Può la conoscenza indigena far progredire l’industria della moda?

Per innovare, spesso guardiamo avanti. Ma a volte, il modo migliore per andare avanti si trova nella conoscenza tradizionale. Qui chiediamo ai professionisti dell’industria della moda, del tessile e dell’abbigliamento di tutto il mondo come il loro patrimonio culturale e le conoscenze indigene influenzano il loro lavoro e come potrebbero aiutare a far progredire l’industria della moda in una direzione più sostenibile.

Parole e persone

Daniela Poulsen (Yanchapaxi Silva): Ecuadoriana e discendente di una comunità indigena andina della provincia di Cotopaxi in Ecuador; manager delle operazioni e della catena di approvvigionamento per Cotopaxi a Salt Lake City, Utah.

Nel suo lavoro per l’azienda di abbigliamento e attrezzatura d’avventura Cotopaxi, Daniela Poulsen incontra regolarmente persone che presumono che Cotopaxi non sia altro che un nome fittizio creato per attirare l’attenzione. Come nativa ecuadoriana, sa che c’è molto di più.

“Cotopaxi non è solo un nome. Non è solo un business”, spiega. “C’è un’intera comunità che vive intorno al vulcano Cotopaxi in Ecuador”. Poulsen ha legami diretti con quella comunità – suo padre è cresciuto lì.

I marchi hanno la responsabilità di rappresentare rispettosamente il loro omonimo, e Poulsen coglie ogni occasione per collegare i punti tra la base commerciale nello Utah, i fornitori in Asia e la comunità di Cotopaxi. “Quando mi rivolgo a un nuovo partner, fornitore, cliente o cliente, racconto sempre la storia delle nostre origini e della provenienza del nome”, dice. “Vogliamo usare il nome con cura e rispetto, tenendo conto di ciò che significa per la gente, la comunità e il paese dell’Ecuador.”

Il senso di comunità profondamente radicato di Poulsen le fornisce una compassione che guida le decisioni che prende nel suo lavoro quotidiano, e raccomanda ad altri nel settore di fare lo stesso. “Guardate la vostra catena di approvvigionamento più che le vostre entrate o i numeri degli obiettivi”, suggerisce. “Pensate a chi state influenzando, positivamente o negativamente. Non state lavorando solo con una fabbrica o delle macchine; state lavorando con persone e comunità”.

Più non è meglio

Kini Zamora: Nativo hawaiano e filippino; ex concorrente di Project Runway e designer e creatore di The Clique a Honolulu, Hawaii.

Il designer nativo hawaiano e filippino Kini Zamora vive in uno dei luoghi naturalmente più belli del pianeta. E lavora in una delle industrie più dannose per l’ambiente. Crede che il fast fashion (abbigliamento prodotto rapidamente in quantità di massa in risposta alle tendenze, e spesso di bassa qualità e non destinato a durare) stia creando inutili sprechi, e che un semplice cambio di mentalità – per i consumatori e i creatori – potrebbe guidare l’industria in una direzione più sana.

“Nella mia cultura, non si fa o si prende più di quello che serve”, dice. Il rispetto per l’ambiente naturale è centrale nella cultura dei nativi hawaiani ed è parte integrante dell’approccio di Zamora. “Dobbiamo smettere di creare e comprare quantità enormi di vestiti che la gente indosserà solo per una settimana o un anno e poi butterà via”.

Invece, egli mira a “creare abiti che sono speciali, che si abbinano con un altro pezzo della nostra collezione fra tre stagioni, che si conserveranno per 10 o 15 anni e si tramanderanno ai loro figli”.

Gli stilisti possono contribuire a contenere i rifiuti e smettere di alimentare la bestia del fast-fashion concentrandosi su pezzi unici di alta qualità che i consumatori possono continuare a indossare e condividere per gli anni a venire. “Non creiamo solo qualcosa di bello”, spiega Zamora, “c’è sempre una storia dietro”.

