Olen käyttänyt paljon aikaa musiikkiteatterin pohtimiseen tämän joululoman aikana, varsinkin kun nykyinen vuosikymmenemme lähestyy loppuaan. Vuosikymmenen kestäneenä ja tulevana elinikäisenä musiikkiteatterin ystävänä saan itseni usein kiinni siitä, että mietiskelen menneisyydessä näkemiäni produktioita. Olen hiljattain miettinyt uudelleen ”Anastasian” kiertueproduktiota, jonka näin, kun se kulki San Franciscossa syyskuussa 2019; kiertue on muuten parhaillaan Torontossa, jos joku tarvitsee taukoa Amerikan nykyisestä poliittisesta teatterista. Tunsin jonkinlaista kognitiivista dissonanssia nähdessäni esityksen, ja tämä tunne iti ajan myötä. Ihailin aiemmin Broadwayn tuotantoa (jonka olen ehkä vahingossa vakoillut katsomalla nyt olemattoman YouTube-bootleg-tallenteen). Nykyinen kiertuetuotanto ei kuitenkaan täysin yllä Broadwayn edeltäjänsä tyylillisiin ansioihin. Ehkä verkkoharhailuni sai minut uskomaan, että alkuperäinen Broadway-tuotanto oli parempi kuin se todellisuudessa oli, mutta päätän uskoa ensin mainittua.
Musikaalissa ”Anastasia” muistinmenetyksestä kärsivä päähenkilö Anya törmää soittorasiaan, jonka hänen isoäitinsä oli lahjoittanut hänelle vuosia sitten. Tämä soittorasia auttaa Anyaa purkamaan ja saamaan takaisin kadonneet muistonsa. Broadway-tuotannossa Anya avaa soittorasian lukituksen vääntämällä sitä kahdesti ja napsauttamalla sitten salaista salpaa. Kiertueproduktiosta puuttuu kirjaimellisesti ylimääräinen naksahdus aina, kun soittorasia avataan onnistuneesti. Vaikka tämä yksityiskohta ei ole ilmeinen eikä välttämätön, ylimääräinen naksahdus tuo jo ennestään arvoitukselliseen soittorasiaan hieman lisää taikaa. Tämä pieni eroavaisuus ilmentää täydellisesti epäilykseni Anastasia-kiertuetta kohtaan. Vaikka kiertueproduktio on kaunis ja viihdyttävä omalla tavallaan, joiltakin osin tuotannosta puuttuu se ylimääräinen naksahdus tai taikakipinä, joka Broadwayn lavastuksessa oli. Tämä koskee erityisesti joitakin ensimmäisessä näytöksessä tehtyjä heikohkoja näyttelijävalintoja. Anastasia-kiertueen tuotantoarvo olisi parantunut huomattavasti, jos siinä olisi ollut enemmän vivahteikkaita yksityiskohtia, jotka olivat selvästi musikaalin esteettisten mahdollisuuksien rajoissa.
Näyttämömusikaali ”Anastasia” sai ensi-iltansa Broadwaylla vuonna 2016 Terrence McNallyn kirjoittaman kirjan sekä Lynn Ahrensin ja Stephen Flahertyn säveltämän musiikin pohjalta. Se perustuu samannimiseen animaatioelokuvaan vuodelta 1997. Elokuvan tavoin musikaalin kerronta on saanut innoituksensa suuriruhtinatar Anastasian legendasta. Legendassa Anastasiaa luonnehditaan ainoaksi Romanovin prinsessaksi, joka on saattanut välttyä perheensä teloitukselta, mikä tekee Anastasian siteistä keisarilliseen Venäjään mahdollisen uhan Neuvostoliiton hallinnalle. Teatterimusikaalin kerronta ja tyyli on tarkoituksenmukaisesti kypsempi kuin elokuvan, ja siinä on uusia lauluja, syvempi hahmokehitys ja todellisempi bolshevikkikenraali päävastustajana elokuvan maagisesti kuvatun Rasputinin sijasta.
Lavamusikaalin suurin menestys on todellakin sen musiikki. Vaikka se on nykyaikainen, sen nostalgian täyttämät melodiat tuntuvat juurtuneen historiaan, perinteisiin ja kulttuurin kunnioitukseen. Kappalekokoelma on ratkaisemattomasti toisiinsa kytkeytynyt, mutta siinä on mukana lukuisia eri musiikkityylejä. Illan aikana runsas orkesteri tuottaa valsseja, intohimoisia soololauluja, big band -tanssinumeroita ja huikeita hymnejä. Elokuvan fanien rakastamana näyttämömusikaali säilyttää sellaiset ikoniset kappaleet kuin ”Olipa kerran joulukuu”, ”Matka menneisyyteen” ja ”Paris Holds the Key”. Musikaalissa on nyt kuitenkin uusia erottuvia kappaleita, kuten ”In My Dreams”, ”My Petersburg” ja ”Quartet at the Ballet”. Yksi parhaista ja aliarvostetuimmista musikaalihetkistä on haikea ”Stay, I Pray You”, jossa Anya (Lila Coogan), hänen uudet kaverinsa Dmitry (Stephen Browner) ja Vlad (Edward Staudenmayer) sekä muut ulkopuoliset matkustajat ottavat hetken aikaa arvostaa kotimaataan ennen kuin nousevat yksisuuntaiseen junaan Pariisiin. Tätä musiikillista haaveilua johtaa kreivi Ipolitov (Brad Greer), joka luultavasti varastaa ensimmäisen näytöksen kristallinkirkkaalla, klassisesti koulutetulla ja tunteikkaalla baritonillaan, vaikka hän ei esiinny missään muussa vaiheessa musikaalia.
