. Hier fragen wir Fachleute aus der Mode-, Textil- und Bekleidungsindustrie auf der ganzen Welt, wie ihr kulturelles Erbe und ihr indigenes Wissen ihre Arbeit prägen – und wie es dazu beitragen könnte, die Modeindustrie in eine nachhaltigere Richtung zu lenken.

Worte und Menschen zählen

Daniela Poulsen (Yanchapaxi Silva): Ecuadorianerin und Nachfahrin einer indigenen Andengemeinschaft aus der Provinz Cotopaxi in Ecuador; Betriebs- und Lieferkettenmanagerin für Cotopaxi in Salt Lake City, Utah.

Bei ihrer Arbeit für das Unternehmen für Abenteuerbekleidung und -ausrüstung Cotopaxi trifft Daniela Poulsen regelmäßig auf Menschen, die annehmen, dass Cotopaxi nichts weiter als ein fiktiver Name ist, der geschaffen wurde, um Aufmerksamkeit zu erregen. Als gebürtige Ecuadorianerin weiß sie, dass viel mehr dahintersteckt.

„Cotopaxi ist nicht nur ein Name. Es ist nicht nur ein Geschäft“, erklärt sie. „Es gibt eine ganze Gemeinschaft, die rund um den Vulkan Cotopaxi in Ecuador lebt.“ Poulsen hat direkte Verbindungen zu dieser Gemeinschaft – ihr Vater ist dort aufgewachsen.

Marken haben die Verantwortung, ihren Namensgeber respektvoll zu repräsentieren, und Poulsen nutzt jede Gelegenheit, um eine Verbindung zwischen der Geschäftsbasis in Utah, den Lieferanten in Asien und der Gemeinschaft in Cotopaxi herzustellen. „Wenn ich einen neuen Partner, Lieferanten, Kunden oder Klienten anspreche, erzähle ich immer, woher wir kommen und woher der Name stammt“, sagt sie. „Wir wollen den Namen mit Sorgfalt und Respekt verwenden und dabei berücksichtigen, was er für die Menschen, die Gemeinschaft und das Land Ecuador bedeutet.“

Poulsens tief verwurzelter Sinn für die Gemeinschaft gibt ihr einen Mitgefühlskompass an die Hand, der die Entscheidungen, die sie bei ihrer täglichen Arbeit trifft, leitet, und sie empfiehlt anderen in der Branche, dasselbe zu tun. „Betrachten Sie Ihre Lieferkette mehr als Ihre Umsatz- oder Zielzahlen“, rät sie. „Denken Sie daran, auf wen Sie Einfluss nehmen – positiv oder negativ. Sie arbeiten nicht nur mit einer Fabrik oder Maschinen, sondern mit Menschen und Gemeinden.“

Mehr ist nicht besser

Kini Zamora: Gebürtiger Hawaiianer und Filipino; ehemaliger Project Runway-Teilnehmer und Designer und Gründer von The Clique in Honolulu, Hawaii.

Der gebürtige Hawaiianer und philippinische Designer Kini Zamora lebt an einem der natürlichsten Orte der Welt. Und er arbeitet in einer der umweltschädlichsten Branchen. Er ist der Meinung, dass Fast Fashion (Kleidung, die schnell und in Massen produziert wird, um Trends zu folgen, und die oft von geringer Qualität und nicht für eine lange Lebensdauer gedacht ist) unnötige Abfälle verursacht, und dass ein einfaches Umdenken – sowohl bei den Verbrauchern als auch bei den Herstellern – die Branche in eine gesündere Richtung lenken könnte.

„In meiner Kultur stellt man nicht mehr her oder nimmt mehr mit, als man braucht“, sagt er. Der Respekt vor der natürlichen Umwelt ist ein zentrales Element der Kultur der hawaiianischen Ureinwohner und ein wesentlicher Bestandteil von Zamoras Ansatz. „Wir müssen aufhören, massenhaft Kleidung herzustellen und zu kaufen, die die Menschen nur eine Woche oder ein Jahr lang tragen und dann wegwerfen.“

Stattdessen will er „Kleidung kreieren, die etwas Besonderes ist, die in drei Saisons mit einem anderen Stück aus unserer Kollektion kombiniert werden kann, die sie 10 oder 15 Jahre lang behalten und an ihre Kinder weitergeben können.“