In questa storia c’è il rispetto per le sue radici e l’ispirazione per il futuro della moda. “Chiediamo sempre ai nostri kupuna (anziani) il significato culturale delle nostre stampe e il modo giusto di usarle”, dice. “Quando le persone comprano i nostri abiti, possiamo raccontare loro una storia. E poi quando qualcuno chiede loro cosa indossano, anche loro possono condividere la storia. Se possiamo raccontare una storia attraverso le nostre stampe e creare un pezzo speciale per il cliente, creiamo una connessione e manteniamo viva la storia della nostra stirpe.”

La cultura è una risorsa vitale

Louie Gong: Membro della tribù Nooksack di eredità mista; artista e fondatore di Eighth Generation a Seattle, Washington. Nel novembre del 2019, Louie ha venduto Eighth Generation alla tribù Snoqualmie. Rimane amministratore delegato con un accordo pluriennale.

La sostenibilità non riguarda solo la conservazione dell’ambiente. “Parlo sempre dell’arte culturale come di una risorsa naturale”, dice il designer nativo americano (Nooksack) Louie Gong. “Dobbiamo essere amministratori di quella risorsa nutrendola. Se continuiamo a prendere senza gestirla, alla fine la distruggiamo”.

Gong crede che il mancato rispetto e protezione dell’arte nativa sia uno dei motivi per cui alcune arti culturali stanno scomparendo. Quando le aziende vendono prodotti “ispirati ai nativi” senza lavorare effettivamente con gli artisti nativi, è una perdita per tutti noi. “Ogni falso pezzo d’arte ha una falsa storia che lo accompagna. E ogni prodotto falso rappresenta un’opportunità mancata per un artista culturale. Meno persone stanno praticando, perché è difficile guadagnarsi da vivere”.

L’azienda di Gong, Eighth Generation, è in missione per cambiare questo, creando opportunità economiche per gli artisti indigeni e offrendo prodotti autentici ai consumatori. “Ci impegniamo a lavorare sempre con un artista indigeno quando mettiamo l’arte indigena sui prodotti”, spiega Gong. “Gli artisti vengono pagati e, se ne hanno bisogno, forniamo loro uno sviluppo delle capacità commerciali”.

Quando le arti culturali sono celebrate piuttosto che appropriate, tutti vincono: I consumatori ricevono prodotti autentici, gli artisti sono compensati equamente e anche le aziende e le comunità interessate ne traggono beneficio. “Collaborare con un artista indigeno non ripaga solo il singolo artista”, dice Gong. “Se si sceglie un artista impegnato nella comunità, prenderà le abilità che ha imparato e le amplificherà”.

Gong riconosce che il valore si estende ben oltre quello che le linee di fondo possono rappresentare. “Ci sono più valute da perseguire che il solo denaro. L’istruzione e le opportunità a lungo termine per persone come noi sono altre valute che perseguiamo”.

Questo approccio olistico, coscienzioso e orientato alla comunità che è radicato nella sua eredità si sta dimostrando anche un buon affare: Eighth Generation è l’azienda nativa privata in più rapida crescita del Nord America.

Capisci la tua interconnessione

Amanda Westley: Artista aborigena Ngarrindjeri di Middleton, South Australia, e collaboratrice di diversi marchi, tra cui Life Apparel Co, Lifewearau e Aya Optical.

L’artista Ngarrindjerri Amanda Westley è cresciuta in una fattoria a poche miglia dalla città costiera di Victor Harbor. Il suo lavoro contemporaneo di punti aborigeni riflette la sua cultura e gli ambienti naturali. “La mia famiglia è una delle più antiche famiglie aborigene della costa meridionale”, dice. “Mio padre era un costruttore di barche, quindi l’acqua e l’oceano sono sempre stati una grande parte della mia vita”.

I dipinti di Westley in stile puntiforme sono spesso realizzati con colori vivaci ispirati alla sua educazione costiera. “La mia arte rappresenta l’importanza della campagna”, dice.

