Mentre gli studenti di violino principianti spesso fanno affidamento su nastri o marcatori posti sulla tastiera per il corretto posizionamento delle dita della mano sinistra, i suonatori più abili posizionano le loro dita sui punti giusti senza tali indicazioni ma grazie alla pratica e all’esperienza. Per raggiungere una buona intonazione, i violinisti allenano le loro dita ad atterrare nei punti giusti, imparando a sentire quando un’intonazione è in o fuori tono, e coltivando la capacità di correggere l’intonazione rapidamente e automaticamente mentre si suona. “Cantare” mentalmente l’intonazione aiuta ad atterrare nel punto giusto. (In pratica, l’intonazione può essere controllata suonando una corda aperta adiacente e ascoltando l’intervallo tra le due note). Anche se aggiustare l’intonazione desiderata dopo l’atterraggio del dito è effettivamente possibile, la quantità di aggiustamento necessario può essere notevolmente ridotta allenando le dita a cadere correttamente in primo luogo. Detto questo, una citazione ampiamente attribuita a Jascha Heifetz dice qualcosa come: “Suono tante note sbagliate come chiunque altro, ma le correggo prima che la maggior parte delle persone possa sentirle.”
Le dita sono convenzionalmente numerate da 1 (indice) a 4 (mignolo). Specialmente nelle edizioni didattiche della musica per violino, i numeri sopra le note possono indicare quale dito usare, con lo “0” sopra la nota che indica la corda “aperta”, o suonare su una corda senza manipolare l’altezza usando la mano sinistra. Il secondo dito può essere “basso” o “alto”, corrispondente a G o G♯ sulla corda E in prima posizione. Allo stesso modo, il primo dito può raggiungere un mezzo passo in giù per il Fa, e il terzo e il quarto dito raggiungono rispettivamente il La♯ e il Do, come mostrato nella tabella dei modelli di dita di Bornoff a sinistra. (Il modello numero 5 può essere visto come lo stesso del modello numero 3, ma un mezzo passo più in basso, o in “mezza posizione”.)
La tabella in basso a sinistra mostra la disposizione delle note raggiungibili in prima posizione. Nota bene: il posizionamento delle dita della mano sinistra è una questione di orecchie e mano, non di occhi, cioè ha forti componenti uditive e tattili/cinetiche, con riferimenti visivi che sono solo marginalmente utili. Si noti anche (non mostrato in questo grafico) che la distanza tra le posizioni delle note diventa più stretta man mano che le dita si spostano “su” (in altezza) dal capotasto. Le barre blu ai lati del grafico rappresentano le solite possibilità di posizionamento del nastro per principianti, al 1°, 2° alto, 3° (e 4°) dito, o il modello Bornoff numero 2. Questo particolare schema risulta in una scala A maggiore sulle corde A e E, che è un inizio naturale per melodie semplici come “Twinkle Twinkle Little Star”.
PosizioniModifica
Il posizionamento della mano sinistra sulla tastiera è caratterizzato da “posizioni”. La prima posizione, dove la maggior parte dei principianti inizia (alcuni metodi iniziano in terza posizione) è la più vicina al capotasto, o estremità del manico, e la più lontana dalla faccia del suonatore. La nota più bassa disponibile in questa posizione nell’accordatura standard è un Sol aperto; le note più alte in prima posizione sono fermate con il quarto dito sulla corda del Mi, suonando un Si.
Quindi, in prima posizione, il primo dito posto sulla corda del Mi dà un Fa♯; da questa posizione, il secondo dito può suonare un Sol o un Sol♯, il terzo dito un La, e – come già detto – il quarto un Si. Posizionare il primo dito in modo che quando viene premuto dia un Sol (ancora sulla corda del Mi) si chiama seconda posizione, dalla quale si possono suonare tutte le note ascendenti fino al Do (con il quarto dito). La terza posizione si ottiene quando il primo dito preme su un La, e così via, con la quinta posizione su una corda che suona le stesse note della prima posizione sulla corda superiore. C’è anche una “mezza posizione” in cui il primo dito suona un semitono sopra la corda aperta e le altre dita un tono o un semitono sotto la loro posizione normale, per esempio (sulla corda A) A♯-B-C♯-D. Le stesse note potrebbero essere suonate in prima posizione con il primo dito che si sposta dalla “prima bassa” (A♯) a B, ma questo produrrebbe un primo dito scorrevole, che non è sempre desiderabile.
Il limite superiore della gamma del violino è largamente determinato dall’abilità del suonatore. Un suonatore esperto può suonare più di due ottave su una singola corda, e quattro ottave su tutto lo strumento. Tutte le note tranne la più bassa e la più alta possono essere suonate su più corde in posizioni diverse. Cioè, la nota “alta” B di cui sopra può essere suonata non solo dal quarto dito sulla corda E in prima posizione, ma anche dal quarto dito in quinta posizione sulla corda A, in nona posizione sulla corda D, e in tredicesima posizione sulla corda G.
