Le savoir indigène peut-il faire avancer l’industrie de la mode ?

Pour innover, nous regardons souvent vers l’avenir. Mais parfois, la meilleure façon d’avancer se trouve dans les connaissances traditionnelles. Ici, nous demandons aux professionnels de l’industrie de la mode, du textile et de l’habillement du monde entier comment leur héritage culturel et leurs connaissances indigènes façonnent leur travail – et comment cela pourrait aider à faire évoluer l’industrie de la mode dans une direction plus durable.

Les mots et les gens comptent

Daniela Poulsen (Yanchapaxi Silva) : Équatorienne et descendante d’une communauté andine indigène de la province de Cotopaxi en Équateur ; responsable des opérations et de la chaîne d’approvisionnement pour Cotopaxi à Salt Lake City, Utah.

Dans son travail pour la société de vêtements et d’équipements d’aventure Cotopaxi, Daniela Poulsen rencontre régulièrement des personnes qui supposent que Cotopaxi n’est rien de plus qu’un nom fictif créé pour attirer l’attention. En tant qu’Equatorienne d’origine, elle sait qu’il y a beaucoup plus que cela.

« Cotopaxi n’est pas seulement un nom. Ce n’est pas seulement une entreprise », explique-t-elle. « Il y a une communauté entière qui vit autour du volcan Cotopaxi en Équateur ». Poulsen a des liens directs avec cette communauté – son père y a été élevé.

Les marques ont la responsabilité de représenter respectueusement leur homonyme, et Poulsen saisit chaque occasion de relier les points entre la base commerciale dans l’Utah, les fournisseurs en Asie et la communauté de Cotopaxi. « Lorsque j’entre en contact avec un nouveau partenaire, un fournisseur, un client ou une cliente, je raconte toujours d’où nous venons et d’où vient notre nom », explique-t-elle. « Nous voulons utiliser le nom avec soin et respect, en tenant compte de ce qu’il signifie pour les gens, la communauté et le pays de l’Équateur. »

Le sens de la communauté profondément ancré chez Poulsen lui fournit une boussole de compassion qui guide les décisions qu’elle prend dans son travail quotidien, et elle recommande aux autres acteurs de l’industrie de considérer la même chose. « Regardez votre chaîne d’approvisionnement plus que vos chiffres de revenus ou d’objectifs », suggère-t-elle. « Pensez à qui vous avez un impact – positif ou négatif. Vous ne travaillez pas seulement avec une usine ou des machines ; vous travaillez avec des personnes et des communautés. »

Plus n’est pas mieux

Kini Zamora : Natif hawaïen et philippin ; ancien candidat de Project Runway et designer et créateur de The Clique à Honolulu, Hawaï.

Le designer natif hawaïen et philippin Kini Zamora vit dans l’un des endroits les plus naturellement beaux de la planète. Et il travaille dans l’une des industries les plus dommageables pour l’environnement. Il pense que la fast fashion (des vêtements produits rapidement en masse en réponse aux tendances, et qui sont souvent de faible qualité et ne sont pas destinés à durer) crée des déchets inutiles, et qu’un simple changement de mentalité – pour les consommateurs et les créateurs – pourrait orienter l’industrie dans une direction plus saine.

« Dans ma culture, on ne fait pas ou on ne prend pas plus que ce dont on a besoin », dit-il. Le respect de l’environnement naturel est au cœur de la culture amérindienne hawaïenne et fait partie intégrante de l’approche de Zamora. « Nous devons arrêter de créer – et d’acheter – des quantités massives de vêtements que les gens ne vont porter qu’une semaine ou un an, puis jeter. »

Au lieu de cela, il vise à « créer des vêtements qui sont spéciaux, qui se marieront avec une autre pièce de notre collection dans trois saisons, qu’ils garderont pendant 10 ou 15 ans et transmettront à leurs enfants. »

Les designers peuvent contribuer à réduire les déchets et à cesser d’alimenter la bête de la fast-fashion en se concentrant sur des pièces uniques de haute qualité que les consommateurs pourront continuer à porter et à partager pendant des années. « Nous ne créons pas seulement quelque chose de joli », explique Zamora, « il y a toujours une histoire derrière ».

