Alors que les étudiants débutants en violon se fient souvent à des rubans ou des marqueurs placés sur la touche pour placer correctement les doigts de la main gauche, les joueurs plus compétents placent leurs doigts aux bons endroits sans de telles indications mais grâce à la pratique et à l’expérience. Pour atteindre une bonne intonation, les violonistes entraînent leurs doigts à se placer aux bons endroits, apprennent à entendre quand une note est juste ou fausse, et cultivent la capacité à corriger la note rapidement et automatiquement pendant qu’ils jouent. Le fait de « chanter » la hauteur mentalement aide à se placer au bon endroit. (En pratique, l’intonation peut être vérifiée en faisant sonner une corde à vide adjacente et en écoutant l’intervalle entre les deux notes). Bien qu’il soit possible d’ajuster la hauteur de son désir après avoir posé le doigt, la quantité d’ajustement nécessaire peut être grandement réduite en entraînant les doigts à tomber correctement en premier lieu. Cela dit, une citation largement attribuée à Jascha Heifetz dit à peu près ceci : « Je joue autant de fausses notes que n’importe qui, mais je les répare avant que la plupart des gens puissent les entendre. »
Les doigts sont conventionnellement numérotés de 1 (index) à 4 (petit doigt). En particulier dans les éditions didactiques de musique pour violon, les numéros au-dessus des notes peuvent indiquer quel doigt utiliser, le « 0 » au-dessus de la note indiquant une corde « ouverte », ou le fait de jouer sur une corde sans manipuler la hauteur avec la main gauche. Le deuxième doigt peut être soit « bas », soit « haut », correspondant à G ou G♯ sur la corde de Mi en première position. De même, le premier doigt peut atteindre un demi-ton vers le bas pour le Fa, et les 3e et 4e doigts atteignent le haut pour le La♯ et le Do respectivement, comme le montre le tableau des modèles de doigts Bornoff à gauche. (Le motif numéro 5 peut être vu comme étant le même que le motif numéro 3, mais un demi-pas plus bas, ou en « demi-position ».)
Le tableau inférieur de gauche montre la disposition des notes atteignables en première position. Notez bien : le placement des doigts de la main gauche est une affaire d’oreilles et de main, et non d’yeux, c’est-à-dire qu’il a de fortes composantes auditives et tactiles/kinesthésiques, les références visuelles n’étant que marginalement utiles. Notez également (ce qui n’est pas indiqué sur ce graphique) que l’espacement entre les positions de note devient plus étroit à mesure que les doigts se déplacent vers le haut (dans la hauteur) à partir du sillet. Les barres bleues sur les côtés du tableau représentent les possibilités habituelles de placement des bandes pour les débutants, au 1er, 2e, 3e (et 4e) doigts, ou le modèle Bornoff numéro 2. Ce motif particulier donne lieu à une gamme de la majeur sur les cordes de la et de mi, ce qui constitue un début naturel pour des airs simples comme « Twinkle Twinkle Little Star ».
PositionsEdit
Le placement de la main gauche sur la touche est caractérisé par des « positions ». La première position, où la plupart des débutants commencent (certaines méthodes commencent en troisième position) est la plus proche du sillet, ou extrémité de la volute, et la plus éloignée du visage du joueur. La note la plus grave disponible dans cette position en accordage standard est un sol ouvert ; les notes les plus aiguës en première position sont arrêtées avec le quatrième doigt sur la corde de mi, ce qui fait sonner un si.
Donc, en première position, le premier doigt placé sur la corde de mi donne un fa♯ ; à partir de cette position, le deuxième doigt peut jouer un sol ou un sol♯, le troisième doigt un la, et – comme mentionné précédemment – le quatrième un si. Le fait de positionner le premier doigt de façon à ce qu’il donne un sol (toujours sur la corde de mi) est appelé deuxième position, position à partir de laquelle toutes les notes ascendantes jusqu’au do (par le quatrième doigt) peuvent être jouées. La troisième position est obtenue lorsque le premier doigt appuie sur un La, et ainsi de suite, la cinquième position sur une corde faisant entendre les mêmes notes que la première position sur la corde supérieure. Il existe également une « demi-position » où le premier doigt sonne un demi-ton au-dessus de la corde à vide et les autres doigts un ton ou un demi-ton en dessous de leur position normale, par exemple (sur la corde A) A♯-B-C♯-D. Les mêmes notes pourraient être jouées en première position avec le premier doigt passant de la « première basse » (A♯) au Si, mais cela produirait un premier doigt glissant, ce qui n’est pas toujours souhaitable.
La limite supérieure de la gamme du violon est largement déterminée par l’habileté du joueur. Un joueur habile peut jouer plus de deux octaves sur une seule corde, et quatre octaves sur l’ensemble de l’instrument. Toutes les notes, à l’exception de la plus grave et de la plus aiguë, peuvent être jouées sur plusieurs cordes dans des positions différentes. C’est-à-dire que le si « aigu » dont il est question ci-dessus peut être joué non seulement par le quatrième doigt sur la corde de mi en première position, mais aussi par le quatrième doigt en cinquième position sur la corde de la, en neuvième position sur la corde de ré et en treizième position sur la corde de sol.
