Kan den inhemska kunskapen föra modebranschen framåt?

För att förnya oss ser vi ofta framåt. Men ibland är det traditionell kunskap som är den bästa vägen framåt. Här frågar vi yrkesverksamma inom mode-, textil- och beklädnadsindustrin runt om i världen hur deras kulturarv och inhemska kunskaper formar deras arbete – och hur de kan bidra till att föra modeindustrin i en mer hållbar riktning.

Ord och människor spelar roll

Daniela Poulsen (Yanchapaxi Silva): Ecuadorian och ättling till ett indiansamhälle i provinsen Cotopaxi i Ecuador. Drifts- och leveransansvarig för Cotopaxi i Salt Lake City, Utah.

I sitt arbete för företaget Cotopaxi, som tillverkar äventyrskläder och utrustning, möter Daniela Poulsen regelbundet människor som tror att Cotopaxi bara är ett påhittat namn som skapats för att väcka uppmärksamhet. Som infödd ecuadorianska vet hon att det är mycket mer än så.

”Cotopaxi är inte bara ett namn. Det är inte bara ett företag”, förklarar hon. ”Det finns ett helt samhälle som lever runt vulkanen Cotopaxi i Ecuador.” Poulsen har direkta band till det samhället – hennes far växte upp där.

Märkena har ett ansvar för att respektfullt representera sitt namnskick, och Poulsen tar varje tillfälle i akt att koppla samman punkterna mellan affärsbasen i Utah, leverantörerna i Asien och samhället i Cotopaxi. ”När jag tar kontakt med en ny partner, leverantör, kund eller klient berättar jag alltid historien om var vi kommer ifrån och varifrån namnet kommer”, säger hon. ”Vi vill använda namnet med omsorg och respekt och ta hänsyn till vad det betyder för folket, samhället och landet i Ecuador.”

Poulsens djupt rotade känsla för samhället ger henne en kompass av medkänsla som vägleder de beslut hon fattar i sitt dagliga arbete, och hon rekommenderar andra i branschen att tänka på samma sak. ”Titta på din leveranskedja mer än på dina intäkter eller måltal”, föreslår hon. ”Tänk på vem du påverkar – positivt eller negativt. Du arbetar inte bara med en fabrik eller maskiner; du arbetar med människor och samhällen.”

Mer är inte bättre

Kini Zamora: Född i Hawaii och filippinsk, tidigare deltagare i Project Runway, designer och skapare av The Clique i Honolulu, Hawaii.

Designern Kini Zamora, född i Hawaii och filippinsk, bor på en av de vackraste platserna på planeten. Och han arbetar i en av de mest miljöförstörande branscherna. Han anser att snabbmode (kläder som produceras snabbt i stora mängder för att följa trender, och som ofta är av låg kvalitet och inte är avsedda att hålla länge) skapar onödigt slöseri, och att en enkel förändring av tänkesättet – för konsumenter och kreatörer – skulle kunna styra branschen i en sundare riktning.

”I min kultur gör eller tar man inte mer än vad man behöver”, säger han. Respekten för den naturliga miljön är en central del av den hawaiianska ursprungsbefolkningens kultur och en integrerad del av Zamoras tillvägagångssätt. ”Vi måste sluta skapa och köpa mängder av kläder som folk bara kommer att ha på sig en vecka eller ett år och sedan slänga.”

Istället strävar han efter att ”skapa kläder som är speciella, som kan kombineras med ett annat plagg från vår kollektion tre säsonger framåt, som de kommer att behålla i 10 eller 15 år och föra vidare till sina barn”.

Designers kan bidra till att minska slöseriet och sluta ge bränsle åt det snabba modet genom att fokusera på högkvalitativa, unika plagg som konsumenterna kan fortsätta att bära och dela med sig av i många år framöver. ”Vi skapar inte bara något vackert”, förklarar Zamora, ”det finns alltid en historia bakom”.

Inbäddad i den berättelsen finns respekt för hans rötter och inspiration för modets framtid. ”Vi frågar alltid våra kupuna (äldre) om den kulturella betydelsen av våra tryck och det rätta sättet att använda dem”, säger han. ”När folk köper våra kläder kan vi berätta en historia för dem. Och när någon sedan frågar dem vad de har på sig kan de också dela med sig av historien. Om vi kan berätta en historia genom våra tryck och skapa ett speciellt plagg för kunden skapar vi en koppling och håller berättelsen om vår härstamning levande.”

Kulturen är en viktig resurs

Louie Gong: Medlem av Nooksack-stammen med blandat ursprung, konstnär och grundare av Eighth Generation i Seattle, Washington. I november 2019 sålde Louie Eighth Generation till Snoqualmie Tribe. Han är fortfarande VD enligt ett flerårigt avtal.

Hållbarhet handlar inte bara om miljöskydd. ”Jag talar alltid om kulturell konst som en naturresurs”, säger den indianska (Nooksack) designern Louie Gong. ”Vi måste vara förvaltare av den resursen genom att vårda den. Om vi fortsätter att ta utan att förvalta den förstör vi den så småningom.”

