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Ho passato molto tempo a pensare al teatro musicale durante questa pausa festiva, specialmente mentre il nostro attuale decennio si avvicina alla fine. Come amante del teatro musicale da dieci anni, e che lo sarà per tutta la vita, spesso mi ritrovo a rimuginare sulle produzioni che ho visto in passato. Recentemente ho riconsiderato la produzione itinerante di “Anastasia” che ho visto quando è passata per San Francisco nel settembre 2019; il tour è attualmente a Toronto, a proposito, se qualcuno ha bisogno di una pausa dall’attuale teatro politico americano. Ho sentito una certa dissonanza cognitiva quando ho visto lo spettacolo, e questa sensazione è germogliata nel tempo. In precedenza avevo ammirato la produzione di Broadway (che potrei aver accidentalmente spiato guardando una registrazione bootleg di YouTube ormai inesistente). L’attuale produzione itinerante, tuttavia, non sostiene pienamente il merito stilistico del suo predecessore di Broadway. Forse le mie peregrinazioni online mi hanno fatto credere che la produzione originale di Broadway fosse migliore di quanto fosse in realtà, ma io scelgo di credere alla prima.

In “Anastasia” il musical, la protagonista Anya, che soffre di amnesia, incontra un carillon che sua nonna le aveva regalato molti anni prima. Questo carillon aiuta Anya a districarsi e a recuperare i suoi ricordi perduti. Nella produzione di Broadway, Anya sblocca il carillon avvolgendolo due volte e poi facendo scattare un chiavistello segreto. Nella produzione itinerante manca letteralmente il click extra ogni volta che il carillon viene aperto con successo. Anche se questo dettaglio non è né evidente né necessario, il click extra infonde al già enigmatico carillon un po’ più di magia. Questa piccola discrepanza incarna perfettamente le mie remore con il tour di “Anastasia”. Anche se la produzione in tour è bella e divertente di per sé, alcuni aspetti della produzione mancano di quel click extra, o scintilla di magia, che la messa in scena di Broadway conteneva. Questo riguarda soprattutto alcune scelte di recitazione poco brillanti fatte nel primo atto. Il valore della produzione del tour di “Anastasia” sarebbe stato notevolmente migliorato se avesse presentato dettagli più sfumati che erano chiaramente nel regno delle possibilità estetiche del musical.

Il musical teatrale “Anastasia” ha debuttato a Broadway nel 2016 con un libro di Terrence McNally e musica di Lynn Ahrens e Stephen Flaherty. È basato sull’omonimo film d’animazione del 1997. Come il film, la narrazione del musical è ispirata alla leggenda della granduchessa Anastasia. La leggenda caratterizza Anastasia come l’unica principessa Romanov che potrebbe essere sfuggita all’esecuzione della sua famiglia, rendendo i legami di Anastasia con la Russia imperiale una potenziale minaccia al controllo sovietico. Come previsto, la narrazione e lo stile del musical teatrale è più maturo rispetto al film, con nuove canzoni, uno sviluppo più profondo dei personaggi e un generale bolscevico più vero come antagonista principale invece del Rasputin magicamente ritratto nel film.

Il più grande successo del musical teatrale è davvero la sua musica. Anche se contemporanea, le sue melodie piene di nostalgia si sentono radicate nella storia, nella tradizione e nella riverenza culturale. La collezione di canzoni è insolubilmente interconnessa, ma presenta una serie di stili musicali. Nel corso della serata, la sontuosa orchestra produce valzer, canzoni appassionate da solista, numeri di danza da big band e inni travolgenti. Come amato dai fan del film, il musical sul palco mantiene canzoni iconiche come “Once Upon a December”, “Journey to the Past” e “Paris Holds the Key”. Tuttavia, il musical ora presenta nuove canzoni di spicco tra cui “In My Dreams”, “My Petersburg” e “Quartet at the Ballet”. Uno dei migliori e più sottovalutati momenti musicali è l’ossessionante “Stay, I Pray You”, in cui Anya (Lila Coogan), i suoi nuovi amici Dmitry (Stephen Browner) e Vlad (Edward Staudenmayer) e altri viaggiatori estranei si prendono un momento per apprezzare la loro patria prima di salire su un treno di sola andata per Parigi. Questa fantasticheria musicale è guidata dal conte Ipolitov (Brad Greer), che probabilmente ruba il primo atto con il suo baritono cristallino, di formazione classica e pieno di emozioni, anche se non è presente in nessun altro punto del musical.

