Messa in scena nel Medioevo
Il teatro medievale si riferisce alla rappresentazione teatrale nel periodo tra la caduta dell’Impero Romano d’Occidente nel V secolo d.C. e l’inizio del Rinascimento, all’incirca nel XV secolo d.C.
A causa della mancanza di documenti e testi sopravvissuti, del basso tasso di alfabetizzazione della popolazione in generale e dell’opposizione del clero ad alcuni tipi di spettacolo, ci sono poche fonti sopravvissute sul dramma medievale del primo e dell’alto Medioevo. Tuttavia, nel tardo periodo, il dramma e il teatro cominciarono a diventare più secolarizzati e sopravvive un maggior numero di documenti che documentano rappresentazioni e spettacoli.
A partire dal V secolo, l’Europa occidentale fu immersa in un periodo di disordine generale che durò fino al X secolo d.C. Come tale, la maggior parte delle attività teatrali organizzate scomparve in Europa occidentale.
A seconda della zona in cui si svolgevano le rappresentazioni, i drammi venivano rappresentati in mezzo alla strada, su carri paggetto nelle strade delle grandi città (questo era scomodo per gli attori perché le piccole dimensioni del palcoscenico rendevano impossibile lo spostamento), nelle sale della nobiltà, o a tutto tondo negli anfiteatri, come suggerisce l’archeologia attuale in Cornovaglia e nel sud-ovest dell’Inghilterra.
L’illustrazione più dettagliata della scenografia di un dramma misterioso è il frontespizio della Passione e Resurrezione del Salvatore di Hubert Cailleau. Tutta la produzione scenica medievale era temporanea e ci si aspettava che venisse rimossa al termine delle rappresentazioni. Gli attori, prevalentemente maschi, tipicamente indossavano abiti lunghi e scuri.
Medieval Staging:
Due tipi principali di palcoscenici nel teatro medievale: Fisso e Mobile. Questi trucchi tecnici sarebbero più estesi sui palcoscenici fissi. Il palazzo e la platea erano presi in prestito dalle funzioni religiose. L’esibizione simultanea di diversi luoghi, anch’essa presa in prestito dal dramma liturgico. La messa in scena simultanea era una caratteristica distintiva del teatro medievale.
Il teatro medievale prendeva vita su due palchi diversi: Il palcoscenico fisso (stazionario) e il carro dei paggetti.
Il Palcoscenico Fisso consisteva in un grande palazzo, che serviva come diversi luoghi e cambi di scena durante le rappresentazioni. Il Paradiso e l’Inferno erano i due regni opposti identificati dai due lati opposti del palco. La platea era l’area di recitazione (l’equivalente romano della skene nel teatro greco), adiacente al palazzo. Gli attori potevano essere sollevati e abbassati dal palcoscenico utilizzando quello che allora era considerato un macchinario esemplare come le botole, il fuoco e le tecniche di volo.
D’altra parte, i paggi erano i palcoscenici più fisici che venivano manovrati utilizzando dei carri. Le loro piattaforme potevano contenere diversi attori e oggetti di scena minimi come sedie e tavoli. Il vantaggio: Attiravano grandi masse di pubblico nei mercati all’aperto e nei festival che potevano investigare la scena mentre passavano, il lato negativo era che gli attori dovevano fare uno sforzo in più per nascondersi quando non era la loro scena.