Gong anser att misslyckandet med att respektera och skydda den inhemska konsten är en av orsakerna till att viss kulturell konst försvinner. När företag säljer ”indianinspirerade” produkter utan att faktiskt arbeta med indianska konstnärer är det en förlust för oss alla. ”Varje falskt konstverk har en falsk historia som följer med det. Och varje falsk produkt representerar en missad möjlighet för en kulturkonstnär. Färre människor utövar , eftersom det är svårt att försörja sig på det.”

Gongs företag, Eighth Generation, har som mål att ändra på det – att skapa ekonomiska möjligheter för inhemska konstnärer och erbjuda autentiska produkter till konsumenterna. ”Vi har åtagit oss att alltid arbeta med en ursprungsbefolkningens konstnär när vi sätter ursprungsbefolkningens konst på produkter”, förklarar Gong. ”Konstnärerna får betalt, och om de behöver det ger vi dem möjlighet att bygga upp sin affärskapacitet.”

När kulturell konst hyllas i stället för att approprieras vinner alla: Konsumenterna får autentiska produkter, konstnärerna får rättvis kompensation och de relaterade företagen och samhällena gynnas också. ”Att samarbeta med en ursprungsbefolkningens konstnär lönar sig inte bara för den enskilda konstnären”, säger Gong. ”Om du väljer en konstnär som är engagerad i samhället kommer de att ta med sig de färdigheter som de har lärt sig och förstärka dem.”

Gong erkänner att värdet sträcker sig långt bortom det som slutresultatet kan redovisa. ”Det finns fler valutor att eftersträva än bara pengar. Utbildning och långsiktiga möjligheter för människor som oss är andra valutor som vi strävar efter.”

Detta holistiska, samvetsgranna, samhällsorienterade synsätt som har sina rötter i hans arv har visat sig vara en bra affärsverksamhet också: Eighth Generation är det snabbast växande privatägda företag som ägs av infödda i Nordamerika.

Understå din sammankoppling

Amanda Westley: Ngarrindjeri Aboriginal artist i Middleton, South Australia, och samarbetar med flera varumärken, bland annat Life Apparel Co, Lifewearau och Aya Optical.

Ngarrindjerri konstnären Amanda Westley växte upp på en gård bara några kilometer från kuststaden Victor Harbor. Hennes samtida Aboriginal dot-arbeten speglar hennes kultur och naturliga miljöer. ”Min familj är en av de äldsta aboriginska familjerna på sydkusten”, säger hon. ”Min far var båtbyggare, så vattnet och havet har alltid varit en stor del av mitt liv.”

Westleys målningar i prickstil är ofta gjorda i livliga färger som inspirerats av hennes uppväxt vid kusten. ”Min konst representerar betydelsen av landet”, säger hon.

Country är ett Kriol-ord som enligt Marcia Langtons bok Welcome to Country hänvisar till traditionella landegendomar som aboriginerna ärvt från sina förfäder. Det betyder mycket mer än mark och jord. ”Jag ser land som en mor”, förklarar Westley. ”När vi talar om land talar vi om det som om det vore en person. Det är inte bara marken; det är stenarna, himlen, vattnet och alla levande varelser.”

Westleys konst – som nu finns med på kläder och accessoarer för olika märken – fungerar som en påminnelse om vår sammankoppling och vårt ansvar för människor och planet. ”Min konst skapar en förbindelse mellan land och människor. När den kopplingen väl har skapats ser människor vikten av att ta hand om landet”, säger hon. ”Landet är en förbindelse. Vi tar hand om det och det tar hand om oss.”

Finn innovation i traditionen

Olga Reiche: Guatemalisk medborgare av tysk och queqchí härstamning; hantverkare och vävare med naturliga färgämnen på Indigo Custom Textile i Antigua, Guatemala.

I mer än 35 år har Olga Reiche arbetat med inhemska hantverkare och textilkooperativ i Guatemala. Hon fruktar att det ständiga behovet av ”nytt” i modeindustrin skapar överdrivet slöseri och kväver det traditionella hantverket. ”Guatemala har alltid varit känt för sina vackra, invecklade och sofistikerade handvävda textilier”, säger hon. ”Men det håller snabbt på att gå förlorat.”

Reiche vill överbrygga klyftan mellan inhemska textilhantverkare och konsumenter som uppskattar traditionell konst. Hon ger vägledning om produktutveckling och marknadsföring – hon har till och med rest med vissa hantverkare till den internationella folkkonstmarknaden i Santa Fe de senaste sju åren – samtidigt som hon utvecklar sina egna kunskaper, färdigheter och produkter.

Reiche ser värdet – och framtiden – i traditionella tekniker, t.ex. vävning med backstrap vävstol och naturliga färgämnen. ”Jag ger traditionell inriktning åt mina mönster”, säger hon, ”och använder endast handvävda, handbroderade, handfärgade och handsydda textilier” för att skapa högkvalitativa, autentiskt handgjorda produkter. Hon tillämpar också inhemska vävtekniker och sitt öga för design på återvunnet avfall och skapar återvunna väskor, skor och andra accessoarer.

Hon hoppas att andra designers också ska hitta uppfinningsrikedom i inhemska traditioner. ”Innovativ design kan göras utan att störa traditionen”, förklarar hon. ”Tvärtom är traditionell textilkunskap mycket inspirerande.”

Moder jord är värd ansträngningen