Simile a “Stay, I Pray You”, anche “Quartet at the Ballet” è una scena musicalizzata sottovalutata. Ha successo grazie alle performance vocali cariche di emozioni e alle impressionanti dimostrazioni di abilità nella danza classica. Narrazioni contrastanti, un medley di melodie ripetute e un’accattivante ironia drammatica rendono il numero particolarmente culminante, soprattutto perché Anya, Dmitry, la nonna di Anya, l’Imperatrice Vedova (Joy Franz) e l’inseguitore sovietico di Anya, Gleb (Jason Michael Evans), si trovano tutti nello stesso posto per la prima volta. Inoltre, “Quartet at the Ballet” presenta un interludio di balletto di livello professionale che ricorda “Il lago dei cigni” in cui il solista principale esegue vittoriosamente 16 fouetté. L’inclusione di interludi di balletto classico nel teatro musicale è stato da tempo de-convenzionato, quindi è emozionante vedere questo tipo di sequenza reinserita in una iterazione contemporanea della forma. Tuttavia, “Quartet at the Ballet” offre anche un esempio di una delle mancanze del tour. Nel balletto, due ballerini maschi di pari statura si contendono il cigno e un ballerino nero è stato scelto come il cattivo dei due. Questa decisione sembra particolarmente carica, dal momento che la produzione manca enormemente di interpreti di colore e ogni personaggio protagonista è interpretato da un attore bianco. Questa scelta di casting perpetua sentimenti e storie dannose e potrebbe anche essere interpretata come una micro-aggressione da parte del team di casting.

A differenza del balletto, la contessa Lily (Tari Kelly) è impeccabile e ruba facilmente il secondo atto. Nel suo primo grande numero, “Land of Yesterday”, Kelly balla energicamente e canta con forza la canzone, ma non sembra mai essere a corto di fiato. La sua performance infallibile è particolarmente impressionante data la sua età avanzata, che usa intelligentemente come impulso per la sua commedia. In “The Countess and the Common Man”, Kelly e Staudenmayer eseguono in modo esilarante un duetto d’amore che una coppia più giovane non avrebbe problemi ad eseguire, ma l’abile valorizzazione delle incapacità fisiche di Kelly e Staudenmayer lascia il pubblico ridacchiare.

Anche se l’interpretazione di Kelly di Lily soddisfa pienamente, alcuni altri personaggi principali non evocano tanto interesse quanto le loro controparti originali di Broadway. Jason Michael Evans come Gleb esegue diversi assoli vocalmente sbalorditivi, e il suo tono e il suo stile sono quasi identici a quelli dell’originale di Gleb, Ramin Karimloo. All’inizio, Evans sceglie abilmente di trovare l’impatto nell’immobilità. Tuttavia, questa tattica non invecchia bene nel corso della performance e la scelta ripetuta di Evans di essere stagnante mentre canta è deludente. Il suo personaggio sperimenta un’intensa crescita nel corso della serata, ma questi cambiamenti interni non sono così evidenti come avrebbero potuto essere nei suoi soliloqui. Al contrario, Edward Staudenmayer nel ruolo di Vlad è costantemente interessante, ma è afflitto da una dizione disordinata e da un occasionale impulso ad usare una voce da opera buffa che raccoglie risate a buon mercato. Questi due punti di debolezza tecnica distraggono dagli aspetti veramente divertenti e intelligenti della sua performance attoriale.