Embarquée dans cette histoire, il y a le respect de ses racines et l’inspiration pour l’avenir de la mode. « Nous demandons toujours à nos kupuna (aînés) quelle est la signification culturelle de nos imprimés et la bonne façon de les utiliser », dit-il. « Lorsque les gens achètent nos vêtements, nous pouvons leur raconter une histoire. Et ensuite, lorsque quelqu’un leur demande ce qu’ils portent, ils peuvent également partager cette histoire. Si nous pouvons raconter une histoire à travers nos imprimés et créer une pièce spéciale pour le client, nous créons un lien et gardons l’histoire de notre lignée vivante. »

La culture est une ressource vitale

Louie Gong : Membre de la tribu Nooksack d’héritage mixte ; artiste et fondateur de Eighth Generation à Seattle, Washington. En novembre 2019, Louie a vendu Eighth Generation à la tribu Snoqualmie. Il reste PDG en vertu d’un accord pluriannuel.

La durabilité ne concerne pas seulement la conservation de l’environnement.  » Je parle toujours de l’art culturel comme d’une ressource naturelle « , déclare le designer amérindien (Nooksack) Louie Gong. « Nous devons être les gardiens de cette ressource en la nourrissant. Si nous continuons à prendre sans intendance, finalement, nous la détruisons. »

Gong pense que le fait de ne pas respecter et protéger l’art autochtone est l’une des raisons pour lesquelles certains arts culturels disparaissent. Lorsque des entreprises vendent des produits « d’inspiration autochtone » sans réellement travailler avec des artistes autochtones, c’est une perte pour nous tous. « Chaque fausse œuvre d’art a une fausse histoire qui l’accompagne. Et chaque faux produit représente une occasion manquée pour un artiste culturel. Il y a moins de gens qui pratiquent l’ , parce qu’il est difficile d’en vivre. »

L’entreprise de Gong, Eighth Generation, a pour mission de changer cela – en créant des opportunités économiques pour les artistes autochtones et en offrant des produits authentiques aux consommateurs.  » Nous nous engageons à toujours travailler avec un artiste autochtone lorsque nous mettons de l’art autochtone sur des produits « , explique Gong. « Les artistes sont rémunérés, et s’ils en ont besoin, nous leur fournissons un renforcement des capacités commerciales. »

Lorsque les arts culturels sont célébrés plutôt qu’appropriés, tout le monde est gagnant : Les consommateurs reçoivent des produits authentiques, les artistes sont rémunérés équitablement, et les entreprises et communautés connexes en bénéficient également. « Collaborer avec un artiste autochtone n’est pas seulement rentable pour l’artiste individuel », dit Gong. « Si vous choisissez un artiste engagé dans la communauté, il prendra les compétences qu’il a acquises et les amplifiera. »

Gong reconnaît que la valeur s’étend bien au-delà de ce que les lignes de fond peuvent comptabiliser. « Il y a d’autres devises à poursuivre que l’argent. L’éducation et les opportunités à long terme pour des gens comme nous sont d’autres monnaies que nous poursuivons. »

Cette approche holistique, consciencieuse et communautaire, ancrée dans son héritage, s’avère également être une bonne affaire : Eighth Generation est l’entreprise autochtone privée qui connaît la croissance la plus rapide en Amérique du Nord.

Understand Your Interconnectedness

Amanda Westley : Artiste aborigène ngarrindjeri à Middleton, en Australie-Méridionale, et collaboratrice de plusieurs marques, notamment Life Apparel Co, Lifewearau et Aya Optical.

L’artiste ngarrindjerri Amanda Westley a grandi dans une ferme à quelques kilomètres de la ville côtière de Victor Harbor. Ses œuvres contemporaines à points autochtones reflètent sa culture et ses environnements naturels. « Ma famille est l’une des plus anciennes familles autochtones de la côte sud », explique-t-elle. « Mon père était un constructeur de bateaux, donc l’eau et l’océan ont toujours occupé une grande place dans ma vie ».

Les peintures à points de Westley sont souvent réalisées dans des couleurs vives inspirées par son éducation côtière. « Mon art représente l’importance du pays », dit-elle.