Les violonistes changent souvent de position sur les cordes graves, parfois à la consternation des compositeurs et beaucoup à la confusion des débutants. Cela est généralement fait pour gérer un passage musical qui nécessiterait autrement un changement rapide (ou « croisement ») des cordes. C’est également le cas pour produire un timbre particulier : la même note sonnera de manière sensiblement différente selon la corde utilisée pour la jouer. Ce si « aigu », lorsqu’il est joué sur la corde de mi (la plus haute, généralement une corde métallique monocorde) peut avoir un timbre clair, voire perçant ; le même si « aigu » joué sur la corde de la, la corde de ré ou la corde de sol (généralement des cordes enveloppées plutôt que monocordes) peut sembler plus « chaud » ou moins abrasif. Pour cette raison, les violonistes évitent souvent de jouer une seule note sur la corde de mi au sein d’une phrase de notes sur la corde de la, car une note sur la corde de mi se démarquerait par un timbre différent.
Des cordes différentes ont une qualité de son différente, en raison de leur composition physique différente et de leurs résonances différentes sur l’instrument. Le choix des timbres sur les différentes cordes est vital pour la musicalité de l’instrument, et les joueurs intermédiaires et avancés joueront souvent délibérément dans une position plus élevée sur une corde inférieure pour obtenir un effet. Cet effet est parfois indiqué par le compositeur ou l’arrangeur. L’indication la plus courante utilise la lettre du nom de la corde : par exemple, si un compositeur veut qu’un passage qui serait autrement pris sur la corde de ré soit joué sur la corde de sol, il écrit « sul G » ou « G Saite » ou « auf G » ou « G corde » (ou simplement, « sur sol ») dans la partie. Parfois, on utilise des chiffres ou des chiffres romains, de sorte que l’exemple pourrait être écrit « 4. corde » ou « IV corde » (comme ci-dessus, la corde la plus haute étant la #1 et la plus basse la #4) ; la façon la plus simple d’indiquer quelle corde jouer est d’écrire le numéro (par exemple, ‘IV’ ou ‘III’) seul.
Sons et techniques du violon :
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- Cordes ouvertes (arco et pizzicato)
- Une gamme de la majeur (arco et pizzicato)
- Début de. une gamme de la majeur avec vibrato
- Une gamme de la majeur jouée col legno
- Un double arrêt
- Des harmoniques naturelles sur la corde de la à l’octave, octave et quinte et deux octaves
- Une harmonique artificielle (fausse) produite sur la corde de mi
- Glissando harmonique sur la corde de la
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Cordes ouvertesEdit
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Un timbre particulier résulte du fait de jouer une note sans toucher sa corde avec un doigt, faisant ainsi sonner la note la plus grave de cette corde. On dit d’une telle note qu’elle est jouée sur une corde ouverte. Les notes jouées sur une corde à vide (sol, ré, la, mi) ont un son très distinct résultant de l’absence de l’action amortissante d’un doigt, et du fait que le vibrato (voir ci-dessous) est produit différemment des notes jouées avec les doigts. A part le sol grave (qui ne peut être joué d’aucune autre manière), les cordes ouvertes sont parfois choisies pour des effets spéciaux.
Un effet frappant qui emploie les cordes ouvertes est le bariolage. Il s’agit de l’alternance répétée de notes jouées sur deux ou plusieurs cordes, où l’une des notes est généralement une corde à vide. Ce croisement de cordes est souvent rapide, et est mieux exécuté avec un mouvement sinueux du bras de l’archet. Parfois, la même note qu’une corde à vide est jouée sur une corde adjacente, de sorte que l’alternance se fait entre la même note sur deux cordes, l’une arrêtée, l’autre ouverte, ce qui donne un effet de pulsation rythmique. Le bariolage était l’un des procédés préférés de Joseph Haydn, qui l’a utilisé par exemple dans son quatuor à cordes Opus 50 n° 6, et dans la Symphonie « Farewell ». Il figure également en bonne place dans le Preludium de la Partita n°3 en mi majeur pour violon seul de Bach.
Placer une corde à vide simultanément avec une note arrêtée sur une corde adjacente produit un bourdon semblable à une cornemuse, souvent utilisé par les compositeurs en imitation de la musique folklorique. Parfois, les deux notes sont identiques (par exemple, en jouant un la doigté sur la corde de ré contre la corde de la ouverte), ce qui donne une sorte de sonnerie de « violon ».