Designer können dazu beitragen, die Verschwendung einzudämmen und die Fast-Fashion-Bestie nicht weiter anzuheizen, indem sie sich auf hochwertige, einzigartige Stücke konzentrieren, die die Verbraucher noch jahrelang tragen und weitergeben können. „Wir kreieren nicht nur etwas Hübsches“, erklärt Zamora, „es steckt immer eine Geschichte dahinter.“

Eingebettet in diese Geschichte ist der Respekt für seine Wurzeln und die Inspiration für die Zukunft der Mode. „Wir fragen immer unsere Kupuna (Älteste) nach der kulturellen Bedeutung unserer Drucke und nach der richtigen Art, sie zu verwenden“, sagt er. „Wenn die Leute unsere Kleidung kaufen, können wir ihnen eine Geschichte erzählen. Und wenn sie dann gefragt werden, was sie tragen, können sie diese Geschichte ebenfalls erzählen. Wenn wir mit unseren Drucken eine Geschichte erzählen und ein besonderes Stück für den Kunden schaffen können, schaffen wir eine Verbindung und halten die Geschichte unserer Abstammung lebendig.“

Kultur ist eine lebenswichtige Ressource

Louie Gong: Mitglied des Nooksack-Stammes mit gemischter Herkunft; Künstler und Gründer von Eighth Generation in Seattle, Washington. Im November 2019 hat Louie Eighth Generation an den Snoqualmie-Stamm verkauft. Er bleibt CEO im Rahmen eines mehrjährigen Vertrags.

Nachhaltigkeit bedeutet nicht nur Umweltschutz. „Ich spreche immer von kultureller Kunst wie von einer natürlichen Ressource“, sagt der indianische (Nooksack) Designer Louie Gong. „Wir müssen diese Ressource verwalten, indem wir sie hegen und pflegen. Wenn wir immer mehr nehmen, ohne sie zu pflegen, zerstören wir sie schließlich.“

Gong glaubt, dass das Versäumnis, die Kunst der Ureinwohner zu respektieren und zu schützen, einer der Gründe für das Verschwinden einiger kultureller Künste ist. Wenn Unternehmen „indianisch inspirierte“ Produkte verkaufen, ohne tatsächlich mit indianischen Künstlern zusammenzuarbeiten, ist das ein Verlust für uns alle. „Zu jedem gefälschten Kunstwerk gehört eine gefälschte Geschichte. Und jedes gefälschte Produkt ist eine verpasste Chance für einen Kulturkünstler.

Gongs Unternehmen Eighth Generation hat es sich zur Aufgabe gemacht, dies zu ändern, indem es wirtschaftliche Möglichkeiten für indigene Künstler schafft und den Verbrauchern authentische Produkte anbietet. „Wir verpflichten uns, immer mit einem indigenen Künstler zusammenzuarbeiten, wenn wir Produkte mit indigener Kunst versehen“, erklärt Gong. „Die Künstler werden bezahlt, und wenn sie es brauchen, bieten wir ihnen den Aufbau von Geschäftskapazitäten an.“

Wenn kulturelle Kunst zelebriert und nicht vereinnahmt wird, gewinnen alle: Die Verbraucher erhalten authentische Produkte, die Künstler werden fair entlohnt, und auch die damit verbundenen Unternehmen und Gemeinschaften profitieren. „Die Zusammenarbeit mit einem indigenen Künstler zahlt sich nicht nur für den einzelnen Künstler aus“, sagt Gong. „Wenn man sich für einen Künstler entscheidet, der sich in der Gemeinschaft engagiert, wird er die Fähigkeiten, die er gelernt hat, nutzen und ausbauen.“

Gong ist sich bewusst, dass der Wert weit über das hinausgeht, was in den Bilanzen ausgewiesen werden kann. „Es gibt mehr Währungen, die man verfolgen kann als nur Geld. Bildung und langfristige Chancen für Menschen wie uns sind andere Währungen, die wir verfolgen.“

Dieser ganzheitliche, verantwortungsbewusste und gemeinschaftsorientierte Ansatz, der in seinem Erbe verwurzelt ist, erweist sich auch als gutes Geschäft: Eighth Generation ist das am schnellsten wachsende Unternehmen in Privatbesitz von Ureinwohnern in Nordamerika.

Verstehe deine Verbundenheit

Amanda Westley: Ngarrindjeri Aborigine-Künstlerin in Middleton, Südaustralien, und Mitarbeiterin mehrerer Marken, darunter Life Apparel Co, Lifewearau und Aya Optical.