Samoin kuin ”Pysy, minä rukoilen sinua”, myös ”Kvartetti baletissa” on aliarvostettu musikaalisoitu kohtaus. Se on onnistunut tunteisiin vetoavien laulusuoritusten ja vaikuttavien klassisen tanssin taidonnäytteiden ansiosta. Ristiriitaiset tarinat, uudelleen toistettujen kappaleiden medley ja vangitseva dramaattinen ironia tekevät numerosta erityisen kliimaksisen, varsinkin kun Anya, Dmitri, Anyan isoäiti leskikeisarinna (Joy Franz) ja Anyan neuvostoliittolainen takaa-ajaja Gleb (Jason Michael Evans) ovat kaikki ensimmäistä kertaa samassa paikassa. Lisäksi ”Kvartetti baletissa” sisältää ”Joutsenjärveä” muistuttavan ammattilaistason balettivälikohtauksen, jossa pääsolisti suorittaa voitokkaasti 16 fouettéa. Klassisten balettiväliaikojen sisällyttäminen musiikkiteatteriin on jo pitkään ollut epätavanomaista, joten on jännittävää nähdä tämäntyyppinen sekvenssi uudelleen nykyaikaisessa versiossa. ”Quartet at the Ballet” tarjoaa kuitenkin myös esimerkin yhdestä kiertueen puutteesta. Baletissa kaksi samankokoista miestanssijaa kilpailee joutsenesta, ja musta tanssija oli valittu näiden kahden roistoksi. Tämä päätös tuntuu erityisen latautuneelta, koska tuotannosta puuttuu valtavasti värillisiä esiintyjiä ja jokaista tähtihahmoa esittää valkoinen näyttelijä. Tämä roolivalinta ylläpitää vahingollisia tunteita ja historiaa, ja se voidaan tulkita jopa mikroaggressioksi valintatiimin taholta.
Toisin kuin baletti, kreivitär Lily (Tari Kelly) on moitteettomasti valettu, ja hän varastaa helposti toisen näytöksen. Ensimmäisessä isossa numerossaan, ”Land of Yesterday”, Kelly tanssii energisesti ja vartoo kappaleen voimallisesti, mutta ei kuitenkaan koskaan tunnu olevan hengästynyt. Hänen horjumaton suorituksensa on erityisen vaikuttava ottaen huomioon hänen korkean ikänsä, jota hän käyttää älykkäästi komediansa vauhdittajana. Kappaleessa ”Kreivitär ja tavallinen mies” Kelly ja Staudenmayer esittävät hauskasti rakkausdueton, jonka esittämisessä nuoremmalla pariskunnalla ei olisi mitään vaikeuksia, mutta Kellyn ja Staudenmayerin fyysisten vajavaisuuksien hienovarainen korostaminen saa yleisön naureskelemaan.
Vaikka Kellyn tulkinta Lilystä tyydyttääkin täysin, muutamat muut päähenkilöt eivät herätä yhtä paljon kiinnostusta kuin heidän alkuperäiset Broadway-kollegansa. Jason Michael Evans Glebinä esittää useita äänellisesti upeita sooloja, ja hänen äänensävynsä ja tyylinsä on lähes identtinen Glebin alkuperäisen esittäjän Ramin Karimloon kanssa. Aluksi Evans valitsee asiantuntevasti löytää vaikutuksen hiljaisuudesta. Tämä taktiikka ei kuitenkaan vanhene hyvin koko esityksen aikana, ja Evansin toistuva valinta olla paikallaan laulaessaan on pettymys. Hänen hahmonsa kokee voimakasta kasvua koko illan ajan, mutta nämä sisäiset muutokset eivät ole niin avoimia kuin ne olisivat voineet olla hänen yksinpuheluissaan. Päinvastoin, Edward Staudenmayer Vladin roolissa on johdonmukaisesti mielenkiintoinen, mutta häntä vaivaa sotkuinen diktio ja ajoittainen impulssi käyttää hölmöä oopperaääntä, joka kerää halpoja nauruja. Nämä kaksi teknistä heikkoutta häiritsevät hänen näyttelijäsuorituksensa todella hauskoja ja nokkelia puolia.