Le pays est un terme kriol qui, selon le livre Welcome to Country de Marcia Langton, désigne les domaines fonciers traditionnels que les autochtones ont hérités de leurs ancêtres. Il signifie bien plus que la terre et le sol. « Je vois le pays comme une mère », explique Westley. « Lorsque nous parlons du pays, nous en parlons comme s’il s’agissait d’une personne. Ce n’est pas seulement la terre ; ce sont les rochers, le ciel, l’eau et tous les êtres vivants. »

L’art de Westley – qui figure maintenant sur des vêtements et des accessoires pour diverses marques – sert à rappeler notre interconnexion et notre responsabilité envers les gens et la planète. « Mon art crée un lien entre le pays et les gens. Une fois ce lien établi, les gens voient l’importance de prendre soin du pays », dit-elle. « Le pays est un lien. Nous en prenons soin, et il prend soin de nous. »

Trouver l’innovation dans la tradition

Olga Reiche : Guatémaltèque d’ascendance allemande et queqchí ; artisane et tisserande de teinture naturelle chez Indigo Custom Textile à Antigua, au Guatemala.

Depuis plus de 35 ans, Olga Reiche travaille avec des artisans indigènes et des coopératives textiles au Guatemala. Elle craint que le besoin constant de « nouveauté » dans l’industrie de la mode ne crée des déchets excessifs et n’étouffe l’artisanat traditionnel. « Le Guatemala a toujours été connu pour ses textiles tissés à la main, beaux, complexes et sophistiqués », explique-t-elle. « Mais cela se perd rapidement ».

Reiche vise à combler le fossé entre les artisans textiles indigènes et les consommateurs qui apprécient les arts traditionnels. Elle fournit des conseils sur le développement et la commercialisation des produits – elle a même voyagé avec certains artisans au marché international d’art populaire de Santa Fe au cours des sept dernières années – tout en développant ses propres connaissances, compétences et produits.

Reiche voit la valeur et l’avenir dans les techniques traditionnelles, comme le tissage sur métier à dos et les teintures naturelles. « Je donne une orientation traditionnelle à mes créations », dit-elle, « en utilisant uniquement des textiles tissés, brodés, teints et cousus à la main » pour créer des produits de haute qualité, authentiquement artisanaux. Elle applique également les techniques de tissage indigènes et son œil pour le design aux déchets recyclés, façonnant des sacs, des chaussures et d’autres accessoires recyclés.

Elle espère que d’autres designers trouveront également de l’ingéniosité dans la tradition indigène. « On peut faire des designs innovants sans perturber la tradition », explique-t-elle. « Au contraire, les connaissances traditionnelles en matière de textile sont très inspirantes. »

La Terre mère vaut la peine

Andréanne Mulaire Dandeneau : Métis de descendance anishinaabe et française ; designer et créatrice d’Anne Mulaire à Winnipeg, au Manitoba.

Une approche écologique a toujours fait partie du plan d’affaires de la designer métisse française Andréanne Mulaire Dandeneau. La compassion pour la planète fait partie intégrante de son identité et de sa mission. « J’ai été élevée dans un esprit très écologique », dit-elle de son éducation métisse française. « Les peuples indigènes ont un lien très fort avec la terre. C’est ancré dans ce que nous sommes. »

Alors, lorsqu’elle s’est lancée dans la conception de sa propre ligne, Mme Dandeneau a mis son cœur pour la planète et sa fierté pour son héritage au premier plan – s’approvisionnant avec diligence en fil écologique provenant de fermes sans esclaves et embauchant des tricoteurs et des teinturiers basés au Canada pour produire les tissus en bambou avant d’ajouter des motifs indigènes brodés et graphiques créés par elle et son père. Le résultat : des vêtements de prêt-à-porter qui sont doux mais durables, uniques mais polyvalents, et doux pour les gens et la planète.