I violinisti spesso cambiano posizione sulle corde più basse, a volte per la costernazione dei compositori e molto per la confusione dei principianti. Questo viene fatto di solito per gestire un passaggio musicale che altrimenti richiederebbe un rapido cambio (o “incrocio”) di corde. Viene fatto anche per produrre un timbro particolare: la stessa nota suonerà sostanzialmente diversa a seconda di quale corda viene usata per suonarla. Quel Si “alto”, se suonato sulla E-string (la più alta, di solito una corda metallica mono-core) può avere un timbro chiaro, anche penetrante; lo stesso Si “alto” suonato sulla A-string o sulla D-string o sulla G-string (di solito corde avvolte piuttosto che mono-core) può suonare più “caldo” o meno abrasivo. Per questo motivo i violinisti spesso evitano di suonare una singola nota sulla corda E all’interno di una frase di note sulla corda A, poiché una nota sulla corda E risalterebbe con un timbro diverso.
Corde diverse hanno qualità timbriche diverse, a causa della loro diversa composizione fisica e delle loro diverse risonanze sullo strumento. La scelta dei timbri sulle diverse corde è vitale per la musicalità dello strumento, e i musicisti intermedi e avanzati spesso suoneranno deliberatamente in una posizione più alta su una corda più bassa per effetto. Questo effetto è talvolta indicato dal compositore o dall’arrangiatore. L’indicazione più comune usa il nome della lettera della corda: per esempio, se un compositore vuole che un passaggio che sarebbe altrimenti preso sulla corda D sia suonato sulla corda G, scrive “sul G” o “G Saite” o “auf G” o “G corde” (o semplicemente, “su G”) nella parte. Occasionalmente, si usano numeri o numeri romani, così l’esempio potrebbe essere scritto “4. corde” o “IV corde” (come sopra, con la corda più alta che è #1 e la più bassa #4); il modo più semplice per indicare quale corda suonare è scrivere solo il numero (per esempio, ‘IV’ o ‘III’).
Suoni e tecniche del violino:
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- Corde aperte (arco e pizzicato)
- Una scala A maggiore (arco e pizzicato)
- Inizio di una scala di A maggiore con vibrato
- Una scala di A maggiore suonata col legno
- Un doppio stop
- Armoniche naturali sulla corda di A all’ottava, ottava e una quinta e due ottave
- Un’armonica artificiale (falsa) prodotta sulla corda del Mi
- Glissando armonico sulla corda del La
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Corde aperteModifica
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Un timbro speciale risulta dal suonare una nota senza toccare la sua corda con un dito, suonando così la nota più bassa su quella corda. Una tale nota si dice suonata su una corda aperta. Le note a corda aperta (G, D, A, E) hanno un suono molto distinto che deriva dall’assenza dell’azione smorzante di un dito, e dal fatto che il vibrato (vedi sotto) è prodotto in modo diverso dalle note con le dita. A parte il sol basso (che non può essere suonato in nessun altro modo), le corde aperte sono talvolta selezionate per effetti speciali.
Un effetto sorprendente che utilizza le corde aperte è il bariolage. Questo è l’alternanza ripetuta di note suonate su due o più corde, dove una delle note è di solito una corda aperta. Questo incrocio di corde è spesso rapido, ed è meglio eseguito con un movimento sinuoso del braccio dell’arco. A volte la stessa tonalità di una corda aperta sarà ditata su una corda adiacente, in modo che l’alternanza sia tra la stessa nota su due corde, una fermata, una aperta, dando un effetto ritmico pulsante. Il bariolage era uno dei dispositivi preferiti di Joseph Haydn, che lo usò per esempio nel suo quartetto d’archi Opus 50 n. 6, e nella Sinfonia “Farewell”. È anche presente in modo prominente nel Preludium della Partita n. 3 in mi maggiore per violino solo di Bach.
Suonando una corda aperta simultaneamente ad una nota ferma su una corda adiacente si produce un drone simile ad una zampogna, spesso usato dai compositori per imitare la musica popolare. A volte le due note sono identiche (per esempio, suonando un La diteggiato sulla corda D contro la corda A aperta), dando una sorta di suono squillante “fiddling”.