Toisin kuin Evans ja Staudenmayer, joilla on samoja vahvuuksia ja heikkouksia koko illan ajan, Stephen Brower ja Lila Coogan (jotka esittävät Dmitriä ja Anyaa) näyttävät käyvän väliajalla läpi intervention, jonka jälkeen heidän esityksensä paranevat huomattavasti. Kun molemmat hahmot ovat ensimmäisessä näytöksessä ainutlaatuisen motivoituneita lähtemään Venäjältä, Brower ja Coogan esittävät samankaltaisia tekoja, mikä johtaa jonkinlaiseen latteuteen. Mutta kun tarina siirtyy Pariisiin, molemmat näyttelijät löytävät hahmoistaan uusia tunteiden syvyyksiä ja sympaattisuutta. Toivoisin, että näin ei olisi, varsinkin Anyan kerronnan kaaren osalta.
”Anastasia”-elokuvasarja sai mainetta siitä, että se on räikeästi feministisempi kuin vastaavat elokuvat, joissa naispääosien keskipisteenä on romantiikkavetoinen tarina. Anya, toisin kuin monet fiktiiviset prinsessat, ei ole sellainen, joka tarvitsee pelastusta. Hän on kova ja haluton uhraamaan henkilökohtaisia tavoitteitaan. Anya ei etsi voimaantumista, vaan voimaantuu taistelemaan oman itsensä toteuttamisen puolesta. Mutta valitettavasti Cooganin Anya laskeutuu pikemminkin vellovaksi ja pelokkaaksi kuin uhmakkaaksi. Ja nämä asenteet ovat läsnä eniten silloin, kun Anyan täytyy kohottaa ja lisätä tarinaan tulta samalla, kun hän navigoi tylsässä ja sortavassa Venäjällä. Vaikka Cooganin Anya löytää valtavasti voimansa ja äänensä tarinan loppupuolella, Anya saisi olla läpitunkemassa enemmän voimaa koko ajan. Siitä huolimatta Cooganin selkeä ääni, Pygmalionin kaltainen muodonmuutos ja kirkassilmäinen optimismi innostavat sekä lapsia että aikuisia.
Yksittäisiä suorituksia lukuun ottamatta teokseen ripotellut visuaalisesti viehättävät ryhmänumerot tarjoavat tervetulleita kauneuden ja juuston hetkiä, joita vain musiikkiteatterin genre voi tarjota. ”Olipa kerran joulukuu” -kappaleen lumoava valssi korostaa erityisesti Linda Chon aikakaudelle sopivaa edvardiaanista pukusuunnittelua, joka on sekä tyylillisesti odotettu että toivottu tämäntyyppiselle esitykselle. Muissa kappaleissa, kuten ”Paris Holds the Key”, ensemble nostaa hameensa ylös osallistuakseen 1920-luvun juhlallisiin juhliin, joissa on useita Charleston-variaatioita, kärrynpyöriä, jazz-käsiä ja läpikotaisin nykyaikaisia kampauksia. Tämä numero antaa täydellisen pohjustuksen värikkäämmälle, sydäntälämmittävämmälle ja miellyttävämmälle toiselle näytökselle.
”Paris Holds the Key” saa hyvän tuen yhdestä musikaalin johdonmukaisesti onnistuneimmista suunnitteluelementeistä: sen eloisista ja jatkuvasti vaihtuvista projektioista. Suunnittelija Aaron Rhynen projisoinnit ovat verrattavissa Disneylandin ikoniseen lentosimulaatio-vetonaulaan Soarin’. Rhyne lennättää yleisöä surrealistisesti Pariisin ja Venäjän yllä ja niiden ympäristössä, herättää henkiin aaveita, kartoittaa päähenkilömme matkan ja paljon muuta. Projisoinnit saavuttavat interaktiivisen huippunsa ”We’ll Go From There” -kappaleen aikana, kun Anya, Dmitri ja Vlad ahtautuvat junaan pois Venäjältä. Kun kukin kolmesta hahmosta vauhdittaa junan liikettä pomppivilla musiikillisilla featureteilla, joiden melodiat leikkaavat jännittävästi toisiaan, taustaprojisoinnit muuttuvat hahmojen kuljettaman fyysisen junan pyörähdysten ja kierrosten tahdissa. Se on mukaansatempaavaa teatterisavua ja -peiliä, teknologisesti päivitettynä nykyaikaan.
Kaiken kaikkiaan ”Anastasia” on musikaalinen helmi. Sydämeni paisuu lämmöstä ja lupauksesta aina kun ajattelen sitä, visuaalinen ilme on upea ja musiikki on juuttunut päähäni syyskuusta lähtien. Teatterin katsojat lähtevät teatterista sisäistettyään ajatukset siitä, että ”et voi olla kukaan, ellet ensin tunnista itseäsi”, kuten leskikeisarinna opettaa, ja että ”koskaan ei ole liian myöhäistä tulla kotiin”, kuten Anya oppii. Vaikka toivoisin, että jotkin päähenkilöt olisi kuvattu monitahoisemmin, porukka kokonaisuutena onnistuu.
Kontaktit Chloe Wintersteeniin osoitteeseen chloe20 ’at’ stanford.edu.