Die Ngarrindjerri-Künstlerin Amanda Westley wuchs auf einer Farm nur wenige Kilometer von der Küstenstadt Victor Harbor entfernt auf. Ihre zeitgenössischen Aborigine-Punktbilder spiegeln ihre Kultur und ihre natürliche Umgebung wider. „Meine Familie ist eine der ältesten Aborigine-Familien an der Südküste“, sagt sie. „Mein Vater war Bootsbauer, also haben das Wasser und der Ozean schon immer einen großen Teil meines Lebens ausgemacht.“

Westleys punktförmige Gemälde sind oft in leuchtenden Farben gehalten, die von ihrer Erziehung an der Küste inspiriert sind. „Meine Kunst repräsentiert die Bedeutung des Landes“, sagt sie.

Country ist ein Begriff aus der Kriol-Sprache, der sich laut Marcia Langtons Buch Welcome to Country auf den traditionellen Landbesitz der Aborigines bezieht, den sie von ihren Vorfahren geerbt haben. Es bedeutet viel mehr als nur Land und Boden. „Für mich ist Land eine Mutter“, erklärt Westley. „Wenn wir über Land sprechen, tun wir so, als sei es eine Person. Es geht nicht nur um das Land, sondern auch um die Felsen, den Himmel, das Wasser und alle Lebewesen.“

Westleys Kunst – die jetzt auf Kleidung und Accessoires für verschiedene Marken zu sehen ist – erinnert uns an unsere Verbundenheit und unsere Verantwortung gegenüber den Menschen und dem Planeten. „Meine Kunst schafft eine Verbindung zwischen Land und Leuten. Sobald diese Verbindung hergestellt ist, erkennen die Menschen, wie wichtig es ist, sich um das Land zu kümmern“, sagt sie. „Land ist eine Verbindung. Wir kümmern uns um es, und es kümmert sich um uns.“

Innovation in der Tradition finden

Olga Reiche: Guatemaltekin deutscher und Queqchí-Abstammung; Kunsthandwerkerin für Naturfarben und Weberin bei Indigo Custom Textile in Antigua, Guatemala.

Seit mehr als 35 Jahren arbeitet Olga Reiche mit indigenen Kunsthandwerkern und Textilkooperativen in Guatemala. Sie befürchtet, dass der ständige Bedarf an „Neuem“ in der Modeindustrie zu einer übermäßigen Verschwendung führt und das traditionelle Handwerk auslöscht. „Guatemala war schon immer für seine schönen, komplizierten und anspruchsvollen handgewebten Textilien bekannt“, sagt sie. „Aber das geht immer mehr verloren.“

Reiche will die Kluft zwischen indigenen Textilhandwerkern und Verbrauchern, die traditionelle Kunst zu schätzen wissen, überbrücken. Sie berät bei der Produktentwicklung und Vermarktung – in den letzten sieben Jahren reiste sie sogar mit einigen Kunsthandwerkern zum International Folk Art Market in Santa Fe – und entwickelt gleichzeitig ihre eigenen Kenntnisse, Fähigkeiten und Produkte weiter.

Reiche sieht den Wert – und die Zukunft – traditioneller Techniken, wie z. B. das Weben mit dem Rückenriemenwebstuhl und natürliche Farbstoffe. „Ich lege den Schwerpunkt meiner Entwürfe auf die Tradition“, sagt sie, „ich verwende nur handgewebte, handbestickte, handgefärbte und handgenähte Textilien“, um qualitativ hochwertige, authentische handgefertigte Produkte zu schaffen. Sie wendet auch einheimische Webtechniken und ihr Auge für Design auf wiederverwertete Abfälle an und entwirft recycelte Taschen, Schuhe und andere Accessoires.

Sie hofft, dass auch andere Designer den Einfallsreichtum einheimischer Traditionen entdecken. „Innovative Designs können gemacht werden, ohne die Tradition zu stören“, erklärt sie. „Im Gegenteil, das traditionelle Textilwissen ist sehr inspirierend.“

Mutter Erde ist die Mühe wert

Andréanne Mulaire Dandeneau: Métis mit Anishinaabe- und französischer Abstammung; Designerin und Gründerin von Anne Mulaire in Winnipeg, Manitoba.