Country è un termine Kriol che, secondo il libro di Marcia Langton Welcome to Country, si riferisce alle proprietà terriere tradizionali che gli aborigeni hanno ereditato dai loro antenati. Significa molto più che terra e suolo. “Vedo il paese come una madre”, spiega Westley. “Quando parliamo di paese, ne parliamo come se fosse una persona. Non è solo la terra; sono le rocce, il cielo, l’acqua e tutti gli esseri viventi.”

L’arte di Westley – ora presente su abbigliamento e accessori per vari marchi – serve a ricordare la nostra interconnessione e la nostra responsabilità verso le persone e il pianeta. “La mia arte crea una connessione tra il paese e le persone. Una volta che questo collegamento è stato fatto, la gente vede l’importanza di prendersi cura del paese”, dice. “Il paese è una connessione. Noi ce ne prendiamo cura ed essa si prende cura di noi.”

Trovare l’innovazione nella tradizione

Olga Reiche: Guatemalteca di origine tedesca e Queqchí; artigiana di tintura naturale e tessitrice alla Indigo Custom Textile di Antigua, Guatemala.

Per più di 35 anni, Olga Reiche ha lavorato con artigiani indigeni e cooperative tessili in Guatemala. Lei teme che il costante bisogno di “nuovo” nell’industria della moda stia creando un eccessivo spreco e soffocando l’artigianato tradizionale. “Il Guatemala è sempre stato conosciuto per i suoi bellissimi, intricati e sofisticati tessuti lavorati a mano”, dice. “Ma questo si sta rapidamente perdendo”.

Reiche mira a colmare il divario tra gli artigiani tessili indigeni e i consumatori che apprezzano le arti tradizionali. Fornisce una guida sullo sviluppo del prodotto e sul marketing – viaggiando anche con alcuni artigiani al Mercato Internazionale dell’Arte Popolare a Santa Fe negli ultimi sette anni – mentre sviluppa anche le sue conoscenze, abilità e prodotti.

Reiche vede il valore e il futuro nelle tecniche tradizionali, come la tessitura a telaio a rovescio e le tinture naturali. “Io do un’attenzione tradizionale ai miei disegni”, dice, “usando solo tessuti tessuti a mano, ricamati a mano, tinti a mano e cuciti a mano” per creare prodotti di alta qualità e autenticamente artigianali. Applica anche tecniche di tessitura indigene e il suo occhio per il design ai rifiuti riciclati, creando borse, scarpe e altri accessori riciclati.

Spera che anche altri designer trovino l’ingegnosità nella tradizione indigena. “Si possono realizzare design innovativi senza disturbare la tradizione”, spiega. “

Mother Earth Is Worth the Effort

Andréanne Mulaire Dandeneau: Métis di discendenza Anishinaabe e francese; designer e creatrice di Anne Mulaire a Winnipeg, Manitoba.

Un approccio ecologico è sempre stato parte del piano aziendale della designer Métis francese Andréanne Mulaire Dandeneau. La compassione per il pianeta è parte integrante della sua identità e della sua missione. “Sono stata cresciuta molto eco-consapevole”, dice della sua educazione métis francese. “Gli indigeni hanno una forte connessione con la terra. È incorporato in ciò che siamo”.

Così, quando ha deciso di disegnare la sua linea, la Dandeneau ha messo il suo cuore per il pianeta e l’orgoglio della sua eredità in primo piano, procurandosi diligentemente filati ecologici da fattorie senza schiavi e assumendo maglifici e tintori canadesi per produrre i tessuti di bambù prima di aggiungere disegni indigeni ricamati e grafici creati da lei e suo padre. Il risultato: abbigliamento prêt-à-porter che è morbido ma resistente, unico ma versatile, e delicato per le persone e il pianeta.

Dandeneau ammette che la strada che ha scelto non è sempre facile o economica. Ma ne vale la pena. Ed è possibile per tutti iniziare a fare piccoli cambiamenti che potrebbero anche fare una grande differenza. “Mi assicurerò sempre che la Madre Terra sia curata”, dice. “Non si tratta solo di profitto. Considerate ciò che state consumando e sprecando. Comprate meno, ma meglio. Comprate a livello locale e sostenete le persone intorno a voi. Siate consapevoli e creativi. Trovate piccoli modi per essere più sostenibili. Sì, abbiamo molta strada da fare, ma se ognuno fa un piccolo passo, è un grande passo nella giusta direzione.”