Doppi stop e droniModifica
Il doppio stop è quando le note fermate sono suonate su due corde adiacenti, producendo un’armonia a due note. Questo è più difficile del normale suonare su una sola corda, poiché le dita devono essere accuratamente posizionate su due corde simultaneamente. A volte è necessario spostarsi in una posizione più alta perché la mano sinistra sia in grado di raggiungere entrambe le note contemporaneamente. Doppio arresto è anche usato per significare suonare su tre o tutte e quattro le corde in una volta, anche se tali pratiche sono più propriamente chiamate arresto triplo o quadruplo. Collettivamente, il doppio, triplo e quadruplo arresto è chiamato arresto multiplo. Tuttavia, l’arresto triplo o quadruplo è più comunemente chiamato semplicemente accordo. Suonare una corda aperta insieme ad una nota diteggiata è un altro modo per ottenere un’armonia. Anche se a volte è chiamato anche un doppio stop, è più propriamente chiamato un drone, in quanto la nota del drone (la corda aperta) può essere sostenuta per un passaggio di note diverse suonate sulla corda adiacente.
VibratoEdit
Vibrato è una tecnica della mano sinistra e del braccio in cui l’altezza di una nota varia in un ritmo pulsante. Meccanicamente, si ottiene con movimenti delle dita che alterano la lunghezza della corda vibrante. Ci sono diversi stili di vibrato che vanno dall’uso delle sole dita, all’uso del polso o anche dell’intero avambraccio. Impiegando queste diverse tecniche, sia la velocità che l’ampiezza delle oscillazioni del vibrato possono essere variate per l’effetto musicale.
Il vibrato è spesso percepito per creare un suono più emotivo, ed è impiegato pesantemente nella musica dell’era romantica. L’effetto acustico del vibrato ha in gran parte a che fare con l’aggiunta di interesse e calore al suono, sotto forma di un luccichio creato dalle variazioni di proiezione del suono più forte. Un violino ben fatto virtualmente punta il suo modello sonoro in direzioni diverse a seconda delle leggere variazioni di tonalità.
I violinisti oscillano all’indietro, o più in basso rispetto alla nota reale quando usano il vibrato, poiché la percezione uditiva favorisce la tonalità più alta in un suono variabile. Il vibrato fa poco o nulla per mascherare una nota stonata. Agli studenti di violino, soprattutto ai principianti, viene insegnato ad usarlo solo sulle note estese e durante i punti di tensione emotiva. Vibrato può essere difficile da imparare e può prendere uno studente diversi mesi, se non anni, a master.
HarmonicsEdit
Leggermente toccando la stringa con un dito in un nodo armonico mentre bowing vicino al ponte può creare armonici. Invece del normale tono solido, si sente una nota di sovratono dal suono vaporoso di una tonalità più alta. Ogni nodo è ad una divisione intera della corda, per esempio esattamente a metà della lunghezza della corda, o esattamente ad un terzo della lunghezza della corda. L’altezza prodotta in questi due casi sarà un’ottava più alta nel caso delle metà, e un’ottava e una quinta più alta nel caso della corda che vibra in terzi. Uno strumento reattivo fornirà numerosi nodi armonici possibili lungo la lunghezza della corda.
Le armoniche sono segnate in musica con un piccolo cerchio sopra la nota che determina l’altezza dell’armonica. Ci sono due tipi di armoniche: le armoniche naturali e le armoniche artificiali (dette anche “false armoniche”).
Le armoniche artificiali sono più avanzate delle armoniche naturali descritte sopra. Fermando una nota su una corda, per esempio il primo dito “E” sulla corda D, e avendo un altro dito che tocca la corda una quarta più in alto, in questo caso sulla posizione della nota “A”, si produce la quarta armonica del “E”, che suona un tono due ottave sopra la nota che viene fermata, in questo caso, E. Il posizionamento e la pressione delle dita, così come la velocità dell’arco, la pressione e il punto di suono sono tutti essenziali per far suonare l’armonica desiderata.
Il “dito armonico” può anche toccare una terza maggiore sopra la nota premuta, o una quinta superiore. Queste armoniche sono meno usate perché sono più difficili da far suonare bene. Nel caso della terza maggiore, l’armonica è più alta nella serie degli armonici, e non parla così facilmente; nel caso della quinta, il tratto è maggiore di quanto sia comodo per molti violinisti. L’altezza di suono dell’armonica di terza maggiore è due ottave e una terza maggiore sopra la nota inferiore, e nel caso della quinta, è un’ottava e una quinta sopra la nota inferiore.
La notazione tradizionale delle armoniche artificiali usa due note su uno stelo: la nota inferiore impiega una testa di nota rotonda che rappresenta il punto in cui la corda è fortemente fermata con il primo dito, e la nota superiore usa una testa di nota a diamante aperta che rappresenta il punto in cui la corda è leggermente toccata con il quarto dito.
Le armoniche sono anche raramente suonate nei doppi stop, dove entrambe le note sono armoniche.
Elaborati passaggi in armoniche artificiali si possono trovare nella letteratura violinistica virtuosistica, specialmente del XIX e inizio XX secolo.