Mientras que los estudiantes de violín principiantes a menudo confían en cintas o marcadores colocados en el diapasón para la correcta colocación de los dedos de la mano izquierda, los intérpretes más hábiles colocan los dedos en los puntos correctos sin esas indicaciones, sino a partir de la práctica y la experiencia. Para conseguir una buena entonación, los violinistas entrenan sus dedos para que se coloquen en los lugares correctos, aprendiendo a escuchar cuándo un tono está afinado o desafinado, y cultivando la capacidad de corregir el tono de forma rápida y automática mientras se está tocando. «Cantar» la afinación mentalmente ayuda a que se sitúe en el lugar correcto. (En la práctica, la entonación puede comprobarse haciendo sonar una cuerda abierta adyacente y escuchando el intervalo entre las dos notas). Aunque es posible ajustar la afinación deseada después de colocar el dedo, la cantidad de ajustes necesarios puede reducirse en gran medida si se entrenan los dedos para que caigan correctamente en primer lugar. Dicho esto, una cita ampliamente atribuida a Jascha Heifetz dice algo así como «Toco tantas notas erróneas como cualquiera, pero las arreglo antes de que la mayoría de la gente pueda oírlas»
Los dedos se numeran convencionalmente del 1 (dedo índice) al 4 (dedo meñique). Especialmente en las ediciones instructivas de música para violín, los números sobre las notas pueden indicar qué dedo usar, con el «0» sobre la nota indicando cuerda «abierta», o tocando en una cuerda sin manipular el tono usando la mano izquierda. El segundo dedo puede ser «bajo» o «alto», lo que corresponde a Sol o G♯ en la cuerda de Mi en primera posición. Del mismo modo, el primer dedo puede llegar medio paso abajo para el Fa, y los dedos 3º y 4º llegan arriba para el A♯ y el Do, respectivamente, como se muestra en la tabla de patrones de dedos de Bornoff de la izquierda. (El patrón número 5 puede verse como el patrón número 3, pero medio paso más abajo, o en «media posición»)
El gráfico inferior de la izquierda muestra la disposición de las notas alcanzables en primera posición. Nótese bien: la colocación de los dedos de la mano izquierda es una cuestión de los oídos y la mano, no de los ojos, es decir, tiene fuertes componentes auditivos y táctiles/kinestésicos, siendo las referencias visuales sólo marginalmente útiles. Observe también (no se muestra en este gráfico) que el espacio entre las posiciones de las notas se hace más estrecho a medida que los dedos se mueven «hacia arriba» (en tono) desde la cejilla. Las barras azules a los lados del gráfico representan las posibilidades habituales de colocación de la cinta para principiantes, en los dedos 1º, 2º, 3º (y 4º) altos, o el patrón Bornoff número 2. Este patrón en particular da como resultado una escala de La mayor en las cuerdas de La y Mi, que es un comienzo natural para melodías sencillas como «Twinkle Twinkle Little Star».
PosicionesEditar
La colocación de la mano izquierda en el diapasón se caracteriza por «posiciones». La primera posición, donde empiezan la mayoría de los principiantes (algunos métodos empiezan en la tercera posición) es la más cercana a la cejuela, o extremo de la voluta, y la más alejada de la cara del músico. La nota más baja disponible en esta posición en la afinación estándar es un Sol abierto; las notas más altas en primera posición se detienen con el cuarto dedo en la cuerda Mi, sonando un Si.
Así, en primera posición, el primer dedo colocado en la cuerda Mi da un Fa♯; desde esta posición, el segundo dedo puede tocar un Sol o un Sol♯, el tercer dedo un La, y -como se mencionó anteriormente- el cuarto un Si. La posición del primer dedo de manera que al presionarlo dé un sol (todavía en la cuerda de mi) se llama segunda posición, desde la cual se pueden tocar todas las notas ascendentes hasta do (por el cuarto dedo). La tercera posición se consigue cuando el primer dedo presiona un La, y así sucesivamente, con la quinta posición en una cuerda sonando las mismas notas que la primera posición en la cuerda de arriba. También existe una «media posición» en la que el primer dedo suena un semitono por encima de la cuerda abierta y los otros dedos un tono o semitono por debajo de sus posiciones normales, por ejemplo (en la cuerda de La) A♯-B-C♯-D. Las mismas notas podrían tocarse en primera posición con el primer dedo moviéndose desde la «primera baja» (A♯) hasta el Si, pero esto produciría un primer dedo deslizante, que no siempre es deseable.
El límite superior del rango del violín está determinado en gran medida por la habilidad del intérprete. Un intérprete experto puede tocar más de dos octavas en una sola cuerda, y cuatro octavas en el instrumento en su conjunto. Todas las notas, excepto las más graves y las más agudas, pueden tocarse en varias cuerdas en diferentes posiciones. Es decir, la nota «alta» de Si a la que nos referimos anteriormente puede ser tocada no sólo por el cuarto dedo en la cuerda de Mi en primera posición, sino también por el cuarto dedo en quinta posición en la cuerda de La, en novena posición en la cuerda de Re, y en decimotercera posición en la cuerda de Sol.