Prendi il tuo tempo e tratta la tua squadra come una famiglia

Lisa Folawiyo: Stilista nigeriana e dell’India occidentale e fondatrice del gruppo Jewel by Lisa a Lagos, Nigeria.

Quando Lisa Folawiyo ha sposato i tessuti tradizionali dell’Africa occidentale con abbellimenti a mano e sartoria moderna, il mondo della moda e dello spettacolo, comprese la cantante Solange Knowles e l’attrice Lupita Nyong’o, che sono state entrambe viste indossare i modelli di Folawiyo, hanno preso nota. Folawiyo è stata la prima stilista a decorare a mano l’Ankara, un tessuto colorato e audace con stampa a cera.

“L’etichetta Lisa Folawiyo è incentrata sulla decorazione a mano”, dice. “Alcuni capi delle collezioni sono bordati a mano da artigiani. Ogni stagione, trovo ispirazione da diverse culture della Nigeria e dai miei viaggi personali”.

Ogni pezzo realizzato con cura trasmette una storia di eredità e duro lavoro. In media, c’è un processo di 240 ore dietro ogni articolo decorato a mano. “Questo metodo di lavoro artigianale ha contribuito alla crescita del marchio”, spiega Folawiyo, “e al suo continuo affidarsi a una produzione più lenta e funzionale”.

Folawiyo applica la stessa cura e integrità al suo business come ai suoi disegni. “Il marchio Lisa Folawiyo trasmette un senso di famiglia, anche al lavoro”, dice. “Il personale non solo è pagato al di sopra del salario minimo, ma è anche costantemente addestrato e sviluppato nelle sue capacità, e sostenuto nelle aree personali e professionali della sua vita. Lavorano in ambienti puliti e sanitari e ricevono bonus, cure mediche e assistenza quando necessario”. Inoltre, il marchio lavora con Genesis House, un ente di beneficenza che aiuta a riabilitare le donne a tornare nella società e nel lavoro.”

Connect the Dots

Brandy-Alia Serikaku: Artista nativa hawaiana e collaboratrice di OluKai a Hilo, Hawaii.

Il legame dell’artista nativa hawaiana e ballerina di hula Brandy-Alia Serikaku con la ‘aina (terra) è evidente nel suo lavoro con OluKai, dove i suoi disegni ispirati alla natura appaiono su calzature eco-friendly. “I miei disegni riflettono il mio ambiente hawaiano”, dice.

Il suo processo dall’inizio alla fine è influenzato dal suo patrimonio hawaiano. “Dico sempre una preghiera prima di disegnare”, spiega Serikaku. “Esco nella natura e vedo il fiore o la pianta e creo un’esperienza di prima mano da cui attingere. Metto amore nel mio lavoro in modo che diventi una vera estensione di me”.

Il nome dei prodotti è altrettanto importante per lei. “Uso la lingua hawaiana per nominare i miei disegni, all’interno dei suoi strati di significati, mi assicuro che l’intento della mia arte viva scegliendo parole con un effetto positivo. Essere consapevoli del proprio intento, azioni e parole, e mantenere il proprio equilibrio nella natura è una pratica hawaiana.”

Creando disegni dal mondo naturale che la circonda e selezionando attentamente nomi hawaiani che hanno un significato culturale, collega i punti tra la terra, la sua eredità, il prodotto e il consumatore – perpetuando contemporaneamente la cultura hawaiana, coltivando la curiosità e la compassione e rafforzando la nostra connessione e responsabilità l’uno verso l’altro e la terra su cui camminiamo.

Hai quello che ti serve

Bethlehem Tilahun Alemu: Fondatrice e CEO di soleRebels ad Addis Abeba, Etiopia.