Dandeneau admet que la voie qu’elle a choisie n’est pas toujours facile ou peu coûteuse. Mais le jeu en vaut la chandelle. Et il est possible pour tout le monde de commencer à faire de petits changements qui pourraient aussi faire une grande différence. « Je veillerai toujours à ce que l’on prenne soin de la Terre Mère », dit-elle. « Il n’y a pas que le profit qui compte. Réfléchissez à ce que vous consommez et gaspillez. Achetez moins, mais mieux. Achetez localement et soutenez les personnes qui vous entourent. Soyez attentif et créatif. Trouvez de petits moyens d’être plus durables. Oui, nous avons un long chemin à parcourir, mais si chacun fait un petit pas, c’est un grand changement dans la bonne direction. »

Prenez votre temps et traitez votre équipe comme une famille

Lisa Folawiyo : Créatrice nigériane et antillaise et fondatrice du groupe Jewel by Lisa à Lagos, au Nigeria.

Quand Lisa Folawiyo a marié les textiles traditionnels d’Afrique de l’Ouest avec l’embellissement à la main et la confection moderne, le monde de la mode et du spectacle – y compris la chanteuse Solange Knowles et l’actrice Lupita Nyong’o, qui ont toutes deux été vues portant les créations de Folawiyo – l’a remarqué. Folawiyo a été la première créatrice à embellir à la main l’Ankara, un tissu audacieux et coloré imprimé à la cire.

« Le label Lisa Folawiyo est centré sur l’embellissement à la main », dit-elle. « Certains vêtements des collections sont perlés à la main par des artisans. Chaque saison, je trouve l’inspiration dans les différentes cultures du Nigeria et dans mes voyages personnels. »

Chaque pièce soigneusement confectionnée transmet une histoire – d’héritage et de travail acharné. En moyenne, il y a un processus de 240 heures derrière chaque article embelli à la main. « Cette méthode d’artisanat a contribué à la croissance du label », explique Folawiyo, « et à son recours continu à une production plus lente et plus fonctionnelle. »

Folawiyo applique le même soin et la même intégrité à son entreprise qu’à ses créations. « La marque Lisa Folawiyo imprègne un sentiment de famille, même au travail », dit-elle. « Le personnel est non seulement payé au-dessus du salaire minimum, mais il est aussi constamment formé et développé dans ses compétences, et soutenu dans les domaines personnels et professionnels de sa vie. Ils travaillent dans des environnements propres et sanitaires et reçoivent des primes, des soins médicaux et une assistance en cas de besoin. En outre, la marque travaille avec Genesis House, une organisation caritative qui aide les femmes à se réinsérer dans la société et l’emploi. »

Connect the Dots

Brandy-Alia Serikaku : Artiste native d’Hawaï et collaboratrice d’OluKai à Hilo, Hawaï.

La connexion de l’artiste native d’Hawaï et danseuse de hula Brandy-Alia Serikaku avec le ‘aina (terre) est évidente dans son travail avec OluKai, où ses dessins inspirés de la nature apparaissent sur des chaussures écologiques. « Mes dessins reflètent mon environnement hawaïen », dit-elle.

Son processus du début à la fin est influencé par son héritage hawaïen. « Je dis toujours une prière avant de concevoir un design », explique Serikaku. « Je vais dans la nature, je vois la fleur ou la plante et je crée une expérience de première main dont je peux m’inspirer. Je mets de l’amour dans mon travail pour qu’il devienne une véritable extension de moi. »

Nommer les produits est tout aussi important pour elle. « J’utilise la langue hawaïenne pour nommer mes créations, dans ses couches de significations, je m’assure que l’intention de mon art perdure en choisissant des mots ayant un effet positif. Être conscient de son intention, de ses actions et de ses mots, et maintenir son équilibre dans la nature est une pratique hawaïenne. »

En créant des designs à partir du monde naturel qui l’entoure et en choisissant soigneusement des noms hawaïens qui ont une signification culturelle, elle relie les points entre la terre, son héritage, le produit et le consommateur – perpétuant simultanément la culture hawaïenne, cultivant la curiosité et la compassion, et renforçant notre lien et notre responsabilité les uns envers les autres et envers la terre que nous foulons.

Vous avez ce dont vous avez besoin

Bethlehem Tilahun Alemu : Fondatrice éthiopienne et PDG de soleRebels à Addis-Abeba, en Éthiopie.

