Mise en scène à l’époque médiévale
Le théâtre médiéval désigne les représentations théâtrales de la période comprise entre la chute de l’Empire romain d’Occident au Ve siècle de notre ère. et le début de la Renaissance, approximativement au 15e siècle de notre ère.
En raison d’un manque d’enregistrements et de textes survivants, d’un faible taux d’alphabétisation de la population générale et de l’opposition du clergé à certains types de spectacles, il existe peu de sources survivantes sur le théâtre médiéval des périodes du Haut et du Bas Moyen Âge. Cependant, à la fin de la période, l’art dramatique et le théâtre ont commencé à se séculariser et un plus grand nombre de documents survivent, documentant des pièces et des représentations.
À partir du Ve siècle, l’Europe occidentale a été plongée dans une période de désordre général qui a duré jusqu’au Xe siècle après J.-C. Ainsi, la plupart des activités théâtrales organisées ont disparu en Europe occidentale.
Selon la région où se déroulaient les représentations, les pièces étaient jouées au milieu de la rue, sur des chariots de reconstitution dans les rues des grandes villes (ce qui était gênant pour les acteurs car la petite taille de la scène rendait les déplacements scéniques impossibles), dans les salles de la noblesse, ou en rond dans des amphithéâtres, comme le suggère l’archéologie actuelle en Cornouailles et dans le sud-ouest de l’Angleterre.
L’illustration la plus détaillée d’une scénographie de pièce à mystères est le frontispice de La Passion et la Résurrection du Sauveur d’Hubert Cailleau. Toutes les productions scéniques médiévales étaient temporaires et devaient être retirées à la fin des représentations. Les acteurs, principalement des hommes, portaient généralement de longues robes sombres.
Mise en scène médiévale:
Deux grands types de scènes dans le théâtre médiéval : Les fixes et les mobiles. Ces astuces techniques seraient plus poussées sur les scènes fixes. Le manoir et le plateau ont été empruntés aux offices religieux. La présentation simultanée de plusieurs lieux empruntés également au drame liturgique- La mise en scène simultanée était une caractéristique distinctive du théâtre médiéval.
Le théâtre médiéval prenait vie sur deux scènes différentes : La scène fixe (stationnaire), et le chariot de reconstitution.
La scène fixe consistait en un grand manoir, qui servait de différents lieux et de changements de scène pour pendant les pièces. Le Paradis et l’Enfer étaient les deux royaumes opposés identifiés par les deux côtés opposés de la scène. Le plateau était la zone de jeu (l’équivalent romain de la skene dans le théâtre grec), adjacente au manoir. Les acteurs pouvaient être soulevés et descendus de la scène à l’aide de ce qui était alors considéré comme une machinerie exemplaire, comme les trappes, le feu et les techniques de vol.
D’autre part, les pages étaient les scènes plus physiques qui étaient manœuvrées à l’aide de chariots. Leurs plates-formes pouvaient accueillir plusieurs acteurs ainsi que des accessoires minimaux tels que des chaises et des tables. L’avantage : Ils attiraient de grandes masses de public dans les marchés de plein air et les festivals qui pouvaient enquêter sur la scène en passant, l’inconvénient était que les acteurs devaient faire un effort supplémentaire pour se cacher quand ce n’était pas leur scène.