Crescendo nella comunità di Zenebework/Total, un’area povera di Addis Abeba, Etiopia, Bethlehem Tilahun Alemu è stata testimone dell’impatto negativo della carità controllata dall’esterno e della rappresentazione mediatica degli etiopi come “beneficiari passivi e indifesi degli aiuti”. Ha anche visto un notevole artigianato, materiali naturali, un ricco patrimonio e un grande potenziale nella sua comunità e nel suo paese. Per Alemu, l’apprezzamento delle tradizioni artigianali è iniziato a casa, dove ha imparato da sua madre a filare il cotone a mano.

“Avevamo molte persone di talento nella mia comunità, ma c’erano poche opportunità di lavoro”, condivide. “Questo mi ha colpito sia come un’immensa tragedia che come un’opportunità”. Oltre alle capacità creative, l’Etiopia ha un’abbondanza di risorse naturali: pelle, cotone organico, iuta e canapa abissina. E una mentalità per sfruttare al meglio ciò che si ha. “Barabasso e selate – scarpe con suola di pneumatici riciclati – erano dappertutto.”

Alemu ha tratto ispirazione dalla sua cultura e comunità per creare le soleRebels, le prime calzature filate e tessute a mano. Lei non è solo nel business della vendita di scarpe; il suo obiettivo è sempre stato quello di dare potere agli artigiani locali e creare opportunità economiche radicate nel patrimonio culturale e nelle pratiche ecologiche per cambiare la narrazione dal “mito della riduzione della povertà” alla speranza di una più sostenibile “creazione di prosperità”.

“C’è una convinzione distorta ma potente qui e in tutta l’Africa che se vuoi avere successo, allora devi uscire e andartene, soprattutto verso ovest”, spiega. “Ma qualcuno dovrebbe davvero lasciare il proprio paese e la propria famiglia per sopravvivere o avere successo? Alemu ha riconosciuto che esiste una ricchezza di risorse naturali e culturali più vicine a casa e, con soleRebels, ha dimostrato che “è possibile impiegare risorse locali e creare un marchio globale. È possibile essere una persona locale in Etiopia e in Africa e avere successo a livello globale”.”

Being Mindful Is Always in Style

Jamie Okuma: Nativa americana di origine Luiseño e Shoshone-Bannock; stilista e creatrice di Jamie Okuma nella riserva indiana di La Jolla in California.

Per la designer nativa americana Jamie Okuma, la sostenibilità è una seconda natura. È cresciuta nella riserva indiana di La Jolla e ci vive ancora oggi con suo marito e i suoi due figli. Dai materiali ecologici che usa alle immagini che crea, Okuma fa scelte consapevoli guidate dalla sua eredità e dalla sua educazione.

“Tutto il mio lavoro ha al suo centro la tradizione”, dice. “Per esempio, ogni parte del cervo o del bufalo viene utilizzata. Così cerco di utilizzare tutto il possibile nel mio lavoro – con la mia arte, le forniture, il tessuto – e non essere sprecata. Conservo anche gli scarti e trovo degli usi per loro.”

Okuma produce anche un numero limitato di pezzi, evitando un eccesso di stock e offrendo ai clienti qualcosa di audace e unico, ma senza tempo e di alta qualità. “Tutti noi abbiamo quei pezzi da portare nel nostro armadio che teniamo per anni e che consumiamo letteralmente prima di mandarli in pensione”, dice. “Sono qui per fare i go-tos, i custodi.”

Prima del lancio della sua ultima collezione, ha inviato una nota ai suoi iscritti, riaffermando il suo impegno per una moda sostenibile ed esortando le persone a considerare che condizioni di lavoro povere e tessuti di bassa qualità e non sostenibili sono spesso dietro il fast fashion e l’abbigliamento economico.

“La moda lenta è etica”, ha scritto. “Non volevo fare pezzi di tendenza che sono in una stagione e fuori l’altra. Sono pezzi da collezione destinati ad essere indossati per gli anni a venire … sono destinati a farti sentire bene sapendo che questa collezione è stata creata con il migliore interesse di tutti a cuore.”

Immagine principale, da sinistra a destra: Brittney Couture Photography/Louis Gong; Jamie Okuma/Jared Yazzie di OXDX; Lisa Folawiyo.