Los violinistas a menudo cambian de posición en las cuerdas inferiores, a veces para consternación de los compositores y para gran confusión de los principiantes. Esto se hace generalmente para manejar un pasaje musical que de otro modo requeriría un cambio rápido (o «cruce») de cuerdas. También se hace para producir un timbre particular: la misma nota sonará sustancialmente diferente dependiendo de la cuerda que se utilice para tocarla. Ese Si «alto», cuando se toca en la cuerda de Mi (la más alta, normalmente una cuerda metálica monocorde) puede tener un timbre claro e incluso penetrante; el mismo Si «alto» tocado en la cuerda de La o de Re o de Sol (normalmente cuerdas entorchadas en lugar de monocordes) puede sonar más «cálido» o menos abrasivo. Por esta razón, los violinistas suelen evitar tocar una sola nota en la cuerda mi dentro de una frase de notas en la cuerda la, ya que una nota en la cuerda mi destacaría con un timbre diferente.
Las diferentes cuerdas tienen una calidad de tono diferente, debido a su diferente composición física y sus diferentes resonancias en el instrumento. La elección de los timbres en las diferentes cuerdas es vital para la musicalidad del instrumento, y los músicos intermedios y avanzados a menudo tocarán deliberadamente en una posición más alta en una cuerda más baja para conseguir un efecto. Este efecto a veces lo indica el compositor o el arreglista. La indicación más común utiliza el nombre de la letra de la cuerda: por ejemplo, si un compositor quiere que un pasaje que de otro modo se tomaría en la cuerda Re se toque en la cuerda Sol, escribe «sul G» o «G Saite» o «auf G» o «G corde» (o simplemente, «en G») en la parte. En ocasiones, se utilizan números o cifras romanas, por lo que el ejemplo podría escribirse «4. corde» o «IV corde» (como en el caso anterior, siendo la cuerda más aguda la nº 1 y la más grave la nº 4); la forma más sencilla de indicar qué cuerda se debe tocar es escribir el número (por ejemplo, ‘IV’ o ‘III’) solo.
Sonidos y técnicas del violín:
566 KB (help-info)
- Cuerdas abiertas (arco y pizzicato)
- Una escala de La mayor (arco y pizzicato)
- Comienzo de una escala de La mayor con vibrato
- Una escala de La mayor tocada col legno
- Un doble stop
- Amónicos naturales en la cuerda de La en la octava, octava y quinta y dos octavas
- Un armónico artificial (falso) producido en la cuerda de Mi
- Glissando armónico en la cuerda de La
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Cuerdas abiertasEditar
Tocar (ayuda-info)
Un timbre especial resulta de tocar una nota sin tocar su cuerda con un dedo, sonando así la nota más grave de esa cuerda. Se dice que tal nota se toca en una cuerda abierta. Las notas de cuerdas abiertas (Sol, Re, La, Mi) tienen un sonido muy distinto que resulta de la ausencia de la acción amortiguadora de un dedo, y del hecho de que el vibrato (ver más abajo) se produce de manera diferente que en las notas digitadas. Aparte del sol bajo (que no se puede tocar de otra manera), las cuerdas abiertas se seleccionan a veces para efectos especiales.
Un efecto sorprendente que emplea cuerdas abiertas es el bariolage. Se trata de la alternancia repetida de notas tocadas en dos o más cuerdas, donde una de las notas suele ser una cuerda al aire. Este cruce de cuerdas suele ser rápido y se ejecuta mejor con un movimiento sinuoso del brazo del arco. A veces, el mismo tono de una cuerda abierta se toca en una cuerda adyacente, de modo que la alternancia es entre la misma nota en dos cuerdas, una parada y otra abierta, dando un efecto rítmico pulsante. El bariolage era uno de los recursos favoritos de Joseph Haydn, que lo utilizó, por ejemplo, en su cuarteto de cuerda Opus 50 nº 6 y en la Sinfonía «Adiós». También aparece de forma destacada en el Preludio de la Partita nº 3 en mi mayor para violín solo de Bach.
Tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota detenida en una cuerda adyacente produce un zumbido parecido al de una gaita, utilizado a menudo por los compositores a imitación de la música folclórica. A veces, las dos notas son idénticas (por ejemplo, tocando un La digitado en la cuerda de Re contra la cuerda de La abierta), dando una especie de sonido de «violín».