Soon ces scènes stationnaires ont commencé à changer. La construction des scènes s’est rapidement tournée vers quelque chose de différent, les » pageant wagons « , qui étaient essentiellement de petites scènes placées sur un chariot en bois à roues. Ce nouveau type de scène change le nombre de personnes qui peuvent voir les pièces. Au lieu que les gens doivent se rendre à l’église pour voir la pièce, la scène et la pièce peuvent maintenant venir à eux. Les wagons parcouraient souvent les villes et jouaient les pièces plusieurs fois pour que les gens puissent les voir. Les wagons étaient traînés dans la région et les acteurs jouaient leurs rôles encore et encore pour le public changeant. Chaque wagon présentait une scène différente de la Bible et était aménagé de manière différente pour correspondre à la pièce qui s’y déroulait. Ces nouveaux espaces de représentation étaient construits par des guildes dont la profession correspondait à l’histoire. Ces groupes d’hommes, qui partagent des professions étroitement liées, se réunissent et construisent des scènes très élaborées. Habituellement, ces scènes comportaient trois parties différentes et représentaient la terre, le ciel et l’enfer, la terre se trouvant généralement au milieu des autres. La machinerie scénique n’était pas aussi importante que sur les scènes fixes, de sorte que le vol n’était pas un tour de passe-passe habituel. Pour représenter Dieu et les anges, les acteurs se trouvaient plutôt du côté « ciel » de la scène. Pour montrer la différence, le « côté ciel » de la scène était décoré de coton, pour représenter les nuages, et le « côté enfer » était rouge et contenait généralement la « bouche de l’enfer ». La bouche de l’enfer était un grand monstre crachant du feu, qui crachait des démons et des diables. Lorsque les scènes ont été déplacées hors de la propriété catholique, les guildes ont pu s’en tirer davantage. À l’époque médiévale originale, les scènes auraient situé le « ciel » et l' »enfer » très loin l’un de l’autre, mais maintenant qu’ils étaient hors du sol de l’église, ils construisaient ce qu’ils jugeaient bon, et ce qui obtenait les meilleures réactions du public.
Théâtre anglais de la Renaissance 1542-1642
Théâtre italien de la Renaissance:
Pendant la Renaissance italienne, il y eut une nouvelle idée qui révolutionna le théâtre. À cette époque, les artistes créaient de nouvelles idées fantastiques sur la peinture et la vision de l’art. Ces nouvelles idées ont créé un nouveau regard intéressant sur les possibilités du théâtre. Vers la deuxième décennie des années 1400, Filippo Brunelleschi a créé une nouvelle idée audacieuse appelée perspective linéaire. Cette idée permettait l’illusion de l’espace et de la distance, créant fondamentalement un aspect tridimensionnel à une peinture sur une surface plane.
Scène italienne
Avec cette idée révolutionnaire, d’autres artistes ont commencé à créer des décors qui ont créé une nouvelle compréhension pour le jeu d’acteur. Au milieu de l’année 1545, un homme du nom de Sebastiano Serlio publia un travail détaillé sur la construction et la conception d’un nouveau type de théâtre de cour (Wild, « Renaissance Theatre : Italy »). Dans ce nouveau modèle, l’avant de la scène était en contact direct avec le sol et s’inclinait lentement vers l’arrière de la scène. Sur cette inclinaison, il plaça quatre « ailes », l’une parallèle au public, créant une sorte de fond de scène, deux autres placées sur les côtés de la scène et inclinées vers l’intérieur, vers le fond central, et une dernière placée sur les ailes latérales, créant un ciel (Wild, « A Brief History of Theatrical Scenery »). Ces ailes, bien que destinées aux effets visuels, permettaient également de couvrir les murs environnants, les chevrons, les poulies et les cordes, ainsi que le mur du fond du théâtre. Grâce à cette conception de la boîte, Serlio a créé une scène qui non seulement donnait l’illusion de la profondeur mais offrait une vue réaliste d’une rue et de ses environs. Serlio a fourni, dans son livre, des instructions détaillées sur la façon de créer chaque scène en fonction du type de théâtre dans lequel la pièce devait être représentée. Il a expliqué en détail comment créer un décor pour des pièces tragiques, comiques et satiriques, chacune ayant sa propre conception et son propre environnement. Le décor tragique de Serilo était composé de colonnes, de frontons, de statues et de décorations royales, ainsi que d’une route centrale entourée de trois maisons des deux côtés et d’un arc à l’arrière. Le décor comique consiste en un groupe d’édifices et de galeries dont les fenêtres ont été créées de manière à ressembler à celles de maisons privées ordinaires, entourant une route centrale. Enfin son décor satirique consistait en un aspect plus pastoral, il était couvert d’arbres, de grottes, de collines et d’autres choses que l’on voit souvent dans la nature, et cette scène avait également une route centrale.
Serilo conception de scène tragique
Serilo scène comique / conception
Serilo scène pastorale
Satorical conception de scène
Théâtre élisabéthain :
Sous Elizabeth I, le théâtre était une expression unifiée en ce qui concerne la classe sociale, la Cour regardait les mêmes pièces que les citoyens ordinaires voyaient dans les théâtres publics. Avec le développement des théâtres privés, le drame est devenu plus orienté avec les valeurs d’un public de classe supérieure.
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