J’ai passé beaucoup de temps à penser au théâtre musical pendant ces vacances, surtout que notre décennie actuelle touche à sa fin. En tant qu’amateur de théâtre musical depuis une décennie, et qui le sera toute sa vie, je me surprends souvent à ruminer sur les productions que j’ai vues dans le passé. J’ai récemment reconsidéré la production itinérante d' »Anastasia » que j’ai vue lors de son passage à San Francisco en septembre 2019 ; la tournée est actuellement à Toronto, si quelqu’un a besoin d’une pause dans le théâtre politique américain actuel. J’ai ressenti une certaine dissonance cognitive lorsque j’ai vu le spectacle, et ce sentiment a germé avec le temps. J’avais auparavant admiré la production de Broadway (que j’ai peut-être accidentellement espionnée en regardant un enregistrement pirate sur YouTube, aujourd’hui inexistant). Cependant, la production de la tournée actuelle n’est pas tout à fait à la hauteur de son prédécesseur de Broadway sur le plan stylistique. Peut-être que mes pérégrinations en ligne m’ont amené à croire que la production originale de Broadway était meilleure qu’elle ne l’était en réalité, mais je choisis de croire la première.
Dans « Anastasia » la comédie musicale, la protagoniste Anya, qui souffre d’amnésie, rencontre une boîte à musique que sa grand-mère lui avait offerte plusieurs années auparavant. Cette boîte à musique aide Anya à démêler et à récupérer ses souvenirs perdus. Dans la production de Broadway, Anya déverrouille la boîte à musique en la remontant deux fois, puis en cliquant sur un loquet secret. Dans la production de tournée, il manque littéralement le clic supplémentaire lorsque la boîte à musique est ouverte avec succès. Bien que ce détail ne soit ni explicite ni nécessaire, le clic supplémentaire confère à la boîte à musique déjà énigmatique un peu plus de magie. Cette petite anomalie illustre parfaitement mes réserves à l’égard de la tournée « Anastasia ». Bien que la production en tournée soit belle et divertissante en soi, certains aspects de la production n’ont pas le déclic supplémentaire, ou l’étincelle de magie, que la mise en scène de Broadway contenait. Cela concerne en particulier certains choix d’acteurs peu reluisants faits dans le premier acte. La valeur de production de la tournée « Anastasia » aurait été grandement améliorée si elle avait présenté des détails plus nuancés qui étaient clairement dans le domaine des possibilités esthétiques de la comédie musicale.
La comédie musicale « Anastasia » a été créée à Broadway en 2016 avec un livre de Terrence McNally et une musique de Lynn Ahrens et Stephen Flaherty. Elle est basée sur le film d’animation de 1997 du même nom. Comme le film, le récit de la comédie musicale s’inspire de la légende de la grande duchesse Anastasia. Selon cette légende, Anastasia est la seule princesse Romanov à avoir échappé à l’exécution de sa famille, ce qui fait des liens d’Anastasia avec la Russie impériale une menace potentielle pour le contrôle soviétique. Comme prévu, la narration et le style de la comédie musicale pour la scène sont plus matures que le film, avec de nouvelles chansons, un développement plus profond des personnages et un général bolchevique plus vrai que nature comme principal antagoniste au lieu du Raspoutine dépeint de façon magique dans le film.
Le plus grand succès de la comédie musicale sur scène est en effet sa musique. Bien que contemporaines, ses mélodies pleines de nostalgie se sentent ancrées dans l’histoire, la tradition et la révérence culturelle. La collection de chansons est insolublement interconnectée, tout en présentant une multitude de styles musicaux. Au cours de la soirée, le somptueux orchestre interprète des valses, des chansons solos passionnées, des numéros de danse de big band et des hymnes retentissants. Appréciée par les fans du film, la comédie musicale conserve des chansons emblématiques telles que « Once Upon a December », « Journey to the Past » et « Paris Holds the Key ». Cependant, la comédie musicale présente maintenant de nouvelles chansons phares, notamment « In My Dreams », « My Petersburg » et « Quartet at the Ballet ». L’un des meilleurs moments de la comédie musicale, et le plus méconnu, est l’obsédant « Stay, I Pray You », dans lequel Anya (Lila Coogan), ses nouveaux amis Dmitry (Stephen Browner) et Vlad (Edward Staudenmayer) et d’autres voyageurs étrangers prennent un moment pour apprécier leur patrie avant de monter dans un train sans retour pour Paris. Cette rêverie musicale est menée par le comte Ipolitov (Brad Greer), qui vole sans doute le premier acte avec son baryton cristallin, de formation classique et rempli d’émotion, même s’il n’apparaît à aucun autre moment de la comédie musicale.