Ein umweltfreundlicher Ansatz war schon immer Teil des Geschäftsplans der französischen Métis-Designerin Andréanne Mulaire Dandeneau. Das Mitgefühl für den Planeten ist ein wesentlicher Bestandteil ihrer Identität und ihrer Mission. „Ich wurde sehr umweltbewusst erzogen“, sagt sie über ihre französische Métis-Erziehung. „Indigene Völker haben eine starke Verbindung zur Erde. Das ist in unser Wesen eingebettet.“

Als sie sich also daran machte, ihre eigene Kollektion zu entwerfen, stellte Dandeneau ihr Herz für den Planeten und ihren Stolz auf ihr Erbe in den Vordergrund – sie beschaffte sorgfältig umweltfreundliches Garn von sklavenfreien Farmen und stellte in Kanada ansässige Stricker und Färber ein, um die Bambusstoffe herzustellen, bevor sie gestickte und grafische indigene Designs hinzufügte, die sie und ihr Vater entworfen hatten. Das Ergebnis: Konfektionskleidung, die weich und dennoch strapazierfähig, einzigartig und dennoch vielseitig ist und die Menschen und den Planeten schont.

Dandeneau gibt zu, dass der Weg, den sie eingeschlagen hat, nicht immer einfach oder preiswert ist. Aber er ist es wert. Und es ist für jeden möglich, kleine Veränderungen vorzunehmen, die einen großen Unterschied machen können. „Ich werde immer dafür sorgen, dass Mutter Erde gut behandelt wird“, sagt sie. „Es geht nicht nur um Profit. Überlegen Sie, was Sie verbrauchen und verschwenden. Kaufen Sie weniger, aber besser. Kaufen Sie lokal und unterstützen Sie die Menschen in Ihrer Umgebung. Seien Sie achtsam und kreativ. Finden Sie kleine Wege zu mehr Nachhaltigkeit. Ja, wir haben noch einen langen Weg vor uns, aber wenn jeder einen kleinen Schritt macht, ist das ein großer Schritt in die richtige Richtung.“

Nimm dir Zeit und behandle dein Team wie eine Familie

Lisa Folawiyo: Nigerianische und westindische Designerin und Gründerin der Jewel by Lisa Group in Lagos, Nigeria.

Als Lisa Folawiyo traditionelle westafrikanische Textilien mit handgefertigten Verzierungen und modernen Schnitten verband, wurde die Mode- und Unterhaltungswelt auf sie aufmerksam, darunter die Sängerin Solange Knowles und die Schauspielerin Lupita Nyong’o, die beide in Folawiyos Entwürfen gesehen wurden. Folawiyo war die erste Designerin, die Ankara, einen kühnen und farbenfrohen Wachsdruck-Stoff, von Hand verzierte.

„Im Mittelpunkt des Labels Lisa Folawiyo steht die Handverzierung“, sagt sie. „Bestimmte Kleidungsstücke in den Kollektionen werden von Kunsthandwerkern von Hand bestickt. Jede Saison lasse ich mich von den verschiedenen Kulturen Nigerias und meinen persönlichen Reisen inspirieren.“

Jedes sorgfältig gefertigte Stück vermittelt eine Geschichte von Erbe und harter Arbeit. Durchschnittlich 240 Stunden Arbeit stecken in jedem von Hand verzierten Stück. „Diese Art der Handwerkskunst hat zum Wachstum des Labels beigetragen“, erklärt Folawiyo, „und dazu, dass es sich weiterhin auf eine langsamere, funktionalere Produktion verlässt.“

Folawiyo wendet die gleiche Sorgfalt und Integrität auf ihr Geschäft an wie auf ihre Designs. „Die Marke Lisa Folawiyo vermittelt ein Gefühl von Familie, auch bei der Arbeit“, sagt sie. „Die Mitarbeiter werden nicht nur über dem Mindestlohn bezahlt, sondern auch ständig geschult und in ihren Fähigkeiten weiterentwickelt und in ihren persönlichen und beruflichen Lebensbereichen unterstützt. Sie arbeiten in sauberen und hygienischen Umgebungen und erhalten bei Bedarf Prämien, medizinische Versorgung und Unterstützung. Außerdem arbeitet die Marke mit Genesis House zusammen, einer Wohltätigkeitsorganisation, die Frauen bei der Wiedereingliederung in die Gesellschaft und in den Arbeitsmarkt unterstützt.“

Connect the Dots

Brandy-Alia Serikaku: Eingeborene hawaiianische Künstlerin und Mitarbeiterin von OluKai in Hilo, Hawaii.