Presto questi palchi stazionari iniziarono a cambiare. La costruzione dei palcoscenici prese presto una svolta verso qualcosa di diverso, i “carri da sfilata”, che erano fondamentalmente piccoli palcoscenici posti su un carrello di legno con le ruote. Questo nuovo tipo di palcoscenico cambiò il numero di persone che potevano vedere le rappresentazioni, invece di dover viaggiare fino alla chiesa per vedere lo spettacolo, il palcoscenico e lo spettacolo potevano ora andare da loro. I vagoni spesso facevano dei cicli attraverso i paesi o le città e recitavano gli atti più volte in modo che la gente potesse vederli. I vagoni venivano trascinati attraverso la zona e gli attori recitavano i loro ruoli più e più volte per il pubblico che cambiava. Ogni carro mostrava una scena diversa della Bibbia e veniva allestito in modo diverso per corrispondere alla rappresentazione che si svolgeva all’interno del carro. Queste nuove aree di rappresentazione venivano ora costruite da corporazioni, la cui professione corrispondeva alla storia. Questi gruppi di uomini, che condividevano professioni strettamente correlate, si riunivano e costruivano palchi molto elaborati. Di solito questi palcoscenici avevano tre parti diverse e rappresentavano la terra, il cielo e l’inferno, di solito con la terra in mezzo alle altre. I macchinari per la messa in scena non erano così importanti come nei palcoscenici fissi, quindi volare non era un trucco usuale della performance, così invece per rappresentare Dio e gli angeli gli attori sarebbero stati nella “parte del cielo” del palco. Per mostrare la differenza, il “lato cielo” del palcoscenico sarebbe stato decorato in cotone, per rappresentare le nuvole, e il “lato inferno” sarebbe stato rosso e di solito conteneva la “bocca dell’inferno”. La bocca dell’inferno era un grande mostro sputafuoco che vomitava demoni e diavoli. Con la messa in scena spostata fuori dalle proprietà cattoliche, i gildani erano in grado di farla franca con di più. Nei tempi medievali originali i palcoscenici avrebbero situato il “paradiso” e l'”inferno” molto lontano l’uno dall’altro, ma ora, mentre erano fuori dal suolo della chiesa, costruivano ciò che ritenevano opportuno e che otteneva le migliori reazioni dal pubblico.
Teatro rinascimentale inglese 1542-1642
Teatro rinascimentale italiano:
Durante il Rinascimento italiano ci fu una nuova idea che rivoluzionò il teatro. In questo periodo gli artisti stavano creando nuove idee fantastiche sulla pittura e la visione dell’arte. Queste nuove idee crearono una nuova interessante visione delle possibilità del teatro. Circa il secondo decennio del 1400 Filippo Brunelleschi creò una nuova idea audace chiamata prospettiva lineare. Questa idea permetteva l’illusione dello spazio e della distanza, creando fondamentalmente un aspetto tridimensionale ad un dipinto su una superficie piana.
Scenografia italiana
Con questa idea rivoluzionaria altri artisti iniziarono a creare scenari che creavano una nuova comprensione della recitazione. A metà del 1545 un uomo di nome Sebastiano Serlio pubblicò un lavoro dettagliato sulla costruzione e progettazione di un nuovo tipo di teatro di corte (Wild, “Renaissance Theatre: Italy”). In questo nuovo modello la parte anteriore del palcoscenico sarebbe stata in contatto diretto con il pavimento mentre lentamente si inclinava all’indietro verso la parte posteriore del palcoscenico. Su questa inclinazione egli pose quattro “ali”, una parallela al pubblico creando una sorta di fondale, due erano poste ai lati del palcoscenico ed erano angolate verso lo sfondo centrale, e una era posta sulle ali laterali creando un cielo (Wild, “A Brief History of Theatrical Scenery”). Queste quinte, anche se per gli effetti visivi, provvedevano anche a coprire le pareti circostanti, le travi, le carrucole e le corde, e la parete posteriore del teatro. Con questo box design Serlio creò un palcoscenico che non solo forniva l’illusione della profondità ma creava una visione realistica di una strada e della zona circostante. Serlio fornì, nel libro, istruzioni dettagliate su come creare ogni palcoscenico per adattarlo al tipo di teatro in cui l’opera doveva essere rappresentata. Scrisse in dettaglio su come creare un set per opere tragiche, comiche e satiriche, ognuna con il proprio design e dintorni. Il set tragico di Serilo consisteva di colonne, frontoni, statue e decorazioni reali insieme a una strada centrale che era circondata da tre case su entrambi i lati e un arco nella parte posteriore. La sua scenografia comica consisteva in un gruppo di edifici e gallerie in cui le finestre erano state create per assomigliare a quelle delle normali abitazioni private che circondavano una strada centrale. Infine il suo set satirico consisteva in un aspetto più pastorale, era coperto di alberi, grotte, colline e altre cose che si vedono spesso in natura, e anche questo palco aveva una strada centrale.
Scena tragica di Serilo
Scena comica di Serilo / design
Scena pastorale di Serilo
Scena satorica
Teatro elisabettiano:
Sotto Elisabetta I, il dramma era un’espressione unificata per quanto riguarda la classe sociale, la Corte assisteva alle stesse opere che i cittadini regolari vedevano nelle sale pubbliche. Con lo sviluppo dei teatri privati, il dramma divenne più orientato ai valori di un pubblico di classe superiore.