Doubles jeux et bourdonsEdit
Les doubles jeux consistent à jouer des notes arrêtées sur deux cordes adjacentes, produisant une harmonie à deux notes. C’est plus difficile que le jeu normal sur une seule corde, car les doigts doivent être placés avec précision sur deux cordes simultanément. Il est parfois nécessaire de passer à une position plus élevée pour que la main gauche puisse atteindre les deux notes à la fois. Le double arrêt est également utilisé pour désigner le fait de jouer sur trois ou quatre cordes à la fois, bien que ces pratiques soient plutôt appelées triple ou quadruple arrêt. Collectivement, les doubles, triples et quadruples arrêts sont appelés arrêts multiples. Cependant, le triple ou le quadruple arrêt est plus communément appelé un accord. Faire sonner une corde à vide à côté d’une note jouée avec les doigts est une autre façon d’obtenir une harmonie. Bien que parfois aussi appelé double arrêt, il est plus proprement appelé bourdon, car la note du bourdon (la corde à vide) peut être soutenue pour un passage de différentes notes jouées sur la corde adjacente.
VibratoEdit
Le vibrato est une technique de la main et du bras gauches dans laquelle la hauteur d’une note varie selon un rythme pulsé. Mécaniquement, il est obtenu par des mouvements du bout des doigts qui modifient la longueur de la corde vibrante. Il existe plusieurs styles de vibrato, allant de l’utilisation des doigts à l’utilisation du poignet, voire de l’avant-bras entier. En employant ces différentes techniques, on peut faire varier à la fois la vitesse et l’amplitude des oscillations du vibrato pour obtenir un effet musical.
Le vibrato est souvent perçu comme créant un son plus émotionnel, et il est fortement employé dans la musique de l’ère romantique. L’effet acoustique du vibrato a en grande partie pour but d’ajouter de l’intérêt et de la chaleur au son, sous la forme d’un chatoiement créé par les variations de projection du son le plus fort. Un violon bien fait pointe virtuellement son motif sonore dans différentes directions en fonction de légères variations de hauteur.
Les violonistes oscillent à l’envers, ou plus bas dans la hauteur de la note réelle lorsqu’ils utilisent le vibrato, puisque la perception auditive favorise la hauteur la plus élevée dans un son variable. Le vibrato ne fait rien, ou presque, pour masquer une note désaccordée. On apprend aux violonistes, surtout aux débutants, à ne l’utiliser que sur des notes longues ou lors de moments de tension émotionnelle. Le vibrato peut être difficile à apprendre et peut prendre à un étudiant plusieurs mois, voire des années, pour le maîtriser.
HarmoniquesEdit
Toucher légèrement la corde avec le bout d’un doigt à un nœud harmonique tout en archetant près du pont peut créer des harmoniques. Au lieu du son solide normal, une note harmonique sinueuse d’une hauteur supérieure est entendue. Chaque nœud se trouve à une division entière de la corde, par exemple exactement à la moitié de la longueur de la corde, ou exactement au tiers de la longueur de la corde. La hauteur produite dans ces deux cas sera supérieure d’une octave dans le cas des moitiés, et d’une octave et d’une quinte dans le cas de la corde vibrant par tierces. Un instrument sensible fournira de nombreux nœuds harmoniques possibles sur toute la longueur de la corde.
Les harmoniques sont marquées en musique par un petit cercle au-dessus de la note qui détermine la hauteur de l’harmonique. Il existe deux types d’harmoniques : les harmoniques naturelles et les harmoniques artificielles (également appelées « fausses harmoniques »).
Les harmoniques artificielles sont plus avancées que les harmoniques naturelles décrites ci-dessus. Arrêter une note sur une corde, par exemple le premier doigt « E » sur la corde de ré, et avoir un autre doigt qui touche juste la corde une quatrième plus haut, dans ce cas sur la position de la note « A », produit la quatrième harmonique du « E », sonnant un ton deux octaves au-dessus de la note qui est arrêtée, dans ce cas, E. Le placement et la pression des doigts, ainsi que la vitesse et la pression de l’archet et le point de frappe sont tous essentiels pour faire sonner l’harmonique désirée.
Le « doigt harmonique » peut aussi toucher à une tierce majeure au-dessus de la note appuyée, ou à une quinte supérieure. Ces harmoniques sont moins couramment utilisées car elles sont plus difficiles à faire bien sonner. Dans le cas de la tierce majeure, l’harmonique est plus élevée dans la série des harmoniques, et ne s’exprime pas aussi facilement ; dans le cas de la quinte, l’étirement est plus important que ce qui est confortable pour de nombreux violonistes. La hauteur sonore de l’harmonique de tierce majeure est de deux octaves et une tierce majeure au-dessus de la note inférieure, et dans le cas de la quinte, elle est d’une octave et une quinte au-dessus de la note inférieure.
La notation traditionnelle des harmoniques artificielles utilise deux notes sur une tige : la note inférieure utilise une tête de note ronde représentant l’endroit où la corde est fortement arrêtée avec le premier doigt, et la note supérieure utilise une tête de note en losange ouvert représentant l’endroit où la corde est légèrement touchée avec le quatrième doigt.
Les harmoniques sont aussi rarement jouées dans les doubles jeux, où les deux notes sont des harmoniques.
On trouve des passages élaborés en harmoniques artificielles dans la littérature de violon virtuose, surtout du 19e et du début du 20e siècle.