Paradas dobles y bordonesEditar
La parada doble es cuando las notas paradas se tocan en dos cuerdas adyacentes, produciendo una armonía de dos notas. Esto es más difícil que tocar normalmente una sola cuerda, ya que los dedos deben colocarse con precisión en dos cuerdas simultáneamente. A veces es necesario moverse a una posición más alta para que la mano izquierda pueda alcanzar ambas notas a la vez. La parada doble también se utiliza para tocar en tres o las cuatro cuerdas a la vez, aunque estas prácticas se denominan más correctamente parada triple o cuádruple. En conjunto, las paradas dobles, triples y cuádruples se denominan paradas múltiples. Sin embargo, la parada triple o cuádruple es más comúnmente llamada acorde. Hacer sonar una cuerda abierta junto a una nota digitada es otra forma de obtener una armonía. Aunque a veces también se denomina parada doble, se llama más propiamente bordón, ya que la nota bordón (la cuerda abierta) puede sostenerse durante un pasaje de notas diferentes tocadas en la cuerda adyacente.
VibratoEditar
El vibrato es una técnica de la mano y el brazo izquierdos en la que el tono de una nota varía en un ritmo pulsante. Mecánicamente, se consigue mediante movimientos de las yemas de los dedos que alteran la longitud de la cuerda que vibra. Existen varios estilos de vibrato que van desde el uso de los dedos hasta el uso de la muñeca o incluso de todo el antebrazo. Al emplear estas diferentes técnicas, tanto la velocidad como la amplitud de las oscilaciones del vibrato pueden variar para conseguir un efecto musical.
El vibrato se percibe a menudo para crear un sonido más emocional, y se emplea mucho en la música de la era romántica. El efecto acústico del vibrato tiene que ver en gran medida con la adición de interés y calidez al sonido, en forma de un brillo creado por las variaciones en la proyección del sonido más fuerte. Un violín bien hecho apunta virtualmente su patrón de sonido en diferentes direcciones dependiendo de ligeras variaciones en el tono.
Los violinistas oscilan hacia atrás, o más abajo en el tono de la nota real cuando usan el vibrato, ya que la percepción auditiva favorece el tono más alto en un sonido que varía. El vibrato hace poco o nada para disimular una nota desafinada. A los estudiantes de violín, especialmente de nivel principiante, se les enseña a utilizarlo sólo en notas extendidas y o durante puntos de tensión emocional. El vibrato puede ser difícil de aprender y puede llevarle a un estudiante varios meses, si no años, para dominarlo.
ArmónicosEditar
Tocar ligeramente la cuerda con la punta del dedo en un nodo armónico mientras se inclina cerca del puente puede crear armónicos. En lugar del tono sólido normal, se oye una nota de sobretono de sonido difuso de un tono más alto. Cada nodo está en una división entera de la cuerda, por ejemplo, exactamente a la mitad de la longitud de la cuerda, o exactamente a un tercio de la longitud de la cuerda. El tono producido en estos dos casos será una octava más alta en el caso de las mitades, y una octava y una quinta más alta en el caso de la cuerda que vibra en terceras. Un instrumento sensible proporcionará numerosos nodos armónicos posibles a lo largo de la longitud de la cuerda.
Los armónicos se marcan en la música con un pequeño círculo sobre la nota que determina el tono del armónico. Hay dos tipos de armónicos: los naturales y los artificiales (también conocidos como «falsos armónicos»).
Los armónicos artificiales son más avanzados que los naturales descritos anteriormente. Parar una nota en una cuerda, por ejemplo el primer dedo «Mi» en la cuerda de Re, y tener otro dedo tocando la cuerda una cuarta más arriba, en este caso en la posición de la nota «La», produce el cuarto armónico del «Mi», sonando un tono dos octavas por encima de la nota que se para, en este caso, Mi. La colocación y la presión de los dedos, así como la velocidad del arco, la presión y el punto de sondeo son esenciales para conseguir que suene el armónico deseado.
El «dedo armónico» también puede tocar en una tercera mayor por encima de la nota pulsada, o una quinta más alta. Estos armónicos son menos utilizados porque son más difíciles de hacer sonar bien. En el caso de la tercera mayor, el armónico está más alto en la serie de sobretonos, y no habla tan fácilmente; en el caso de la quinta, el estiramiento es mayor de lo que es cómodo para muchos violinistas. El sonido de la tercera armónica mayor está dos octavas y una tercera mayor por encima de la nota inferior, y en el caso de la quinta, está una octava y una quinta por encima de la nota inferior.
La notación tradicional de los armónicos artificiales utiliza dos notas en una plica: la nota inferior emplea una cabeza de nota redonda que representa donde la cuerda se detiene fuertemente con el primer dedo, y la nota superior utiliza una cabeza de nota de diamante abierto que representa donde la cuerda se toca ligeramente con el cuarto dedo.
Los armónicos también se tocan raramente en paradas dobles, donde ambas notas son armónicas.
Se pueden encontrar pasajes elaborados en armónicos artificiales en la literatura virtuosa del violín, especialmente del siglo XIX y principios del XX.