Similaire à « Stay, I Pray You », « Quartet at the Ballet » est également une scène musicalisée sous-appréciée. Elle est réussie grâce à des performances vocales chargées d’émotion et à des démonstrations impressionnantes de prouesses de danse classique. Des récits qui s’entrechoquent, un pot-pourri d’airs repris et une ironie dramatique captivante rendent ce numéro particulièrement culminant, d’autant plus qu’Anya, Dmitry, la grand-mère d’Anya, l’impératrice douairière (Joy Franz) et le poursuivant soviétique d’Anya, Gleb (Jason Michael Evans), se retrouvent tous au même endroit pour la première fois. De plus, « Quartet at the Ballet » présente un interlude de ballet de niveau professionnel rappelant le « Lac des cygnes », dans lequel le soliste principal exécute victorieusement 16 fouettés. L’inclusion d’interludes de ballet classique dans les comédies musicales a depuis longtemps été déconventionnalisée, il est donc intéressant de voir ce type de séquence réintroduite dans une itération contemporaine de la forme. Cependant, « Quartet at the Ballet » offre également un exemple de l’un des défauts de la tournée. Dans le ballet, deux danseurs masculins de même stature se disputent le cygne et un danseur noir a été choisi pour incarner le méchant des deux. Cette décision est d’autant plus lourde de conséquences que la production manque cruellement d’interprètes de couleur et que chaque personnage vedette est joué par un acteur blanc. Ce choix de casting perpétue des sentiments et des histoires dommageables et pourrait même être interprété comme une micro-agression de la part de l’équipe de casting.
Contrairement au ballet, la comtesse Lily (Tari Kelly) est impeccablement distribuée et elle vole facilement le deuxième acte. Dans son premier grand numéro, « Land of Yesterday », Kelly danse énergiquement et chante puissamment la chanson sans jamais sembler essoufflée. Sa performance inébranlable est particulièrement impressionnante compte tenu de son âge avancé, qu’elle utilise intelligemment pour donner de l’élan à sa comédie. Dans « The Countess and the Common Man », Kelly et Staudenmayer interprètent de façon hilarante un duo d’amour qu’un couple plus jeune n’aurait aucun mal à exécuter, mais la mise en valeur avec tact des incapacités physiques de Kelly et Staudenmayer laisse le public glousser de rire.
Bien que l’interprétation de Lily par Kelly satisfasse pleinement, certains autres personnages principaux ne suscitent pas autant d’intérêt que leurs homologues originaux de Broadway. Jason Michael Evans, dans le rôle de Gleb, exécute de multiples solos vocalement époustouflants, et son ton et son style sont presque identiques à ceux de l’original de Gleb, Ramin Karimloo. Au début, Evans choisit de manière experte de trouver l’impact dans l’immobilité. Cependant, cette tactique ne vieillit pas bien tout au long du spectacle et le choix répété d’Evans de stagner pendant qu’il chante est décevant. Son personnage connaît une croissance intense tout au long de la soirée, mais ces changements internes ne sont pas aussi manifestes qu’ils auraient pu l’être dans ses soliloques. À l’inverse, Edward Staudenmayer, dans le rôle de Vlad, est constamment intéressant, mais il est affligé d’une diction désordonnée et d’une impulsion occasionnelle à utiliser une voix d’opéra maladroite qui suscite des rires faciles. Ces deux points de faiblesse technique détournent l’attention des aspects vraiment drôles et intelligents de sa performance d’acteur.