Die Verbundenheit der hawaiianischen Künstlerin und Hula-Tänzerin Brandy-Alia Serikaku mit dem ‚aina (Land) zeigt sich in ihrer Arbeit mit OluKai, wo ihre von der Natur inspirierten Designs auf umweltfreundlichen Schuhen erscheinen. „Meine Designs spiegeln meine hawaiianische Umgebung wider“, sagt sie.

Ihr Arbeitsablauf von Anfang bis Ende ist von ihrem hawaiianischen Erbe beeinflusst. „Ich spreche immer ein Gebet, bevor ich entwerfe“, erklärt Serikaku. „Ich gehe in die Natur und sehe die Blume oder Pflanze und schaffe eine Erfahrung aus erster Hand, aus der ich schöpfen kann. Ich stecke viel Liebe in meine Arbeit, so dass sie eine echte Erweiterung von mir wird.“

Die Namensgebung für die Produkte ist ihr ebenso wichtig. „Ich benutze die hawaiianische Sprache, um meine Entwürfe zu benennen, und ich stelle sicher, dass die Absicht meiner Kunst weiterlebt, indem ich Worte mit einer positiven Wirkung wähle. Sich seiner Absichten, Handlungen und Worte bewusst zu sein und sein Gleichgewicht in der Natur zu bewahren, ist eine hawaiianische Praxis.“

Indem sie Designs aus der sie umgebenden Natur entwirft und sorgfältig hawaiianische Namen auswählt, die kulturelle Bedeutung haben, verbindet sie die Punkte zwischen der Erde, Ihr Erbe, das Produkt und den Verbraucher – und bewahrt gleichzeitig die hawaiianische Kultur, fördert Neugier und Mitgefühl und stärkt unsere Verbindung und Verantwortung füreinander und für das Land, auf dem wir leben.

Sie haben, was Sie brauchen

Bethlehem Tilahun Alemu: Äthiopische Gründerin und Geschäftsführerin von soleRebels in Addis Abeba, Äthiopien.

Aufgewachsen in der Gemeinde Zenebework/Total, einem verarmten Viertel von Addis Abeba, Äthiopien, erlebte Bethlehem Tilahun Alemu die negativen Auswirkungen der von außen gesteuerten Wohltätigkeit und die Darstellung der Äthiopier in den Medien als „hilflose, passive Empfänger von Hilfe“. Sie sah auch bemerkenswerte Handwerkskunst, natürliche Materialien, ein reiches Erbe und ein großes Potenzial in ihrer Gemeinde und ihrem Land. Für Alemu begann die Wertschätzung handwerklicher Traditionen zu Hause, wo sie von ihrer Mutter lernte, wie man Baumwolle von Hand spinnt.

„In meiner Gemeinde gab es viele talentierte Menschen, aber es gab nur wenige Arbeitsmöglichkeiten“, erzählt sie. „Das empfand ich als eine große Tragödie und zugleich als eine Chance. Neben den kreativen Fähigkeiten verfügt Äthiopien über eine Fülle natürlicher Ressourcen – Leder aus Freilandhaltung, Bio-Baumwolle, Jute und abessinischer Hanf. Und eine Mentalität, das Beste aus dem zu machen, was man hat. „

Alemu ließ sich von ihrer Kultur und ihrer Gemeinschaft inspirieren, um soleRebels zu kreieren, die ersten vollständig handgesponnenen und handgewebten Schuhe. Es geht ihr nicht nur um den Verkauf von Schuhen; ihr Ziel war es schon immer, lokale Kunsthandwerker zu stärken und wirtschaftliche Möglichkeiten zu schaffen, die im kulturellen Erbe und in umweltfreundlichen Praktiken verwurzelt sind, um den „Mythos der Armutsbekämpfung“ durch die Hoffnung auf eine nachhaltigere „Schaffung von Wohlstand“ zu ersetzen.

„Es gibt hier und in ganz Afrika eine verzerrte, aber starke Überzeugung, dass man, wenn man Erfolg haben will, weggehen muss, vor allem nach Westen“, erklärt sie. „Aber sollte man wirklich sein Land und seine Familie verlassen müssen, um zu überleben oder erfolgreich zu sein?“ Alemu erkannte, dass es eine Fülle natürlicher und kultureller Ressourcen in der näheren Umgebung gibt, und bewies mit soleRebels, „dass es möglich ist, lokale Ressourcen einzusetzen und eine globale Marke zu schaffen. Es ist möglich, ein Einheimischer in Äthiopien und Afrika zu sein und weltweit erfolgreich zu sein.“

Achtsamkeit ist immer angesagt