A differenza di Evans e Staudenmayer, che mostrano gli stessi punti di forza e di debolezza per tutta la serata, Stephen Brower e Lila Coogan (che interpretano rispettivamente Dmitry e Anya) sembrano subire un intervento durante l’intervallo, dopo il quale le loro performance sono nettamente migliorate. Quando entrambi i personaggi sono singolarmente motivati a lasciare la Russia nel primo atto, Brower e Coogan interpretano azioni simili, il che risulta in una certa piattezza. Ma una volta che la storia si sposta a Parigi, entrambi gli attori trovano nuove profondità di sentimento e simpatia nei loro personaggi. Vorrei che questo non fosse il caso, specialmente per l’arco narrativo di Anya.

Il franchise di “Anastasia” si è guadagnato la notorietà per essere palesemente più femminista delle sue controparti che centrano le donne protagoniste su storyline guidate dal romanticismo. Anya, a differenza di molte principesse romanzate, non è una che ha bisogno di essere salvata. È dura e non è disposta a sacrificare i suoi obiettivi personali. Anya non sta cercando di essere potenziata, ma piuttosto di lottare per la propria auto-realizzazione. Ma sfortunatamente, l’Anya di Coogan si presenta come un personaggio vaporoso e spaventato piuttosto che provocatorio. E questi atteggiamenti sono più presenti quando Anya ha bisogno di sollevare e aggiungere fuoco alla storia mentre naviga in una Russia noiosa e repressiva. Anche se l’Anya di Coogan scopre enormemente il suo potere e la sua voce entro la fine della storia, Anya dovrebbe essere permeata di più forza per tutto il tempo. In ogni caso, la voce chiara di Coogan, la trasformazione simile a Pigmalione e l’ottimismo dagli occhi brillanti ispireranno sia i bambini che gli adulti.

Per quanto riguarda le performance individuali, i numeri di gruppo visivamente accattivanti sparsi per tutta l’opera forniscono graditi momenti di bellezza e formaggio che solo il genere del teatro musicale potrebbe fornire. Il valzer glamour di “Once Upon a December” mette particolarmente in evidenza il design dei costumi edoardiani appropriato al periodo di Linda Cho, che è sia stilisticamente atteso che desiderato per uno spettacolo di questo tipo. In altre canzoni come “Paris Holds the Key”, l’ensemble si alza le gonne per partecipare ad una quintessenza della festa dei ruggenti anni ’20 con molteplici variazioni di charleston, cartwheels, jazz hands e tagli di capelli completamente moderni. Questo numero imposta perfettamente il tono per un secondo atto più colorato, commovente e piacevole.

“Paris Holds the Key” è ben supportato da uno degli elementi di design più coerentemente riusciti del musical: le sue proiezioni vivaci e sempre mutevoli. Le proiezioni del designer Aaron Rhyne sono paragonabili all’iconica attrazione di simulazione di volo di Disneyland, Soarin’. Rhyne fa volare surrealisticamente il pubblico sopra e intorno a Parigi e alla Russia, porta in vita i fantasmi, traccia le mappe del viaggio del nostro protagonista e altro ancora. Le proiezioni raggiungono il loro picco interattivo durante “We’ll Go From There”, quando Anya, Dmitry e Vlad sono stivati su un treno fuori dalla Russia. Mentre ciascuno dei tre personaggi spinge il movimento del treno con caratteristiche musicali rimbalzanti, le cui melodie si intersecano in modo eccitante, le proiezioni di sfondo cambiano in tandem con le rotazioni e le torsioni del treno fisico su cui i personaggi viaggiano. Si tratta di un po’ di fumo e di specchi teatrali, tecnologicamente aggiornati per i nostri tempi.

In generale, “Anastasia” è un gioiello musicale. Il mio cuore si gonfia di calore e di promesse ogni volta che ci penso, le immagini sono stupefacenti e la musica mi è rimasta in testa da settembre. Gli spettatori lasciano il teatro avendo interiorizzato le nozioni che “non puoi essere nessuno se prima non riconosci te stesso”, come insegna l’imperatrice vedova, e che “non è mai troppo tardi per tornare a casa”, come impara Anya. Anche se avrei voluto che alcuni personaggi principali fossero ritratti in modo più complesso, la compagnia in generale ci riesce.

Contattare Chloe Wintersteen a chloe20 ‘at’ stanford.edu.

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