Contrairement à Evans et Staudenmayer, qui présentent les mêmes forces et faiblesses tout au long de la soirée, Stephen Brower et Lila Coogan (incarnant respectivement Dmitry et Anya) semblent subir une intervention pendant l’entracte, après quoi leurs performances sont nettement améliorées. Lorsque les deux personnages sont singulièrement motivés pour quitter la Russie au premier acte, Brower et Coogan jouent des actions similaires, ce qui entraîne une certaine platitude. Mais une fois que l’histoire se déplace à Paris, les deux acteurs trouvent de nouvelles profondeurs de sentiments et de sympathie dans leurs personnages. J’aimerais que ce ne soit pas le cas, surtout pour l’arc narratif d’Anya.
La franchise « Anastasia » a gagné en notoriété pour être ouvertement plus féministe que ses homologues qui centrent les femmes dirigeantes autour d’intrigues axées sur la romance. Anya, contrairement à de nombreuses princesses de fiction, n’a pas besoin d’être sauvée. Elle est forte et ne veut pas sacrifier ses objectifs personnels. Anya ne cherche pas à s’émanciper, mais plutôt à se battre pour son propre épanouissement. Mais malheureusement, l’Anya de Coogan est plus terne et effrayée que provocante. Et ces attitudes sont surtout présentes lorsqu’Anya a besoin de s’élever et d’ajouter du feu à l’histoire tout en naviguant dans une Russie terne et répressive. Bien que l’Anya de Coogan découvre énormément son pouvoir et sa voix à la fin de l’histoire, elle devrait être imprégnée de plus de force tout au long du récit. Quoi qu’il en soit, la voix claire de Coogan, sa transformation à la Pygmalion et son optimisme aux yeux brillants inspireront les enfants comme les adultes.
Les performances individuelles mises à part, les numéros de groupe visuellement attrayants disséminés dans la pièce offrent des moments bienvenus de beauté et de fromage que seul le genre de la comédie musicale pouvait offrir. La valse glamour de « Once Upon a December » met particulièrement en valeur les costumes édouardiens de Linda Cho, adaptés à l’époque, qui sont à la fois attendus et souhaités pour un spectacle de ce type. Dans d’autres chansons, comme « Paris Holds the Key », l’ensemble relève ses jupes pour participer à une séquence de fête typique des années 1920, avec de multiples variations de charleston, des roues de charrette, des mains de jazz et des coupes de cheveux modernes. Ce numéro donne parfaitement le ton à un deuxième acte plus coloré, réconfortant et agréable.
« Paris Holds the Key » est bien soutenu par l’un des éléments de conception les plus constamment réussis de la comédie musicale : ses projections zélées et toujours changeantes. Les projections du concepteur Aaron Rhyne sont comparables à l’attraction emblématique de simulation de vol de Disneyland, Soarin’. Rhyne fait voler les spectateurs de façon surréaliste au-dessus et autour de Paris et de la Russie, donne vie à des fantômes, trace le voyage de notre protagoniste, etc. Les projections atteignent leur apogée interactive pendant « We’ll Go From There », lorsqu’Anya, Dmitry et Vlad sont embarqués dans un train qui quitte la Russie. Alors que chacun des trois personnages propulse le mouvement du train à l’aide d’éléments musicaux sautillants, dont les mélodies se croisent de manière passionnante, les projections d’arrière-plan changent en même temps que les tours et les détours du train physique dans lequel les personnages se trouvent. C’est un petit bout de fumée théâtrale et des miroirs, technologiquement mis à jour pour notre temps.
Dans l’ensemble, « Anastasia » est un bijou musical. Mon cœur se gonfle de chaleur et de promesses chaque fois que j’y pense, les visuels sont époustouflants et la musique est restée dans ma tête depuis septembre. Les spectateurs quittent la salle en ayant intériorisé les notions suivantes : « on ne peut être quelqu’un que si l’on se reconnaît soi-même », comme le dit l’impératrice douairière, et « il n’est jamais trop tard pour rentrer à la maison », comme l’apprend Anya. Bien que j’aurais aimé que certains personnages principaux soient dépeints de manière plus complexe, la compagnie dans son ensemble livre.
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