En grandissant dans la communauté de Zenebework/Total, une zone appauvrie d’Addis-Abeba, en Éthiopie, Bethlehem Tilahun Alemu a été témoin de l’impact négatif de la charité contrôlée de l’extérieur et de la représentation médiatique des Éthiopiens comme « des bénéficiaires d’aide impuissants et passifs ». Elle a également vu un artisanat remarquable, des matériaux naturels, un riche patrimoine et un grand potentiel dans sa communauté et son pays. Pour Alemu, l’appréciation des traditions artisanales a commencé à la maison, où elle a appris de sa mère à filer le coton à la main.

« Nous avions beaucoup de gens talentueux dans ma communauté, mais il y avait peu de possibilités d’emploi », partage-t-elle. « Cela m’a paru être à la fois une immense tragédie et une opportunité ». En plus des compétences créatives, l’Éthiopie dispose d’une abondance de ressources naturelles – cuir libre, coton biologique, jute et chanvre d’Abyssinie. Et un état d’esprit qui permet de tirer le meilleur parti de ce que l’on a. « Barabasso et selate – des chaussures à semelle de pneu recyclé – étaient partout »

Alemu s’est inspirée de sa culture et de sa communauté pour créer soleRebels, les premières chaussures totalement filées et tissées à la main. Elle ne se contente pas de vendre des chaussures ; son objectif a toujours été de donner du pouvoir aux artisans locaux et de créer des opportunités économiques ancrées dans l’héritage culturel et les pratiques respectueuses de l’environnement afin de changer le récit du « mythe de la réduction de la pauvreté » à l’espoir d’une « création de prospérité » plus durable. »

« Il y a une croyance déformée mais puissante ici et à travers l’Afrique que si vous voulez réussir, alors vous devez sortir et partir, surtout à l’ouest », explique-t-elle. « Mais quelqu’un doit-il vraiment quitter son pays et sa famille pour survivre ou réussir ? ». Alemu a reconnu qu’une richesse de ressources naturelles et culturelles existait plus près de chez elle et, avec soleRebels, a prouvé « qu’il est possible de déployer des ressources locales et de créer une marque mondiale. Il est possible d’être une personne locale en Éthiopie et en Afrique, et de réussir au niveau mondial. »

Being Mindful Is Always in Style

Jamie Okuma : Amérindienne d’ascendance Luiseño et Shoshone-Bannock ; créatrice de mode et créatrice de Jamie Okuma sur la réserve indienne de La Jolla en Californie.

Pour la créatrice amérindienne Jamie Okuma, la durabilité est une seconde nature. Elle a grandi dans la réserve indienne de La Jolla et y vit encore aujourd’hui avec son mari et ses deux fils. Des matériaux écologiques qu’elle utilise à l’imagerie qu’elle crée, Okuma fait des choix conscients guidés par son héritage et son éducation.

« Tout mon travail a la tradition au cœur », dit-elle. « Par exemple, chaque partie du cerf ou du bison est utilisée. J’essaie donc d’utiliser tout ce qui est possible dans mon travail – avec mon art, mes fournitures, mon tissu – et de ne pas gaspiller. Je garde même les chutes et leur trouve des utilisations. »

Okuma produit également un nombre limité de pièces, évitant un surstockage excessif et offrant aux clients quelque chose d’audacieux et d’unique tout en étant intemporel et de haute qualité. « Nous avons tous ces pièces incontournables dans notre placard que nous gardons pendant des années et que nous portons littéralement avant de les mettre à la retraite », dit-elle. « Je suis ici pour faire les go-tos, les keepers. »

Avant le lancement de sa dernière collection, elle a envoyé une note à ses abonnés, réaffirmant son engagement en faveur de la mode durable et invitant les gens à considérer que de mauvaises conditions de travail et des tissus de mauvaise qualité et non durables se cachent souvent derrière la fast fashion et les vêtements bon marché.

« La mode lente est éthique », a-t-elle écrit. « Je ne voulais pas faire des pièces à la mode qui sont dans une saison et hors de l’autre. Ce sont des pièces de base à collectionner destinées à être portées pendant des années… elles sont destinées à vous faire sentir bien en sachant que cette collection a été créée avec l’intérêt de tous à cœur. »

Image principale, de gauche à droite : Brittney Couture Photography/Louis Gong ; Jamie Okuma/Jared Yazzie de OXDX ; Lisa Folawiyo.